Showforum 아트 예술적 창의력. 예술적 창의력과 정신적, 건강

다이 kunst.

Der Kunst Widerspiegelt Sich Die Belt. Sie Hilft Dem Menschen Sein Schöpferisches Können Zeigen. Kunst Bereichert und Formt Den Menschen, Erzieht Die eigenschaften, Appelliert an menschliche Gefühle, Länsst Ihn Miterleben, Mitdenken.

ES GIBT VERSCHIEEDENE KUNSTARTEN : 키노, 극장, 말레 레리, Skulptur, Literatur, Architektur, Tanz und Musik. Kunst Nimmt Im Leben Der Menschen Einen Wichtigen Platz. dank ihr wird das Leben Schöner. Durch Die Kunst Lernen Die Menschen Die Natur und Die Anderen Menschen Bessen Kennen und Verstehen Ihre Gedanken.

vielemenschen interessieren sich für kunst. ich bin auch keine ausnahme. Malerei Bereietet Mir는 Vergnügen에 있습니다. Mir Gefallen Solche Maler Wie Schischkin, Aiwasowski, Serow.

다이 야더 von schischkin "Der Roggen", "Waldische Weite"Nageln Die Schönheit des Russischen Waldes Fest. Diese Bilder, Wie Sein Ganzes Schaffen, Sinde Bestätigung der Größe und der russischen natur gewidmet.

Bei aiwasski ist das bild "das schwarze meer"bekannt. DAS IST SEIN은 70-80 명의 JAHREN에서 BILD를 가장합니다. Das Meer War Sein Lieblingstema. Verschiedener Beleuchtung Dar의 Seinen Verschiedenen Zuständen의 Stellte Das Meer.

Serow Schuff Sein Erstes Meisterwerk "Das Mädchen Mit Pfirsichen", Als Er 22 Jahre Alt War. Dieses Mädchen Hat am Bild Einen Ernten, Fast Erwachsenen Augenblick. 디지 셈에서 Augenblick Errenen Sich Hohe Iteale. ER 전쟁 EIN Berühmter Porträtmaler. Außer Porträte Arbeitete Er Auch는 Denen Manchmal Die Bauern Dargesellt Wurden에서 Denen Landschaften입니다.

미술

예술은 세계를 반영합니다. 그것은 사람이 자신의 창조적 인 기술을 보여줄 수 있습니다. 예술은 사람을 풍부하게하고 사람을 형성하고, 인간의 감정에 호소하고, 당신이 걱정할 수있게 해줍니다.

시네마, 극장, 그림, 조각품, 문학, 건축, 춤과 음악의 다양한 유형의 예술이 있습니다. 예술은 사람의 삶에서 중요한 장소를 취합니다. 그 덕분에 인생이 더 아름답게됩니다. 예술을 통해 사람들은 자연과 다른 사람들을 더 잘 알아보고, 그들의 생각을 이해하는 것을 배웁니다.

많은 사람들이 예술에 관심이 있습니다. 그리고 나는 또한 예외가 아닙니다. 페인팅은 나에게 특별한 즐거움을줍니다. 나는 아티스트가 Shishkin, Aivazovsky, Serov를 좋아합니다.

Shishkin "Rye", "Forest Dali"는 러시아 숲의 아름다움을 강조합니다. 이 모든 그림은 그의 모든 일과 마찬가지로 웅장한 자연의 은혜와 러시아 성격의 확증에 헌신합니다.

Aivazovsky는 상당히 잘 알려진 그림 "흑해"입니다. 이것은 70 년대와 190 년대의 가장 좋은 그림입니다. 바다는 그의 가장 좋아하는 주제였습니다. 그는 다양한 주에서 바다를 묘사하고 다양한 조명을 묘사했습니다.

Serov는 22 세가되었을 때 "복숭아와 복숭아가있는 소녀"를 창조했습니다. 이 소녀는 심각한 그림을 가지고 있습니다. 거의 성인 모습. 이번 눈에서 높은 이상이 추측됩니다. 그는 유명한 초상화였습니다. 초상화 외에도 농부가 때로는 묘사 된 풍경에서 일했습니다.

