Showforum Kunst künstlerische Kreativität. Künstlerische Kreativität und geistige Gesundheit

Die Kunst.

In der KUNST WIDERSPIEGELT SICH Die Welt. Sie hilft dem Menschen Sein Schöpferisches Können ZEIGEN. Die Kunst Aersrhert und Formt den Menschen, Erzieht Die höchen Eigenschaften ein, appelliert ein menschliches Gefühle, Länsst IHN MITHNLEBEN, MIDENKEN.

ES GIBT VERSIEGENE KUNSTARTEN: KINO, Theater, Malerei, Skulptur, Literatur, Architektur, Tanz und Musik. Die Kunst Nimmt im Leben der Menschen Einen Wichtigen Platz. DANK IHR WID DAS LEBEN SCHÖNER. Durch Die Kunst Lernen Die Menschen Die Natur und Die Anderen Menschen Bessen Kennen und Verstehen Ihre Gedankinen.

Viele Menschen interessieren Sie sich für Kunst. Ich bin uch keine ausnahme. Malerei BereeTet MIR ist auferstatt, Vergnügen. MIR GEFALLEN SOLCHE MALER WIE SCHISCHKIN, AIWASOWSKI, SEROW.

Die Bilder von Schischkin "der Roggen", "Waldische Weise" Nageln Die Schönheit des Russlands Waldes Fest. Diese Bilder, wie Sein Ganzes Schaffen, SID der Bestätigung der Größe und der Anmut der Russaken Naturgewidmet.

Bei Aiwasski ist das BILD "Das Schwarze Meer" Bekannt. Das ist Sein bestes BILD in 70-80 Jahren. Das Meer-Krieg sein Lieblingsthema. Er gestrenge das Meer in Seinen verschandenen Zuständen, in Verschiedemer Beleuchtung Dar.

SEROW Schauf, Erstes Meisterwerk "Das Mädchen mit Pfirsichen", ALS ER 22 Jahre alt Krieg. Diesen Mädchen Hut am Bild einen Ernten, schnelle Erwachsenen Augenblick. In den IMEM AUMENBLICK ERRENEN SICH HOHE ITEALE. Erkrieg ein Berühmter Porträtmaler. Außer-Portrachen Arbeiter er auch An den Landschaften, in denen Manchmal Die Bauern Dargesellschaft gewährt.

Kunst

Kunst spiegelt die Welt wider. Es hilft einer Person, seine kreative Fähigkeit zu zeigen. Kunst bereichert und bildet eine Person, bringt die besten Eigenschaften auf, spricht menschliche Gefühle an, lässt Ihnen Sorgenstellen, denken Sie.

Es gibt verschiedene Arten von Kunst: Kino, Theater, Malerei, Skulptur, Literatur, Architektur, Tanzen und Musik. Kunst braucht einen wichtigen Ort in das Leben einer Person. Dank ihm wird das Leben schöner. Durch die Kunst lernen die Menschen, die Natur und andere Menschen besser zu erkennen und ihre Gedanken zu verstehen.

Viele Menschen interessieren sich für Kunst. Und ich bin auch keine Ausnahme. Malerei gibt mir ein besonderes Freude. Ich mag Künstler wie Shishkin, Aivazovsky, Serov.

Bilder von Shishkin "Roggen", "Wald Dali" betont die Schönheit des russischen Waldes. Diese Gemälde sind wie alle seine Arbeit der Bestätigung der Erhabenheit und der Gnade russischer Natur gewidmet.

Aivazovsky hat ein ziemlich bekanntes Bild "Schwarzes Meer". Dies ist sein bestes Bild in den 70er und 190er Jahren. Das Meer war sein Lieblingsthema. Er porträtierte das Meer in seinen verschiedenen Staaten, verschiedene Beleuchtungen.

Serov schuf sein erstes Meisterwerk "Mädchen mit Pfirsiche", als er 22 Jahre alt war. Dieses Mädchen hat eine ernsthafte Malerei, fast erwachsenen Look. In diesem Blick werden hohe Ideale erraten. Er war ein berühmtes Porträt. Neben den Porträts arbeitete er auch an Landschaften, in denen die Bauern manchmal dargestellt wurden.

"Auf dem Foto"

Susan Sontag.

Ethik und Ästhetik in einer Flasche.

"Die Einschränkungen des fotografischen Wissens der Welt sind so, dass es ein Katastrophen gewissen kann, aber am Ende wird es niemals ethisches oder politisches Wissen sein. Wissen, gehofft auf feste Fotos, wird immer eine Art Sentimentalismus sein, alles ist gleich zynisch oder humanistisch. Es wird Wissen zu ermäßigten Preisen sein - das Abbild von Wissen, der Anschein der Weisheit sowie der Schießen des Schießens gibt es eine Ähnlichkeit der Aufgabe, wie Vergewaltigung. Das sehr träumt von dem, was hypothetisch von Fotos verständlich ist, und ist ihre Attraktivität und Verschulden. Die Allvesenz von Fotografien hat einen unvorhersehbaren Effekt auf unser ästhetisches Gefühl. Duplizieren Sie unsere bereits registrierte Welt mit ihren Bildern, das Foto erlaubt uns zu glauben, dass die Welt zugänglicher ist als in der Tat. "

"UTC" und andere Geschichten aus der Welt der Kunst "

Bruce Chatvin.

Über Porzellanbecher und diejenigen, die sie zum Leben widmen.

"Utz stundenlang verschwanden in Dresdner Museen und betrachteten die Figuren der Charaktere der Comedy del Arte aus den königlichen Sammlungen. In Glas-Sarkophagas verriegelt, schienen sie ihn in ihre geheime liliputische Welt anzurufen und wurden für die Freilassung gebetet. Sein zweiter Artikel wurde als "Privatsammler" bezeichnet:

"Das Ding in der Museums-Showcase - er schrieb, - sollte sich wie ein Tier im Zoo fühlen. Indem Sie ein Museumsausstellung werden, stirbt das Ding - aus der Erstickung und der Unmöglichkeit der Privatsphäre. Da der Besitzer der Home-Kollektion kann, aber eher aber nicht berühren kann. So wie ein Kind das Thema berührt, um ihm einen Namen zu geben, einem leidenschaftlichen Sammler, dessen Auge und Hand immer in Harmonie ist, geben Sie den lebenswissenschaftlichen Berührung von ihrem Schöpfer wieder Dinge. Der Hauptfeind des Sammlers ist der Keeper des Museums. Im Idealfall, mindestens einmal in fünfzig Jahren, leeren Sie alle Museen, damit ihre Kollektionen wieder in privaten Händen herausgestellt wurden ... "- Wie Sie es erklären können, - bat die Mutter des Familienarztes, - Manisches Wischen von Caspar-Porzellan? Perversion, - er antwortete, - das gleiche wie alle anderen. "

"Notepad Bento"

John Berger

Philosophie der Kunst der ersten Person.

"Die Körperkörper, die ihrer Kunst gewidmet waren, sind inhärenten Dualismus. Und es ist in allem wahrnehmbar, was sie nicht tun würden. Sie verwalten ein Arten von Unsicherheitsprinzip; Anstatt sich aus dem Zustand des Teilchens in den Zustand der Welle zu bewegen, wechselt ihr Körper alternativer ein Donent, dann für nichts.

Sie haben ihren Körper vor tiefem Verstand verstanden, was darin sein kann, und kann sich abwechselnd in ein paar Sekunden wechseln, dann alle wenigen Minuten.

Dualismus in jedem Körper inhärent - und es gibt etwas, das es ihnen ermöglicht, während der Leistungen zu verschmelzen. Sie lehnen sich übereinander auf, tragen, verschleiern, rollen, getrennt, teilnehmen, stützen sich gegenseitig, und gleichzeitig bilden zwei oder drei Körper eine einzige Religion, ähnlich dem lebenden Zellen von Molekülen und Informationsträger, nicht Wald, wo Tiere wohnen "

"Film"

Unterkunft

Klassifizierung von Bildern und Filmzeichen.

"Kino konvergiert nicht mit anderen Kunstarten, deren Zweck, der eher früher als unwirklich in der Welt zu sein ist, aber eine Unrealisiere oder Erzählung aus der Welt ist: Mit der Erfindung des Kinos wird kein Bild mehr zu der Welt, aber das Welt ist in gewisser Weise. Es kann darauf hingewiesen werden, dass die Phänomenologie in gewisser Hinsicht auf der dock scheinbaren Stufe in gewisser Weise stecken ist, was seine unbeholfene Position erklärt: Die Phänomenologie bringt die natürliche Wahrnehmung in eine privilegierte Position, weshalb die Bewegung auch mit der Pose korreliert (nicht mehr signifikant und einfach existential). Infolgedessen wird die Filmbewegung sofort als nicht beobachtet, da die Treue der Wahrnehmungsbedingungen nicht beobachtet wird und außerdem eine neue Art von Erzählung erteilt wird, die in der Lage ist, in der Lage ist, "näher" wahrgenommen und wahrgenommen "und wahrgenommen, Frieden und Wahrnehmung bringen. Zumindest machte ein solcher Eindruck auf uns eine komplexe Theorie im phänomenologischen Geist der Albert Laffe. "

"Tintin und Mysterium der Literatur"

Tom McCarthy.