"사진에"

Susan Sontag.

한 병에 윤리와 미학.

"세계에 대한 사진 지식의 한계는 재난 양심이 될 수 있지만 결코 윤리적 또는 정치적 지식이 아닐 것입니다. 고정 된 사진에서 기대되는 지식은 항상 일종의 감상적이며, 모든 것이 냉소적이거나 \u200b\u200b인본주의와 같습니다. 그것은 할인 된 가격에 대한 지식이 될 것입니다 - 지식의 형상, 지혜의 얼룩과 슈팅 행위뿐만 아니라 강간과 같은 과제의 유사성이 있습니다. 사진으로부터 가설 적으로 이해할 수있는 것을 꿈꾸며 꿈이 아니며 매력과 매혹적입니다. 사진의 옴니프 레스펜스는 우리의 미적 감각에 예측할 수없는 영향을 미칩니다. 이미 어수선한 세계를 이미지로 복제하면서 사진은 우리가 세상이 사실보다 더 접근 할 수 있다고 믿을 수 있습니다. "

"UTC"및 예술 세계의 다른 이야기들 "

Bruce Chatvin.

도자기 컵과 삶에 그들을 헌신하는 사람들에 대해서.

"Royal Collections에서 코미디 델 아트 (Comedy Del Arte)의 인물의 인물을보고, 드레스덴 박물관에서 몇 시간 동안 UTZ가 사라졌습니다. 유리 석관을 잠그고, 그들은 그를 비밀리 릴리 푸티아 세계로 부르며 방출을 위해기도 한 것처럼 보였습니다. 그의 두 번째 기사는 "개인 수집가"라고 불렸다 :

"박물관 쇼케이스에서 전시 된 것은 썼습니다. 동물원의 동물처럼 느껴져야합니다. 박물관 전시회가되면서, 그 일은 질식과 개인 정보의 불가능함에서 사망합니다. 한편, 홈 컬렉션의 소유자가 가능하지만, 오히려 그것을 만지지 만, 만지지는 못합니다. 아이가 주제를 만지면 그에게 이름을 줘, 열정적 인 수집가, 그의 눈과 손이 항상 조화를 이루고 다시는 다시 그리고 다시 그녀의 창조주의 생명의 삶의 촉감에 물건을줍니다. 수집가의 주요 적은 박물관의 골키퍼입니다. 이상적으로는 적어도 50 년 만에 모든 박물관을 비우기 위해 컬렉션이 다시 비공개로 밝혀졌습니다. Perversion, - 그는 답변했습니다. 다른 사람들과 동일합니다. "

"메모장 벤토"

존 버거

예술 첫 사람의 철학.

"그들의 예술에 헌신 한 댄서들의 시체는 내재적 이중주의입니다. 그리고 그것은 그들이하지 않을 모든 일에서 눈에 띄는 것입니다. 그들은 일종의 불확실성 원리를 관리합니다. 입자의 상태에서 물결의 상태로 이동하는 대신에 신체가 번갈아 가면, 그 다음 아무것도하지 마십시오.

그들은 깊이 있기 전에 그들의 몸을 이해하고, 내부에있을 수 있으며, 앞으로 나아갈 수 있고, 교대로, 각각 몇 초, 몇 분마다 전환합니다.

각 몸에서 고유 한 이원론은 병합 할 때 공연 중에 그들을 허용하는 것이 있습니다. 그들은 서로의 상승, 마모, 롤 아웃, 분리, 결합, 지원, 동시에 2 ~ 3 개의 시체가 생물 세포와 유사한 단일 종교를 형성하는 것과 동일한 시간에 기울어 져야, 동물이 거지있는 숲 "

"영화"

숙박 델스

이미지 및 영화 표지판의 분류.

"영화는 다른 유형의 예술과 수렴하지 않으며, 세계에서 비현실적이지 않고 세계에서 비현실적이거나 나레이션을하는 것입니다 : 영화의 발명으로 더 이상 이미지가 세상이되지는 않지만 세계는 어떤 방향으로 가고 있습니다. 현상론이 도크 - 겉치레로 된 단계에 대해 어떤면에서 갇혀 있음을 주목할 수 있습니다. 그 현상은 자연스러운 지각을 특권적인 위치에 넣습니다. 이것은 이동이 포즈와 관련이있는 이유입니다 (더 이상 중요하지 않음) 및 단순히 실존 됨). 결과적으로, 영화 운동은 인식 조건의 신실함을 관찰하지 않는 것처럼 즉시 영향을받으며, 그 외에도 "더 가깝게"인지되고 인식되고, 평화와 인식을 할 수있는 새로운 유형의 서사로서 고귀합니다. 적어도, 우리에게 그런 인상은 알버트 (Albert Laffe)의 현상 학적 정신으로 복잡한 이론을 만들었습니다. "

"문학의 틴틴과 수수께끼"

Tom McCarthy.

문학 소설에 대한 추론은 매우 쉽게 읽을 수 있습니다.

"첫 번째 고대 소설을 엽니 다. 그러면 서술은 읽은 이벤트에 대해 저자가 배웠던"명확한 "명확한 성명서를 미리 엽 시켰습니다. 현대 소설 창립자는 XVII 세기에서 일했으며, 과학이 입증 된 사실만을 요구하기 시작했고 신학은 여전히 \u200b\u200b신학을 거짓말하는 것이 아직도 말했습니다. 이러한 조건에서 Prosaiki는 모든 종류의 트릭에 의지하여 "상상력의 과일"과 "낭만적 인 환상"이 정직과 실제 정확성의 불변의 원칙과 모순되지 않았습니다. 그래서 Daniel Defo는 "어떤 상징이나 우화의 가면 아래의 묘지의 영감을주는"그녀의 묘지를 고무시키는 것이 더 낫다 "고 진실이 더 낫다는 것을 확신합니다. John Banyan은 "나는이 사건들에 대한 참여가 완전히 확신되는 개인으로부터받은 정보를 제시했다고 주장했다. 그리고 Afra Ben은 그의 환상적인"진실한 이야기 \u200b\u200b중 하나에서 외쳤다 "고 말했다. 또는 낭만적 인 콘크리트 상황에서 압축 된 자전거의 일부 종류; IOTA의 정확성이있는 모든 상황은 순수한 진리입니다. 나는 거의 모든 주요 사건들의 목격자가 자유로운 눈을 떴다. 그리고 내가 보지 못한 것은이 흥미로운 이야기의 영웅들, 성 프란시스의 질서의 영적 얼굴을 확인했습니다. "

카메라 Tintina, Afrai Ben Monks -이 모든 문학 기술은 소설 주위에 섬세한 섬광을 만드는 데있어 설계되었습니다. 틴틴과 마찬가지로 AFR 벤은 심지어 성격이되어 세상이 말할 사건의 중심에있게됩니다. 두 얼굴 의이 단결은 현실을 다른 수준으로 분리합니다. "

"레크리에이션으로 건축"

샘 제이콥.

도시 공간이 역사를 반영하고 만듭니다.

"그의 자유로운 무제한의 재 작성에서, 아키텍처는 미래의 스프링 보드로서의 역사를 사용합니다. 그녀는 무한히 자신의 미래에 자신의 과거를 의식적으로 누워서 오는 직물에 그녀를 고유 한 신화에 다시 들어가는 것을 의미합니다. 동시에 아키텍처는 기존 언어, 재료 및 유형학이있는 것과 동일한 테두리에 소개함으로써 자신의 새로운 제안서를 제안합니다. 이미 참신함에서 충격을 부드럽게하는 데 도움이되는 반복의 레크리에이션을 인식하면서, 그 자체는 그 자체가 역사적 상황의 불가피한 제품을 선언합니다. 따라서 자신의 창조물을 신화화하여 역사적인 주장과 미래의 세계를 제공하고,이 모든 것들을 제공하는 아키텍처가 그 본질 이내에 있습니다.