Begründung über literarische Fiktion, die sehr leicht zu lesen ist.

"Öffnen Sie den ersten alten Roman: die Erzählung als solche, es ist vorgespeichert, eine äußerst unzuverlässige Aussage" klären ", aus der der Autor von den Ereignissen gelernt hat, über die Sie lesen müssen. Die Gründer des modernen Romans arbeiteten im XVII Jahrhundert, als die Wissenschaft begann, dass nur bewährte Fakten beschrieben wurden, und die Theologie sagte immer noch, dass die Sinters liegen. Unter diesen Bedingungen griff Prosaiki auf alle möglichen Tricks zurück, so dass ihre "Früchte der Fantasie" und "Romantische Fantasien" den unveränderlichen Prinzipien der Ehrlichkeit und der tatsächlichen Genauigkeit nicht widersprechen. Daniel entfielen also, dass die Wahrheit besser auszudrücken ist, "das Inspirieren ihres Friedhofs unter einer Maske eines Symbols oder der Allegorie"; John Banyan argumentierte, dass sie die Informationen "von Einzelpersonen erhielt, deren Beteiligung an diesen Ereignissen absolut sicher ist" und Afra Ben frech in einem seiner fantastischen "ehrlichen Geschichten" rief: "Ich werde Sie nicht in der Fiktion erfinden oder eine Art Fahrrad, komprimiert aus romantischen konkreten Umständen; Alle Umstände mit einer Genauigkeit von Iota sind die reine Wahrheit. Ich war selbst ein Augenzeugen von fast allen wichtigen Ereignissen. Und was ich nicht gesehen habe, bestätigte mir die Helden dieser faszinierenden Geschichte, den spirituellen Gesichtern aus der Größenordnung von St. Francis. "

Kamera Tintina, AfraI-Ben-Mönche - all diese literarischen Techniken, die zum Erstellen einer Delikatesse-Flakel rund um die Fiktion schaffen. AFR BEN, wie Tintin, wird sogar zu einem Charakter und stellt sich als in der Mitte der Ereignisse heraus, die die Welt erzählen wird. Diese Einheit in zwei Gesichtern teilt die Realität auf verschiedene Ebenen auf. "

"Architektur als Erholung"

Sam Jacob

Da der städtische Raum die Geschichte widerspiegelt und schafft.

"In seinem freien, unbegrenzten Umschreiben der Vergangenheit nutzt die Architektur Geschichte als Sprungbrett in die Zukunft. Sie stellt sich unmenschlich wieder her, wodurch sich in seiner Zukunft bewusst seine Vergangenheit verliebt und den Mythos wieder in den Stoff des Kommens inhärent. Gleichzeitig schlägt die Architektur ihre eigenen neuen Vorschläge vor, indem sie in denselben Grenzen einführt, in denen vorhandene Sprachen, Materialien und Typologie befinden. Erholung der Wiederholung der Wiederholung dessen, was bereits dort ist, hilft, den Schock aus der Neuheit zu erweichen, während sich selbst ein unvermeidliches Produkt historischer Umstände erklärt. So die Architektur von Mythologisiert seine eigene Kreation, die sich mit historischen Argumenten verleiht und die Welt der Zukunft und all dem - innerhalb seiner Essenz anbietet.

Unternehmensarchitektur zur Selbstreproduktion ist etwas mehr als ein Witz, der nur verständlich ist. Im Gegensatz zum Beispiel von den Teilnehmern in historischen Rekonstruktionen sammelt sie niemals Dinge und geht nicht nach Hause, denn selbst ist sich selbst (oder anderer Raum, in dem wir sein könnten). Die architektonische Erholung ist völlig ernst und absolut echt. "

"Aktion ist ein Formular"

Keller Easterling.

Wie Gutenberg in der Architektur zu einer Schlüsselfigur wurde.

"Um die Bedeutung der Aussage-Architektur zu verstehen, und es gibt Informationen, d. H. Um Wasser materiell zu machen, ist das Gedankengang erforderlich, ähnlich der Untersuchung der Prinzipien der Arbeit, aber impliziert die Überwindung von Vereinigungen, die sich auf das Wort beziehen" Information ". Informationen, insbesondere in der digitalen Kultur, dieser Text oder dieser Code ist, dass er auf dem Bildschirm erscheint und mithilfe eines der vielen Sprachen erkannt wird. Die breiteren solcher Geräte sind verbreitet, desto schwieriger ist es, räumliche Technologien oder Netzwerke zu finden, die nicht von der digitalen Welt abhängen. Die Welt wird zum "Internet der Dinge", in der intelligente Gebäude, intelligente Maschinen mit unzähligen Mobiltelefonen und digitalen Geräten interagieren. Fast jeder Wissenszweig im 20. Jahrhundert erwies sich als eine untergeordnete Informatik, da sie auf Informationssysteme angewiesen wurde, die Computer- und Messungen ermöglichen, mehr oder weniger zuverlässige Prognosen zu erstellen.

Die Architektur und Architektur können auch in den Werken von Cedric Price und Christopher Alexandera gesehen werden. Ein solcher Guru des späten 20. Jahrhunderts, wie Kevin Kelly, an der Welle des wirtschaftlichen Erfolgs der digitalen Branche, bot uns an, Autos wie "Chips mit Rädern", Flugzeuge - wie "fliegende Chips mit Flügeln", Gebäude - wie Wohnungspäne und große Schafspannen und Kühe. Natürlich werden sie alle materiell sein, aber jedes Gramm ihrer echten Essenz wird einfach mit Wissen und Informationen ausgestopft. "

"Pilze, Mutanten und andere: Architektur Ära Luzhkov"

Dasha Paramonova.

Darüber, wie die Architektur die Ära widerspiegelt.

"Einige und vielleicht radikal die radikalste Richtung der Umwandlung eines industriellen Ansatzes im post-sowjetischen Russland wird zur Verwendung dieser praktischen Methode bei der Konstruktion religiöser Strukturen. Um das spirituelle Leben der Bürger zu dienen, sollte Moskau mit einem einheitlichen Gitter der Kirchen bedeckt sein. Nach Berechnungen ist es notwendig, ein Minimum von 200 neuen Tempeln aufzubauen, aber das Gesamtdefizit der Kultgebäude wird jedoch von Vertretern des ROC in 600 Objekten geschätzt. Projekte, die von MOSPROJECT-2 und MOSPROEKT-3 entwickelt wurden, können für einen Zeitraum von 1 bis 6 Monaten errichtet werden. Zwei Tempelarten werden angeboten - einöl- und fünf beliebt sowie verschiedene Variationen der Klebstoffe und die Oberflächen. "Durch das Ändern der Kuppeln, Fertigstellungen und Farblösungen können daher eine große Anzahl von Optionen erscheinen", sagt Alexander Kuzmin. Ein solcher utilitarischer Konstruktionsansatz legt nahe, dass die Religion im Leben Russischen die gleiche natürliche Sache ist wie eine Garage oder Hütte, und die Kirche im Bezirk ist wie ein Wärmepunkt oder ein Spielplatz. Die Zusammenarbeit des Staates und der Kirche beginnt Ende der achtziger Jahre mit Anerkennung des Rechts auf Gewissensfreiheit, und 2012 initiiert diese Union einen skandalösen Gerichtsfall gegen künstlerische Aktivisten, die "Jungfrau Maria, Putin RuneTy" haben ". Religion und Macht sind jetzt nicht nur eine alliierte, sondern Partner. Nach Vertretern des ROC sollte der Bau typischer Tempel nicht nur die historische Gerechtigkeit wiederherstellen, sondern auch, um die Gesellschaft homogener zu machen, das Bild des richtigen Bürgers zu übersenden, der zu Fuß in die orthodoxe Kirche fühlt. "

"Das Kunstwerk in der Ära seiner technischen Reproduzierbarkeit"

Walter Benjamin.

Kunst mit Aura und ohne sie.