자가 재현을위한 엔터프라이즈 아키텍처는 농담보다 더 많은 것이며, 이해할 수있는 전용입니다. 대조적으로, 예를 들어, 역사적 재구성 참가자로부터, 그녀는 사물을 수집하고 집에 가지 않고 집에 가지 않고 집 (또는 우리가 할 수있는 다른 공간이 있기 때문에 집에 가지 않습니다). 건축 레크리에이션은 완전히 심각하고 절대적으로 진짜입니다. "

"행동은 양식이다"

keller easterling.

Gutenberg가 아키텍처의 주요 그림이되었는지에 대해서

"성명서의 의미를 이해하기 위해"아키텍처와 정보가 있습니다 ", 즉 물을 가질적으로 만들기 위해서는 일의 원칙에 대한 연구와 비슷한 생각이 필요하지만"단어와 관련된 연관성을 극복하는 것과 관련이 있습니다. " 정보 ". 특히 디지털 문화 에서이 텍스트 또는 코드에서는 화면에 나타나고 여러 언어 중 하나를 사용하여 인식된다는 것입니다. 이러한 장치가 넓어집니다. 디지털 세계에 의존하지 않는 공간 기술이나 네트워크를 찾는 것이 더 힘듭니다. 세상은 스마트 건물, 스마트 머신이 무수한 휴대 전화 및 디지털 장치와 상호 작용하는 "인터넷의 인터넷"이됩니다. 20 세기의 거의 모든 지식 지점은 컴퓨팅 및 측정이 다소 신뢰할 수있는 예측을 생산할 수있게 해주는 정보 시스템에 의존하기 때문에 종속 컴퓨터 과학으로 밝혀졌습니다.

건축과 건축물은 Cedric 가격과 Christopher Alexandera의 작품에서도 볼 수 있습니다. 디지털 업계의 경제적 성공의 물결에 Kevin Kelly와 같은 20 세기 후반의 전문가는 우리에게 "칩 칩이있는 칩을 비행하는 칩"과 같은 "칩을 비행하는 칩", 주택 칩과 같은 건물과 같은 항공기와 같은 자동차를 상상해 보았습니다. 대형 양 칩과 암소. 당연히 그들은 모두 자료 일 것이지만, 진정한 본질의 모든 그램은 단순히 지식과 정보로 채워질 것입니다. "

"버섯, 돌연변이 체 및 기타 : 아키텍처 ERA Luzhkov"

Dasha Paramonova.

아키텍처가 시대를 반영하는 방법에 대해서는

"아마도 소비에트 러시아에서 산업 접근 방식의 가장 급진적 인 방향은 종교 구조물의 건설 에서이 실제적인 방법을 사용해야합니다. 시민의 영적 삶을 제공하기 위해 모스크바는 교회의 일정한 그리드에 의해 덮여 있어야합니다. 계산에 따르면 최소 200 개의 새로운 사원을 구축 할 필요가 있지만 컬트 건물의 전반적인 적자는 600 개체의 ROC의 대표자가 추정됩니다. MOSPROJECT-2 및 MOSPROEKT-3에서 개발 한 프로젝트는 1 ~ 6 개월 동안 세워질 수 있습니다. 두 가지 유형의 사원이 제공됩니다 - 단일 기름칠 및 5 인기뿐만 아니라 접착제와 마감재의 다양한 변형이 있습니다. "따라서 돔, 완료 및 색상 솔루션을 변경하면 많은 수의 옵션이 나타날 수 있습니다"라고 Alexander Kuzmin은 말합니다. 이러한 공사에 대한 실용적인 접근 방식은 러시아의 삶의 종교가 차고 나 코티지와 동일한 자연적 인 것과 동일한 자연적이며, 지구의 교회는 열처리 또는 놀이터로 필요합니다. 국가와 교회의 협력은 양심의 자유에 대한 권리를 인정하여 1980 년대 말까지 시작되었으며, 2012 년이 노조는 "성모 마리아, 푸틴 궤도"를 가진 예술 활동가들에 대한 예술 활동가들에 대한 스캔들로 된 법원 사례를 시작합니다. 종교와 힘은 이제 동맹국 일뿐 만 아니라 파트너가 아닙니다. ROC의 대표자에 따르면 전형적인 사원의 건설은 역사적 정의를 회복 할뿐만 아니라 사회를 더 균질하게 만들어서 정교회에 도보 거리가 필요한 올바른 시민의 이미지를 방송해야합니다. "