"Die Einzigartigkeit des Kunstwerks ist identisch mit seiner Verfälschung in der Kontinuität der Tradition. Zur gleichen Zeit ist diese Tradition selbst - das Phänomen ziemlich lebhaft und extrem mobil. Zum Beispiel existierte eine antike Venusstatue für die Griechen, für die es sich um eine Frage der Anbetung in einem anderen traditionellen Kontext als für mittelalterliche Kleriker handelte, die darin ein schreckliches Idol gesehen wurden. Das war für diejenigen und für andere ebenso wichtig, also ist dies die Einzigartigkeit, mit anderen Worten: ihre Aura. Der anfängliche Weg, um das Kunstwerk in den traditionellen Kontext einen Ausdruck in einem Kult zu platzieren; Die ältesten Kunstwerke stammten, da es bekannt ist, dem Ritual zu dienen, zuerst das magische und dann religiöse. Der Umstand ist der entscheidende Wert, den dieser Pfeil, der ein Vorhandensein des Kunstwerks verursacht, niemals vollständig von der rituellen Funktion der Arbeit ausgenommen ist. Mit anderen Worten: Der einzigartige Wert des "echten" Kunstwerks basiert auf dem Ritual, in dem er seine erste und erste Anwendung gefunden hat. Diese Basis kann wiederholt vermittelt werden, jedoch in den streunendsten Formen des Servierschönheits, bricht er als säkularisiertes Ritual. Der professionelle Kult des Ministeriums, der sich in der Ära der Renaissance entstand und drei Jahrhunderte existierte, klar entdeckt, nachdem er nach dieser Zeit die ersten schweren Schocks, ihren rituellen Fundamenten, erlebt hatte. Wenn nämlich die Fotografien mit dem Aufkommen des ersten revolutionären Reproduktionsmittels (gleichzeitig mit dem Auftreten von Sozialismus) die Annäherung der Krise beginnen, in welchem \u200b\u200bJahrhundert später völlig offensichtlich wird, wird es die Lehre von L " Kunst gießen l "Kunst als Antwort. Theologie der Kunst."

"Bedruckte Zeit"

Andrei Tarkovsky.

Poetischer Aufsatz über Zeit, Musik und Kunst insgesamt.

"Zeit ist der Zustand für die Existenz unserer" I ". Unsere Ernährungsatmosphäre, die als unnötiger Persönlichkeitslücke mit den Bestimmungen seiner Existenz zerstört wird. Wenn der Tod kommt. Und der Tod der individuellen Zeit auch - wodurch das Leben eines Menschen für die Gefühle der Überlebenden unzugänglich wird. Tot für andere.

Die Zeit ist notwendig, um den Menschen so notwendig, dass er verkörpert, er könnte als Person fungieren. Aber ich meine nicht eine lineare Zeit, dh die Gelegenheit, etwas zu tun, um etwas zu tun, machen Sie eine Art Handlung. Die Tat ist das Ergebnis, und ich spreche von dem Grund für eine dünnende Person in einem moralischen Sinne.

Die Geschichte ist noch keine Zeit. Und auch Evolution. Diese Reihenfolge. Zeit ist ein Zustand. Die Flamme, in der Salamander der menschlichen Seele lebt. "

"Hinweise zum" Rosennamen "Feldern"

Umberto Eco.

Faszinierende Backstage über Postmodern-Spiele.

"Postmodernismus ist eine Antwort auf die Moderne: Seit der Vergangenheit ist es unmöglich, es zu zerstören, da seine Zerstörung zu einem sanften führt, es muss, ironischerweise, ohne Nugendgut, umgesetzt werden muss. Die postmoderne Position erinnert mich an eine verliebte Person in eine sehr gebildete Frau. Er versteht, dass er ihr nicht sagen kann "Ich liebe dich wahnsinnig," weil er versteht, dass sie versteht (und sie versteht, was er versteht), dass solche Phrasen das Vorrecht des Labys sind. Es gibt jedoch einen Ausweg. Er muss sagen: "Laut Lilas Ausdruck - ich liebe dich wahnsinnig." Gleichzeitig vermeidet er eine dürfte Einfachheit und zeigt es direkt, dass es nicht die Gelegenheit hat, einfach zu sprechen; Trotzdem bringt er auf ihre Aufmerksamkeit, was sie bringen würde, - das heißt, dass er sie liebt, aber dass seine Liebe in der Ära der verlorenen Einfachheit lebt. Wenn eine Frau bereit ist, das gleiche Spiel zu spielen, wird sie verstehen, dass die Liebeserklärung eine Verliebungen bleibt. Keiner der Gesprächspartner bleibt nicht der Einfachheit, sowohl für den Anstalt der Vergangenheit standhalten, der Ansturm von überall in der genannten, von dem Sie nicht überall hinkommen können, sowohl bewusst als auch freiwillig das Spiel der Ironie eingeben ... und dennoch gelang es ihnen Sprich wieder über Liebe. "

"Kino zwischen Hölle und Paradies"

Alexander Mitta.

Tutorial für Teekannen, wie man einen brillanten Film entfernen kann.

"Verdient ist so etwas wie eine Prüfung, die die Designelemente der Struktur vor dem Publikum standhält. Wenn die dramatische Situation gut ist, ergibt sich dauerhaft. Wenn die dramatische Peripetie richtig entwickelt wird, erhalten Sie alles, was Sie wollten, zuzüglich der Entwicklung. Wenn das Ereignis den Konflikt richtig eröffnet hat, wächst er dauerhaft mit der Bedrohung des Helden und der unerwarteten Wendungen der Aktion.

Der Direktor, der den Begriff "wesentlich" in die Verwendung des Begriffs eingeführt hat, - Alfred Hitchcock. Er rief sich dauerweise "die intensivste Vorstellung von der dramatischen Situation, die nur möglich ist." Hichkok sagte, als er anfing, als er anfing, Filme zu schießen, dachte er: "Wie würden alle Sterne meine Filme aufnehmen? Es ist notwendig, ihre Geschichte zu verführen, in der etwas geheimnisvoller und unruhiger ist, es ist notwendig, in ihnen Gefühle aufzuwachen. " Dies ist die Geschichte, um sie zu suspen.

Hitchcock sagte irgendwie dem französischen Regisseur Truffo:

Wenn ich Geschichten erwerbst, bin ich mir am meisten Sorgen um die Charaktere, sondern Treppen, die knarrt.

Was ist das? - Fragte Truffo.

Treppen, die knarrten und unter dem Helden treffen können. Ich nenne es "sude".

"Garten, Fourier, Loiola"

Rolan Bart.

Literarisches Spiel in Perlen.

"Wenn Sie sich vom Garten nach Fourier bewegen, fällt der Sadismus, wenn Sie sich von Loiol zum Garten bewegen - Kommunikation mit Gott. Andernfalls derselbe Brief: derselbe Brief: die gleiche Klassifizierungskreatur, ein und der gleiche unkontrollierte Wunsch, (den Körper Christi, den Körper des Opfers, die menschliche Seele), eine und eine Besessenheit mit Zahlen (um Sünden, Folter, Leidenschaft zu berechnen Und sogar Fehler in der Punktzahl), die gleiche Bildungspraxis (die Praxis der Nachahmung, Gemälde, Session), die gleichen Umrisse des Systems - soziale, erotische, fuamatische. Keiner dieser drei Autoren gibt dem Leser frei seufziert; Alle sind Vergnügen, Glück und Kommunikation je nach unflexibler Reihenfolge oder, um einer noch größeren Aggressivität von einigen Kombinatorik umso größer. Also, hier werden sie alle drei kombiniert: den verdammten Schriftsteller, den großen Utopist und den Heiligen Jesuiten. "

"Francois's Kreativität und die Kultur der Menschen des Mittelalters und der Renaissance"

Mikhail Bakhtin.

Als Volkskultur wird Teil der großen Literatur.

"Alles reichsten volkskultur Lachen Sie im Mittelalter lebten und entwickelt sich außerhalb des offiziellen Bereichs der hohen Ideologie und der Literatur. Genau das, da dies inoffiziell seine Existenz ist, zeichnete sich die Kultur des Lachens durch exklusives Radikalismus, Freiheit und gnadenlose Nüchternheit aus. Mittelalter, ohne das Gelächter an einen der offiziellen Bereiche des Lebens und der Ideologie zuzulassen, lieferte ihm außergewöhnliche Privilegien auf Freiheit und Strafe außerhalb dieser Gebiete: auf dem Platz, während der Ferien, in der Erholungsfestliteratur. Und mittelalterliche Lachen gelang es, diese Privilegien weit verbreitet und zu tief zu nutzen.

Und hier in der Ära der Wiederbelebung des Gelächters in seinem radikalsten, universell, sozusagen und gleichzeitig in seiner lustigsten Uniform, nur einmal in der Geschichte, nur einmal in der Geschichte auf etwa sechzig Jahren (in verschiedenen Ländern unterschiedlicher Zeiten ) brach aus Folktiefen zusammen mit Menschen ("vulgäre") Sprachen in mehr Literatur und hohe Ideologie, um eine wichtige Rolle bei der Schaffung solcher Werke der Weltliteratur zu spielen, wie Decameron Bokcchcho, römischer Rabel, römischer Diener, Drama und Shakespeare Comedy und andere. "

"Notizen und Extrakte"

Mikhail Gasparov.

Sehr witzige Argumentation über Literatur, Philologie und Kritik.

"Sobald ich zufällig gesagt hatte:" Nicht weil Lermontov wir mögen, ist er großartig, aber im Gegenteil, wir nennen es großartig, weil wir es mögen. " Es schien mir, dass dies eine Banalität ist, aber v.v. Skeeinova aus irgendeinem Grund war es sehr empört. Ich denke immer noch, dass unsere "Like-Abneigung" unzureichend ist, um einen Schriftsteller groß oder klein zu erklären. Ich würde es vorziehen, dass der Schriftsteller gut ist, dass ich nicht gefällt, wer nicht gefällt, wer über meinen Geschmack hinausgeht: Schließlich habe ich nicht das Recht, meinen Geschmack zu betrachten, mein Geschmack ist nur, weil es mir gehört. Es wäre noch besser, anstelle seiner egozentrischen Sichtweise, um jemand anderem zu rekonstruieren, wissentlich berücksichtigt: Was würde über einen solchen modernen Dichter Mandelstam sagen? Pushkin? Ovid? Solche hypothetischen Urteile wären wahrscheinlich interessanter; Aber normalerweise denken sie nicht darüber nach, es ist wahrscheinlich die Kämpfung: Sie würden nichts Gutes sagen. "

"Kunst- und visuelle Wahrnehmung"

Rudolph Arnheim.

Psychologische Malereimalerei.

"... Das Licht wird durch ein unabhängiges Phänomen oder eine Qualität, die den Themen selbst innewohnt, und nicht durch die von einem Thema übertragenen Auswirkungen, die von einem anderen Thema," Tag "ist ein helles, an dem oft an die Ansammlung von weißen Wolken nachdenken das kommt von außen und bewegen sich am himmlischen Entwurf. Auf dieselbe Weise wird die Helligkeit der Gegenstände auf der Erde hauptsächlich als Eigentum von ihnen selbst wahrgenommen, und nicht als Ergebnis der Reflexion. Ohne unter Berücksichtigung der besonderen Bedingungen, die nachstehend erwähnt werden, wird die Beleuchtung des Hauses, des Baums oder der auf dem Tisch liegenden Bücher von uns nicht als eine bestimmte Quelle wahrgenommen. Im besten Fall leuchtet Tageslicht oder Licht der elektrischen Lampe die Dinge wie ein Match, der Brennholz hängt. Diese Dinge sind weniger hell als die Sonne oder den Himmel, aber grundsätzlich unterscheiden sie sich nicht von ihnen. Sie sind nur weniger hell glänzend.

Dementsprechend wird die Dunkelheit entweder als Verblendung von Helligkeit wahrgenommen, die dem Thema inhärent ist, oder als der Effekt, der sich herausstellt, wenn sie versuchen, Lichtgegenstände im Dunkelton zu verbergen. Nacht ist kein negatives Ergebnis der Lichtentfernung, sondern

das positive Erscheinungsbild der dunklen Betten, die den Tag ersetzt oder deckt. Die Nacht, wie es den Kindern scheint, besteht aus schwarzen Wolken, die sich so nahe aneinander bewegen, dass Weiß sie nicht durchbrechen kann. Einige Künstler wie Rembrandt oder Goya, zumindest in einigen ihrer Gemälde, porträtierten die Welt als dunkler Raum, Orte, die von Licht hervorgehoben wurden. Es stellte sich heraus, dass sie von der Kunst der Entdeckung von Physiker bestätigt wurden. "

"Ausgewählte Werke Leonardo da Vinci"

Leonardo da Vinci

Als die Person dachte, wer zu einem Symbol seiner Zeit wurde.

"Der schmerzhafte Geist sollte dem Spiegel ähnlich sein, der sich immer in die Farbe dieses Objekts verwandelt, das er als Objekt aufweist, und mit so vielen Bildern gefüllt ist, da es Gegenstände gibt, ist es dagegen. Also zu wissen, dass Sie kein guter Maler sein können, wenn Sie kein universeller Meister sind, wenn Sie Ihre Kunst an alle Eigenschaften der von Natur aus erzeugt haben, und dass Sie sie nicht verstehen, wenn Sie sie nicht gesehen haben zog sie nicht in die Seele, Sie, Sie, Sie sind in den Feldern steinern, so dass Ihr Urteil verschiedene Objekte anspricht, und betrachten einen Artikel konsequent in Betracht ziehen, dann eine andere, eine Sammlung aus verschiedenen Sachen, ausgewählt und ausgewählt von weniger Guten . Und tun Sie nicht dasselbe wie einige Maler, die durch ihre Fantasie müde, Arbeit lassen und zum Training zu Fuß gehen, während Sie in der Seele Müdigkeit halten; Sie wollen nicht nur nicht nur auf verschiedene Gegenstände achten, sondern oft, wenn sie mit Freunden oder Angehörigen treffen, werden sie von ihnen begrüßt, sie sehen sie nicht und hören nicht, und sie nehmen sie nicht anders als diejenigen, die beleidigt sind . "

"Folklore im Alten Testament"

James George Fraser.

Was und wie das berühmteste Buch der Welt ging.

"Russian Cheremsa, (moderner Name - Marie) Menschen in finnischer Herkunft, erzählen der Geschichte der Schöpfung der Welt, erinnert an einige Episoden aus den Legenden des Toraja-Stammes und den indischen Eingeborenen. Gott kletterte den Körper eines Mannes aus Ton und stieg auf den Himmel auf sich, um eine Seele von dort zu bringen, um eine Person wiederzubeleben, und ließ den Hund an seinem Ort, um den Körper in seiner Abwesenheit zu sehen. Inzwischen kam der Teufel und erzielte mit dem kalten Wind dem Hund, verhinderte ihre Pelzbekleidung, um ihre Wachsamkeit zu schwächen. Dann drehte der böse Geist den Lehmkörper und brach ihn so aus, dass er, als Gott zurückkehrte, zu voller Verzweiflung kam, und ohne zu hoffen, jemals den gesamten Schmutz vom Körper zu entfernen, beschloss, das Herz zu befestigen, um den Körper innen zu schließen. Aus irgendeinem Grund hat eine Person so ein schmutziges Innere. Und am selben Tag verfluchte Gott den Hund für ihren kriminellen Verletzung seiner Schuld. "

"Morphologie des magischen Märchens"

Vladimir PRIPP.

"Wir übernehmen einen Verhaftungsvergleich dieser (magischen) Märchen. Zum Vergleich bringen wir zusammengesetzte Teile der magischen Märchen für spezielle Techniken hervor und vergleichen anschließend Märchen an ihren Komponenten. Das Ergebnis ist Morphologie, d. H. Beschreibung der Märchen auf Komponenten und der Haltung der Teile zueinander und ins Ganze. Welche Methoden können ein Märchen genau beschreiben? Vergleichen Sie die folgenden Fälle:

1. Der Sir gibt eine Abgelegenheit des Adlers. Eagle nimmt ein anderes Königreich ein.

2.Dad gibt ein Pferdpferd. Pferd trägt Suchkos in ein anderes Königreich.

3. Koldun gibt Ivan das Boot. Das Boot nimmt Ivan in ein anderes Königreich.

4. VERKAUFT BESTELLT IVAN RING. Gut gemacht von den Ringen transportieren Ivan in ein anderes Königreich; usw.

In den Fällen gibt es dauerhafte und variable Werte. Namen ändern (und mit ihnen und Attributen) handelnde Personen, ihre Aktionen oder Funktionen ändern sich nicht. Daher der Schlussfolgerung, dass das Märchen oft dieselben Aktionen auf verschiedene Charaktere nennt. Dies gibt uns die Gelegenheit, ein Märchen für die Funktionen der Handlungen zu lernen. "

"Foto ..."

Alexander Lapin

Grundlegende Arbeit an der Komposition auf dem Foto.

"Natürlich nutzen die überwältigende Mehrheit der Fotografen den Sucherrahmen als Sicht, um die Kamera darauf zu bringen, dass sie interessiert sind. Gleichzeitig werden weder der Hintergrund noch die umgebenden Details berücksichtigt. IM englische Sprache Das Wort schießen hat zwei Bedeutungen: schießen und entfernen. Die vorliegende Arbeit mit der Kamera ist völlig anders, es ist der Bau des Rahmens, der Organisation davon. Der Fotograf sorgt dafür, dass nichts überflüssige Stürze im Rahmen in den Rahmen fällt.

Er wählt absichtlich die Details des zukünftigen Bildes, sucht einen Sinn in ihrer Kombination und Position, beschwert sich von ihnen, sucht ausdrucksgünstig, sucht den Rahmen rechtmäßiger Inhalte. Komposition und Ausdruckskraft Der Künstler findet auch in der Realität selbst, aber der Fotograf ist schwieriger, er kann sein Bild nicht von einzelnen Beobachtungen synthetisieren und muss es einen Job finden. Der Fotograf meint, der Denken, Kreativ, das Verständnis, die Fotografie ist eine bestimmte Aussage, deren Bedeutung vom Betrachter "lesen" sein sollte. Jede Anweisung muss die Nachricht dekoriert, organisiert sein. Beispielsweise enthält ein Satz beliebiger Wörter ohne Grammatik- und Interpunktionsregeln nicht praktisch keine Informationen. Gleiches gilt für die Anweisung von Visual - Fotos. Daher muss die Hauptsache darin zugewiesen werden (Akzente, Ausrufezeichen), seine Teile müssen zugeordnet sein (Syntax), es, die Anweisung, hat den Anfang und das Ende, sinnvoller Details ist dem entsprechenden Angebot und so weiter. "

Kunst ist eine intellektuelle ästhetische Form von Wissen der sozialen Realität: In der künstlerischen Arbeit werden die Wahrheit (die Wahrheit des Autors) und Schönheit normalerweise kombiniert. In Anbetracht der Teilnahme an der künstlerischen Arbeit des Intellekts des Autors, der durch seine intuitiven Empfindungen angeregt wurde, kann die Kunst sogar die Entwicklung der Realität entdecken.

Betrachten Sie die wichtigsten Phasen des Wissens der Kenntnis der Kunst.

Aristoteles, Stille der Konturen der Theorie von Mimezis - Nachahmung, enthüllte das Hauptmerkmal der Kunstkenntnisse im Bildern in Bildern. Die mittelalterlichen Theologien wurden von der Technik als Methode für die Zulassung einer Person an das "Göttliche" mit Hilfe der irdischen Formen bewertet. Der ästhetische Gedanke der Renaissance-Ära hat sich auf die einleitende Essenz der Kunst als "Spiegel" des Lebens (Leonardo da Vinci) konzentriert. Wir sehen die Konvergenz der Wissenschaft und der künstlerischen Kreativität. Später galt (DIDRO, 18. Jahrhundert) Kunst als Form der Erkenntnis der Wahrheit in den lebenden Gemälden der Realität. Die deutsche klassische Philosophie suchte nach Quellen künstlerischer Kreativität im "Kingdom of Spirit" (Kant - "geeignete Tätigkeit ohne Ziel", Schiller- "Game", Hegel - "Manifestation des Geistes" ..., "Direkte Kontemplation der Wahrheit" ...). Chernyshevsky-Materialist verstand Kunst als Form des Wissens des Lebens. Er argumentierte, dass das Thema der Kunst "alles interessant ist für eine Person im Leben." Marx glaubte, dass die ganzheitliche und umfassende Natur des künstlerischen Bewusstseins zum Individuum im Bewusstsein seiner "generischen Entität" trägt als die Grenzen der unmittelbaren Erfahrung von Einzelpersonen, die eine ganzheitliche menschliche Persönlichkeit bilden.

Die wichtigste soziale Funktion der Kunst ist also die "künstlerische Entwicklung der Welt", die zur Schaffung von Realität beiträgt, "nach den Schönheitsgesetzen" (zum Beispiel eine Präsenz im zwanzigsten Jahrhundert des Designs, die Ästhetik und Pragmatik kombiniert) . Die soziale Funktion der Kunst fördert auch die Bildung und Selbstverformung der Persönlichkeit "nach den Gesetzen der Schönheit".

Im Mittelalter machten sieben freie Kunst, die Trivium - Grammatik, Logik und Rhetorik und Quadryvium - Arithmetik, Musik, Geometrie und Astronomie ausmachen. Unter den westungsgeländigen Arten spektakulärer Kunst, Malerei und Sculpura wurden viele Jahrhunderte dominiert.

Wie ist Kunst jetzt eingestuft? Aspekte der künstlerischen Kreativität sind Literatur, Kino, Theater, Tanz (Choreographie), Musik, Malerei, Skulptur, Architektur. Das Kriterium der Entwurfsmechanismus ist der Mechanismus der Wahrnehmung: visuelle, visuelles Anhörung, Hörformen und Kunstgenres. Oft als Kriterium gilt als Sprache als Hauptkommunikationsmittel (Semiotika unterscheiden die Sprachen verbal, geschrieben, Bilder, Gesten, Maschinen ...).

Künstlerische Suche, angesichts der Tatsache, dass Kunst das menschliche Leben ausdrückt, werden im Kontinuum der Opposition völlig widersprüchliche Widersprüche durchgeführt: Die Wahrheit ist eine Täuschung, schön - hässlich, gut - böse. Im Allgemeinen ist diese semantische (Wert) Universität (Stahl) von Menschen in der objektiven Welt überlagert und ist ein Kulturfeld. Die Komponenten dieser Felderwissenschaft, Moral, Kunst. Die Wissenschaft ist mehr auf der Suche nach Wahrheit, Ethik - auf gut, Kunst ist auf dem schönen. Von all diesen Arten von Kreativität drückt Kunst das Leben am ganzheitlichsten aus - sie bildet sich in der inneren Welt des Lebensstils einer Person, das menschliche Verhalten und Aktivitäten orientiert, um Ziele in Wertsachen und den in der Kulturgesellschaft angenommenen Normen zu erreichen. Um das Wesen der künstlerischen Kreativität zu verstehen, ist es daher notwendig, die Konzepte der Wahrheit, Schönheit und Gut zu analysieren, zusammen mit ihren Schatten zusammengenommen: Fehler, hässlich und böse.

Es ist bekannt, dass die Wahrheit das Ergebnis einer angemessenen Reflexion der Realität eines lernenden Subjekts ist. Angemessene Reflexion (Ausdruck) bedeutet Schaffung, in unserem Fall des Künstlers, ein neues Image im Kontext der Realität selbst, d. H. In all seinen Verbindungen. Ein solches Verständnis der Wahrheit ist jedoch in erster Linie von der wissenschaftlichen Gemeinschaft, die die Objektivität des Forschungsergebnisses erfordert, d. H. Seine Unabhängigkeit vom Bewusstsein. Künstlerische Produkte trägt jedoch immer den Lebensgefühl des Autors, daher die Wahrheit in der Technik "... es ist dasselbe, dass ... Sinnlichkeit." 41 TRUE, diese Definition hat die Annahme, dass Gefühle nicht falsch sein können. Benötigen Sie eine Korrektur: Künstler erkennen beispielsweise, dass jede Rolle sinnliche Füllung mit Elementen des Bewusstseins erfordert. Letzteres ist notwendig für die moderne Interpretation der Rolle, die beispielsweise in Shakespeares Spielen benannt ist. Die Interpretation erfolgt auf der Verfolgung des modernen Lebens, da es dem Schauspieler und dem Direktor scheint, der ein aktives Bewusstsein und die soziale Realität erfordert.

In Anbetracht der Tatsache, dass der Autor in der künstlerischen Arbeit wie farbenfrohe Prismen ist, brechen Sie die Widersprüche der menschlichen Existenz in moderne WeltDie Bestimmung der Wahrheit des Ergebnisses der künstlerischen Suche ist am besten, "von Aristoteles" zu halten. Er argumentierte, dass die Wahrheit die Konformität des Gedankens des Themas ist, und das Missverständnis ist die Inkonsistenz von ihnen. Es gibt eine Legende, die der Künstler ein Picasso-Kubist ist, der von Hooligans angegriffen wurde, auf Antrag der Polizei, die ihre Porträts lackierten. Nutro im Zoo wurde identifiziert und festgenommen, zwei Zebras und Schlangen. Es ist klar, dass der Künstler seine Ideen über die Angreifer ausdrückte und vielleicht gezeichnete Bilder den Gefühlen entsprachen, aber sind sie wahr? Was als Wahrheit in der Kunst? Anscheinend müssen wir zustimmen, dass die Wahrheit in der Kunst auf die Wahrheit der Gefühle des Künstlers kommt. Hier treten wir in den spontanen Boden relativ und daher die Geisterstandards der ästhetischen Schätzungen, die natürliche Schlussfolgerung aller unserer Reflexionen ist, dass der Raum der Wahrheit der künstlerischen Arbeit ausdehnt und von nun an expandiert wird, in unglaublichem Postmodernismus behauptet, dass immer mehr Menschen, dh "Ästhetische Prismen" ist in den Prozessen der künstlerischen Kreativität enthalten.

Der nächste Bestandteil der künstlerischen Kreativität ist der Widerspruch "schön - hässlich". Gibt es ein wunderbares und hässliches in Wirklichkeit oder all das existiert nur in unserer Fantasie? Ewige Frage! Die Geschichte des Gedankens sagt folgendermaßen. Platon zeichnete aus, was schön ist und was schön ist, d. H. die Essenz und ihre Manifestation auszeichnen. Er sah die Essenz in der göttlichen Idee, von der die Existenz aller schönen Phänomene abhängt. Ansonsten erinnert sich "die lokale Schönheit, erinnert er (Mann) an die Schönheit des True". Der Vermesser findet die "Idee der Schönheit", indem Sie Schönheit als objektives Eigentum der Realität als Manifestation seiner Muster "am meisten in Betracht ziehen Wichtige Formen der schönen, dieser Reihenfolge (im Weltraum), der Verhältnismäßigkeit und der Gewissheit ... ".42 Dann sagen Sie, dass Schönheit ein Vergnügen ist, das als Qualität der Dinge angesehen wird. Später wird ausgezeichnet als ein sinnlich in Betracht gezogenes Bild der universellen Implementierung der menschlichen Freiheit erläutert. Ich denke, ein sehr genauer Ansatz von Marx: "Unsere Bedürfnisse und Freuden werden von der Gesellschaft generiert; Daher fügen wir ihnen eine öffentliche Maßnahme an, und wir messen nicht ihre Artikel, die für ihre Zufriedenheit dienen. "43 Über diese" Öffentliche Messung "sind heute Diskussionen zu den Themen" Was ist der Held unserer Zeit? "," Wie und wie schön und hässlich ist es darin kombiniert? " usw. Ein wenig darüber. Umane ist per Definition das Schöne gegenüber. Es ist etwas Hässliches, Tieflands, verursacht ein Protestgefühl. Es ist klar, dass Ideen über hässlich von nationaler, historischer, Klasse und Geschmacksunterschiede abhängen. Cicero argumentierte, dass das hässliche in der Kunst dem Kugel lustig gehört, weil das Gelächter hauptsächlich dadurch bezeichnet wird, dass er bedeutet oder offenbart - entweder hässlich nicht hässlich. Im Mittelalter wurde das Hässliche mit dem Bösen identifiziert. Später (LESING) verteidigte die Gültigkeit der Hässlichen in der Poesie als Mittel der aufregenden Empfindungen von "lustigem und schrecklich". Es stellte sich heraus, dass die Verbindung des Wunderbaren und Hässlichen grotesk erzeugt. In der Geschichte der Kunst war der Zeitraum der "Poetisierung des Bösen" (der Ausdruck von Borgler). Manchmal gilt hässlich als einer der negativen Momente des Schönen. Belinsky et al. Bewertet hässlich als Reflexion von Deformitäten in soziales Leben von Leuten. Chernyshevsky öffnete den Anschluss des erhabenen und hässlichen Zusammenhangs, als letzterer aufhörte, ekelhaft zu sein, und verwandelt sich in einen schrecklichen. Es scheint, dass das zwanzigste Jahrhundert mit seinen beiden Weltkriegen in der Kunst in dieser Ader ausgedrückt wurde. Die heutigen Werfen von Künstlern im Weltraum zwischen Schön und Hässlich ist weitgehend auf die anti-humanen soziale Erfahrung des zwanzigsten Jahrhunderts, wenn Gewalt, Terror und Krieg anfing, als natürliche Unterstützung der Evolution der Menschheit zu erkennen. Das XXI-Jahrhundert begann mit dem Erscheinungsbild des großen Terrorismus, der in einer Reihe von Kunstwerken zur "Heroisierung von Terroristen" führte.

Natürlich hat der "hässliche Held" das Recht auf seine "Präsentation" in der zeitgenössischen Kunst. Aber wenn es nicht eingereicht wird, nicht "hässlich", d. H. Sorgen, dann erzeugt er bereits einen reifen Zuschauer und der Leser ist kein Gelächter, da Cicero glaubte, aber ein Alarm für die jüngere Generation, die den Alterungsimmitationen "Helden" der Media44 ausgesetzt ist.

Folglich diktiert die Zeit den Künstler professionell, d. H.

Nicht nur talentiert, aber auch verantwortlich.

Kehren wir in die Stadien jeglicher Art (wissenschaftliche, soziokulturelle, technische und künstlerische) Kreativität zurück. Sie befinden sich gemäß einer allgemeinen Genehmigung wie folgt: Vorbereitung - Inkubation (Alterung) - Beleuchtung (Offenbarung) - Kreatur (Übergang zu einem semiotischen System als sozialer Rundfunkzustand).

Betrachten Sie dieses Schema konsequent in Bezug auf künstlerische Kreativität (Art). Die Spezifität der künstlerischen Kreativität ist, dass dabei die Tätigkeit des Unbewussten auf der Aktivität des Bewusstseins des Künstlers herrscht. In der Psychologie der Kunst erwirbt diese Erklärung manchmal so eine scharfe Form, dass das Unbewusste erklärt wird, dass der Unbewusste einen Faktor erklärt, der den gesamten Prozess der Bildung eines künstlerischen Bildes bestimmt; Und der Eingriff des Bewusstseins des Künstlers in Form eines Versuchs, die Bedeutung seiner Arbeitsleitungen zu verbalisieren, sagen sie oder zur Zerstörung von ihm als sich selbst, im Prozess der Erstellung oder zur Erkennung nach der Erstellung von " pseudo-künstlerisch ". Das Motto der Unterstützer einer solchen Position - "irrational ist ein dauerhaftes Ziel der Kunst"! 45 Die Entwicklung der Theorie des Unbewussten hat jedoch zu dem Schluss geführt, dass er sich aktiv in der Genese des Kunstwerks handelt, und betrifft hauptsächlich Entscheidungen von Der Künstler, der angenommen wird, dass er die Formen des Bildausdrucks auswählt (visuell, akustisch, verbal). Dies kann jedoch nicht gesagt werden, wenn es um die funktionale Struktur des künstlerischen Bildes geht, da das Bild ein generalisierter Ausdruck der Realität ist. Und die Verallgemeinerung ist ohne eine bestimmte Aktivität des Bewusstseins unmöglich. Zum Beispiel ist die wirtschaftliche Interpretation der Rolle "Dies ist ein sinnlicher Rollengehalt mit Elementen des Bewusstseins" (aus einem Interview mit Chulpan Hamaya). Nicht absolute Vision ist charakteristisch für wissenschaftliche Entdeckung, d. H. Es gibt Einheit und Unterscheidung zwischen Wahrheit und Schönheit. Es ist bekannt, dass "alles verrückt in das Unterbewusstsein geboren wird." Ein anderer Kanti stellte fest, dass das Unbewusste ein geburtere Geist ist.

Das hässliche kann wunderschön in der Kunst werden, deshalb "die Wahrheit der Natur kann nicht sein und niemals die Wahrheit der Kunst sein" (O. Balzak). Das Leben, die Realität tritt in die Struktur des künstlerischen Planes oder des Bildes nur als eine seiner vielen Komponenten ein . Die Auswahl und Änderung des Lebensmaterials erfolgt auf der Grundlage der vorhergehenden Erfahrungen, den Gedanken, Gefühlen, Geschmacksrichtungen und Ansprüchen des Künstlers. deshalb künstlerisches Bild - nicht so sehr in der Realität, als "lebensähnliches". Es besteht ein Eindringen der verborgenen Caches von Genesis und der Seele des Menschen, wodurch ein neues individualisiertes Wissen erreicht wird, sogar tiefer als das, was uns Wissenschaft mit seiner Unterstützung für formalisierbar gibt. Dies ist die Kraft des "unzähligen" Wissens46.

Die Bühne der "Inkubation" des Bildes (Gemälde, Skulpturen, Melodien, Drama, Roman oder Sonett) tritt hauptsächlich im Unterbewusstsein auf. Die Tätigkeit der letzteren (Inspiration) ist in Form eines intuitiven Gefühls ästhetisch geratter Formen, Bewegungen, Farben, Klänge, Worten ...

Bühne der Insight (Offenbarung) ist die mysteriöseste Phase der Kreativität. Hier müssen wir Inspiration durch die Tätigkeit des Unbewussten und die Installation über die Implementierung eines intuitiven Empfindung unterscheiden. Hier sind die Bedingungen notwendig: die Atmosphäre der Kreativierungsfreiheit; Material, einschließlich haushaltsfaktoren.; Fiktion; Mode und Anreize, bestellen mögliche Maßnahmen der sozialen Anerkennung (Auszeichnungen, Wettbewerbe, Publikation ...). Diese Bedingungen werden vom Künstler gegründet, der hier von den Möglichkeiten und Aktivitäten der Kunstgemeinschaft, seiner "Union" mit dem Staat, abhängt, Grundsätzlich konzentrieren sich solche Bedingungen in der Infrastruktur die geeignete Art von Kunst (Literatur, Kino, Theater, Musik, Skulpturen und Architektur, Malerei ...)

Hier müssen wir in der Geschichte der sowjetischen Kunst eine Art Exkursion machen. Russland leistet nun eine Umwandlung von sozialistischen Lebenslösungen des Lebens in den Kapitalisten. Natürlich berührten diese Änderungen die sozialen Grundlagen künstlerischer Kreativität. Es ist in erster Linie um den Grad der Freiheit des Künstlers. Die berühmte Formelfreiheit ist vollständig auf Kunst anwendbar. Ein solches Verständnis der Freiheit "Vereinbarung", wenn der Hauptziel, es zu erreichen, wird nur der vom Künstler abgelehnte Wissensweg erklärt, denn die Rückhalt seiner kreativen Kräfte wird durch Kenntnisse erreicht, sondern auch Handlungen. Gleichzeitig führten das soziale Chaos, das in den Jahren der Umstrukturierung auftrat, und unter denen sie die Freiheit verstanden haben, zu den Erwartungen für umgekehrte Ergebnisse. Die lang erwartete Freiheit der spirituellen Kreativität, während nur neue Probleme der "Cohabitation der Kunstgemeinschaft" führten. Die Orientierung der Kommerzialisierung der spirituellen Kreativität gibt auch nicht die erwarteten Ergebnisse. Wir müssen zugeben, dass in den letzten zehn Jahren in visuellen Kino, Kino, Musik, Literatur, Architektur und Skulptur nichts Wichtiges erschienen ist.

Trotzdem müssen wir uns in den Zeiträumen der "Stagnation" und "Umstrukturierung" in die sozial entschlossenen Gründe für die "Rebellion" der künstlerischen Intelligenz wenden. Die erste staatliche Reaktion der proletarischen Behörden in der Technik wurde zur Verfügung der Sownarkom "auf starnny Monumente" (12.04.1918), basierend auf völligem Vertrauen in Künstlern und kollektiven Willen des Publikums geäußert. Das nachfolgende "Kunstgerät" (M. Deber) führte jedoch zur Zentralisierung des Kulturmanagements (dh den Preis). Es gab administrative Funktionäre, die weder Künstler noch das Publikum nicht vertrauen. V.Makovsky hat über sie geschrieben:

"Zwischen dem Schriftsteller

und Reader

standmediatoren

im Mediator

das meiste Medium

Anschließend ist dieser "Durchschnittsgeschmack" des Beamten aus der Kunst zunehmend im Misstrauen der Macht an die Intelligenz aufgeworfen. S. Eisenstein argumentierte, "wenn politische Macht darauf hinweist, was ich tun muss, werde ich fruchtlos. Ich kann nicht die Rolle des Illustrators »47 spielen. Abwarnung führte zu einer erhöhten Zensur. Während des Kultes der Persönlichkeit von Stalin erreichte der Druck des Staates auf Künstler Apogi. Natürlich führte die Methode des sozialistischen Realismus, der von den Behörden diktiert, zu beiden künstlerischen Meisterwerken führte jedoch, dass die gesamte Atmosphäre deprimierend blieb. Dies war der Hauptfaktor in der Umwandlung der meisten künstlerischen Intelligenz in den "Partisanern der Realität", faszinierender intuitiver Wege in die Zukunft, Mitteilung "für die bessere Zukunft", so dass viele von ihnen glaubten. Die Situation wurde durch die Tatsache verschärft, dass angesichts des Eintritts in die Welt und des Landes in der Phase informationsgesellschaft Die Kunstprodukte begannen, die Art der Verdauung zu erwerben und zu zeigen, was den Nachfrage der Massenkultur servierte. Diese objektive Tendenz des Kunstrückgangs wurde bewusst verwendet, um das System zu zerstören - die antisozialistische Offensive war ideologisch und sogar vereinbart, synchronisiert. In letzter Zeit ist die Neubewertung der Künstler ihrer Positionen von Perestroika weit weg. Heute ist es möglich, eindeutig zu sagen, dass die aufrichtige Suche nach der Intelligenz auf dem Gebiet der Literatur und der Kunst zynisch von der postdemokratischen Welle zum Platzen auf den Ruinen der Union verwendet wurde. Die oligarchische Schicht entstanden "aus nichts", begann seine Interessen kräftig zu verteidigen, wodurch in erster Linie die Presse erfasst wurde, um sie zur Gewinnung und politischen Macht einzusetzen. Wieder einmal ist die künstlerische Intelligenzsie notwendig, um die wesentlichen Bedingungen seines Lebens und der Kreativität zu gewährleisten, um zu den "Sponsoren", "Polentates" und anderen Wohltätern, die ihre Söldnerinteressen verfolgen, absolut nicht mit den Zielen von künstlerische Kreativität. Eine demütigende historische Situation wird wiederholt und zwingt den Künstler, der "berechtigten Heldin der oberen zehntausend" dient. Der Schiedsrichterstunden sollte nicht wiederholt werden - sie sprechen von den nicht pendelnden Diskussionen über den sozialen Status der Kunst unter Künstlern. Wir geben den Themen einer Reihe von Diskussionen, die während des XXI International Film Festival 1999 vergangen sind: "Russland nach dem Reich" und "Nationalmodelle des Kinos im Rahmen des Weltfilmprozesses". Die wichtigsten Themen waren: Sowjetische Kinonaslety - Live-Geld oder kreatives Kapital? Freier Markt und Kino - Katastrophe, Test oder Panacea?

Wenn neue Kunst nicht für jeden verständlich ist, bedeutet dies, dass es nicht universell ist. Kunst ist überhaupt nicht für alle Menschen gedacht, sondern nur für eine sehr wenige Kategorie von Menschen, die vielleicht und nicht mehr als andere sind, aber eindeutig nicht wie andere sind.

Zunächst einmal ist es eine Sache, die nützlich ist, um zu klären. Was haben die meisten Menschen ästhetisch? Was passiert in der Seele einer Person, als das Kunstwerk, zum Beispiel die theatrische Produktion, "wie" ihn? Die Antwort ist nicht in Zweifel: Menschen wie Drama, wenn sie sie mit dem Bild des menschlichen Schicksals faszinieren konnte. Ihre Herzen machen sich Sorgen um Liebe, Hass, Probleme und Freude an Helden: Zuschauer sind an den Ereignissen beteiligt, als ob sie echt waren, fanden im Leben statt. Und das Publikum sagt, dass das Spiel "gut" ist, als sie es geschafft hat, die Illusion der Vitalität, die Zuverlässigkeit von imaginären Helden anzurufen. In den Lyrics wird er nach menschlicher Liebe und Traurigkeit suchen, der, wie es war, die Reihen des Dichters atmen. In der Malerei ziehen die Zuschauer nur die Leinwand an, die Männer und Frauen darstellen, mit denen er daran interessiert wäre, in einem Sinn zu leben. Die Landschaft scheint ihm "Mile", wenn es attraktiv genug ist als ein Ort für einen Spaziergang.

Dies bedeutet, dass das ästhetische Vergnügen für die meisten Menschen grundsätzlich nicht von diesen Erfahrungen unterscheidet, die ihr tägliches Leben begleiten. Der Unterschied ist nur in geringfügigen, sekundären Details: Diese ästhetische Erfahrung ist vielleicht nicht so utilitär, reicher und beinhaltet keine bürdensiven Konsequenzen. Aber letztendlich ist das Thema, das Objekt, an dem Kunst gerichtet ist, und gleichzeitig und andere seine Funktionen, denn die meisten Menschen sind gleich wie in der Alltag, Menschen und menschlichen Leidenschaften. Und sie werden Kunst anrufen, dass die Gesamtheit der Fonds, dass dieser Kontakt mit allem erreicht wird, was im menschlichen Ex interessant ist. Solche Zuschauer werden in der Lage sein, reine künstlerische Formen, Irrtalitäten, Fantasie, nur soweit, dass diese Formen ihre übliche Wahrnehmung menschlicher Bilder und das Schicksal nicht verstoßen. Sobald diese Akten ästhetischer Elemente vorherrschen und die Öffentlichkeit die gewohnheitsmäßige Geschichte von Huang und Mary nicht erkennen, ist sie verwirrt und weiß nicht, wie man weiter mit einem Spiel, einem Buch oder einem Bild ist. Und das ist verständlich: Sie sind unbekannt, eine andere Haltung zu Themen als praktisch, das heißt, das zwingt uns, die Welt der Gegenstände zu erleben und aktiv zu stören. Das Kunstwerk, das solche Interferenzen nicht fördert, verlässt sie gleichgültig.

Dieser Artikel braucht eine vollständige Klarheit. Sagen wir einfach, dass wir uns freuen, oder um das menschliche Schicksal zu vergleichen, über das das Kunstwerk uns sagt, dass es etwas anderes von einem wirklich künstlerischen Freude unterscheidet. Darüber hinaus ist diese Sorge um den Mensch im Arbeitstag eigentlich grundsätzlich unvereinbar mit streng ästhetischem Vergnügen.

Dies ist im Wesentlichen um das optische Problem. Um den Artikel anzuzeigen, müssen Sie unser visuelles Gerät auf bekannte Weise anpassen. Wenn die visuelle Einstellung zum Thema unzureichend ist, werden wir es nicht sehen oder sehen. Lassen Sie sich den Leser vorstellen, dass wir im Moment in den Garten durch das Fensterglas schauen. Unsere Augen sollten sich so anpassen, dass der visuelle Strahl durch das Glas passierte, ohne darauf zu leiten, und hielt auf den Farben und Blättern an. Da unser Motiv der Garten ist und der visuelle Ray, wie er auf ihn gerichtet ist, sehen wir das Glas nicht, indem wir sie durchlaufen. Das Reinigerglas, desto weniger ist es spürbar. Aber durch Mühe werden wir in der Lage sein, vom Garten abzulenken und die Gläser zu übersetzen. Der Garten wird aus dem Sichtfeld verschwinden, und das einzige, was davon bleibt, ist verschwommene farbige Flecken, die auf dem Glas aufgetragen scheinen. Um den Garten zu sehen und Fensterglas zu sehen - diese sind zwei inkompatible Operationen: Sie schließen sich aus und erfordern verschiedene visuelle Unterkünfte.

Dementsprechend sucht derjenige, der in der Kunstwerk der Kunst nach Erfahrungen sucht, um das Schicksal von Juan und Maria oder Tristan und Isold zu erkennen, und passt seine spirituelle Wahrnehmung genau dazu an, die künstlerische Arbeit nicht als solche zu sehen. Trystans Trauer ist nur Tristan, und es wurde möglich, sich nur insoweit sich zu sorgen, dass wir es für die Realität nehmen. Aber das Ding ist, dass die künstlerische Schöpfung nur so ist, dass er nicht echt ist. Nur unter einem Zustand können wir ein tyitianisches Porträt von Karl V genießen, das auf Reiten dargestellt ist: Wir sollten Karlivkak nicht auf eine gültige, lebende Persönlichkeit betrachten - stattdessen müssen wir nur ein Porträt sehen, ein irrtümliches Bild, Fiktion. Der im Porträt gezeigte Mann und das Porträt selbst - die Dinge sind völlig anders: Oder wir sind an einem oder anderen interessiert. Im ersten Fall leben wir mit Karlov "zusammen"; In der zweiten "betrachteten" Artwork als solcher.

Die meisten Menschen können sich jedoch nicht an ihre Vision anpassen, so dass ein Garten vor ihren Augen ist, um das Glas zu sehen, das heißt, die Transparenz, die das Kunstwerk ist: Leidenschaft, die menschliche Realität zu erfassen, die in der Arbeit zittert. Wenn sie angeboten werden, ihre Beute zu verlassen und auf das Kunstwerk zu achten, werden sie sagen, dass sie dort nichts sehen, weil sie ihnen nicht wirklich so vertrautes menschliches Material für sie sehen - doch sind es rein künstlerisch, rein Potenz vor ihnen.

Im gesamten Xixvek arbeiteten Künstler zu unrein. Sie reduzierten sich auf ein Minimum an streng ästhetischen Elementen und suchten fast vollständig, um ihre Arbeiten auf dem Bild der menschlichen Existenz zu stützen. Hier sollte darauf hingewiesen werden, dass hauptsächlich die Kunst des letzten Jahrhunderts auf die eine oder andere Weise realistisch war. Realist waren Beethoven und Wagner. Shatubin - derselbe Realist als Zola. Romantik und Naturalismus, wenn Sie sie aus der Höhe von heute ansehen, kommen Sie näher aneinander und enthüllen gemeinsame realistische Wurzeln.

Kreationen dieser Art sind nur teilweise Kunstwerke, künstlerische Themen. Um sie zu genießen, ist es nicht notwendig, nicht offensichtlich und transparent zu sein, was künstlerische Anfälligkeit impliziert. Es reicht aus, eine gewöhnliche menschliche Anfälligkeit zu haben und die Alarme und die Freuden des Nachbarn zuzulassen, um eine Antwort in Ihrer Seele zu finden. Von hier aus ist es klar, warum die Kunst des Xixvek so beliebt war: Es wurde der in dem Anteil verdünnten Masse geliefert, in der sie nicht mehr eine Kunst, sondern ein Teil des Lebens wurde. Erinnern Sie sich an jederzeit, wenn es zwei verschiedene Arten von Kunst gibt, eines für eine Minderheit, ein anderer für die Mehrheit, der letztere immer realistisch war.

Wir werden nicht nun argumentieren, ob reine Kunst möglich ist. Es ist sehr wahrscheinlich, dass nein; Der Gedankengang, der uns zu einer solchen Ablehnung führen wird, ist ziemlich lang und schwierig ... Selbst wenn die reine Kunst unmöglich ist, besteht kein Zweifel, dass ein natürlicher Trend zur Reinigung möglich ist. Dieser Trend wird zu einer progressiven Verschiebung der Elemente des "Menschen, zu menschlich" führen, was in romantischen und naturalistischen künstlerischen Produkten herrschte. Und während dieses Verfahrens tritt dieser Moment auf, wenn der "menschliche" Gehalt der Arbeit so knapp wird, was fast unauffällig gemacht wird. Dann werden wir das Thema sein, das nur diejenigen wahrnehmen kann, die ein besonderes Geschenk der künstlerischen Anfälligkeit haben. Es wird Kunst für Künstler sein, und nicht für die Massen; Es wird die Kunst einer Kaste sein, keine Demos.

Deshalb teilt neue Kunst die Öffentlichkeit in zwei Klassen - diejenigen, die ihn verstehen, und diejenigen, die ihn nicht verstehen, dh Künstler und die, die keine Künstler sind. Neue Kunst ist reine künstlerische Kunst.

H. Ortega-i-Gasset.Entgumanisierung der Art.

// x. Ortega-und-Gasset. Ästhetik. Philosophie der Kultur.

Dort viele Kunst in der Welt, aber die beliebtesten sind: Literatur, Musik, Theater, Kino und andere. Jeder Mensch hat seine eigene Lieblingskunst.

Musik hat immer die Menschen fasziniert. Es berührt ihre Herzen und lässt sie zum Lachen oder zum Weinen bringen. Musik kann überall gehört werden. Heutzutage gibt es viele musikalische Genres: Klassische Musik, Rockmusik, Popmusik, Clubmusik und andere. Ich kann jedem Genre der Musik hören. Es hängt von meiner Stimmung ab. Wenn ich traurig bin, höre ich klassische Musik. Beim Hören von energetischer, schneller Musik und hartem Schlag. Einige Leute hören jedoch nur eine Art von Musik, und die Hören Sie es egal, egal welche Stimmung der ist.

Es gibt viele wunderbare Werke von Literatur-berühmten Schreibweisen und Dichtern, die eine große Auswahl an Gedichten, Geschichten und Romanen erstellt, die über die Welt gelesen werden. Russische Dichter und Schriftsteller mögen Puschkin, Tolstoi und Dostoewski, sind auf der ganzen Welt berühmt. Ihre Werke werden in viele Sprachen übersetzt.

Theater ist eine beliebte Art von Künsten, aucho. In Russland gibt es viele Theater, aber die meisten von ihnen befinden sich in Moskau. Das Bolshoi-Theater und das Maly Theater sind weltberühmt. Wenn Sie Oper mögen, sollten Sie zum Bolshoi-Theater gehen. Die Tickets sind zwar ziemlich teuer. Das Maly Theatre stuft Dramen und Spiele auf klassischen Romanen auf.

Ich bin ein Theaterweite. Ich gehe lieber zu den Drama-Theatern. Ich mag keine Oper und Ballett. Vor nicht allzu langer Zeit sah ich Onkel "s traum von dostoewski im the the the the the the the the the the the the the the the the thet. Die Dekorationen waren reich und die berühmten Schauspieler spielten sehr gut.

Heutzutage werden Theater immer weniger beliebt, und das Kino hat stattdessen große Popularität. Es gibt viele Kinos in Moskau: modern und altmodisch, billig und teuer. Moderne Filme sind voller Audio- und Computer-Spezialeffekte und die Leute gehen in das Kino, um sie zu genießen. Die sogenannten Heimkinos sind in letzter Zeit erschienen. Immer mehr Personen kaufen moderne TV-Sets mit großen Flachbildschirmen und speziellen Klanggeräten und Watch-Filmen zu Hause.

Meine Lieblingskunst malt. Ich gehe gerne in Kunstgalerien, um Gemälde anzusehen. Ich denke, dass diese Art von Kunst für immer existieren wird. Künstler äußern ihre Gefühle und Emotionen in ihren Gemälden. In Moskau gibt es viele Kunstgalerien, aber der berühmteste ist die Galerie von Tretyakov. Es verfügt über große Sammlungen von Gemälden von russischen und ausländischen Malern. Meine Lieblingsgemälde ist Landschaft. Ich denke, dass russische Landschaftskapteristen die besten der Welt sind. Ich liebe es, in diese Galerie zu gehen, wenn ich Freizeit habe. Einer meiner Freunde zieht sehr gut, sie wird die Universität der Künste betreten, um ein professioneller Künstler zu werden. Aber ich denke, dass Amateure die besten Künstler sind.

Leider habe ich kein Talent für diese oder diese Kunst. Ich habe in der Kindheit gesungen, aber das habe ich es aufgegeben. Ich denke, dass Künste nicht für mich sind.