"기술 재현성 시대의 예술 작품"

월터 베냐민

아우라와 그녀없이 아트.

"예술 작품의 고유성은 전통의 연속성에서 그의 최적질과 동일합니다. 동시에,이 전통 자체 - 현상은 매우 활발하고 극단적 인 모바일입니다. 예를 들어, 금성의 골동품 동상은 중세 성직자보다 다른 전통적인 맥락에서 다른 전통적인 맥락에서 숭배하는 그리스인들에게 존재했습니다. 그것은 다른 사람들을 위해 똑같이 중요했습니다. 그래서 이것은 독창성이었습니다. 즉, 그녀의 아우라. 전통적인 맥락에서 예술 작품을 배치하는 초기 방법은 컬트의 표현을 발견했습니다. 가장 오래된 예술 작품은 의식을 봉사하는 것으로 알려진 것처럼 알려져 있습니다. 이 상황은 예술 작품의 존재를 일으키는이 화살표가 작품의 의식 기능에서 완전히 면제되는 결정적인 가치입니다. 즉, "정품"기술의 고유 한 가치는 초기 및 첫 번째 응용 프로그램을 발견 한 의식을 기반으로합니다. 이베이스는 반복적으로 매개 될 수 있지만, 가장 잃어버린 아름다움의 가장 길은 형태로, 그것은 세속화 된 의식으로 끊어집니다. 르네상스 시대에 생겨 났고 3 세기 동안 존재하는 사역의 전문 숭배는이 기간 이후 첫 번째 심각한 충격을 경험했으며, 그들의 의식 재단을 분명히 발견했습니다. 즉, 처음으로 진정으로 혁명적 인 생식 제를 출현하면서 (사회주의의 발생과 동시에) 예술의 사진은 위기의 접근을 느끼기 시작합니다. 세기가 나중에 완전히 분명 해지고, 그것은 l의 교리를 만들 것입니다. " 예술은 "예술을 반응으로 쏟아 붓는다. 아트 신학"

"각인 된 시간"

Andrei Tarkovsky.

시간, 음악 및 예술 전체에 관한 시적인 에세이.

"시간은 우리"i "의 존재를위한 조건입니다. 우리의 영양 분위기는 존재의 조건으로 불필요한 성격 갭으로 파괴됩니다. 죽음이 오면. 그리고 개별 시간의 죽음은 인간의 삶이 생존자의 감정에 접근 할 수없는 결과로 다른 사람들을 위해 죽었습니다.

사람이 사람으로 행동 할 수 있도록하는 데 필요한 시간이 필요합니다. 그러나 나는 선형적인 시간을 의미하지는 않습니다. 무언가를하기 위해 무언가를 할 수있는 기회를 의미하고 일종의 일을합니다. 그 행위는 결과이며, 도덕적 인 의미에서 수정하는 사람의 이유에 대해 이야기하고 있습니다.

역사는 아직 시간이 아닙니다. 진화도. 이 순서. 시간은 조건입니다. 인간의 영혼의 도롱뇽이 살아있는 불꽃. "

""장미 이름 "필드에 대한 메모"

Umberto Eco.

포스트 모드 게임에 대한 매혹적인 무대.

"Postmodernism은 모더니즘에 대한 반응입니다. 과거는 파괴가 불가능하기 때문에 파괴가 부드럽게 이어지기 때문에, 그것은 rethound, irongough, rethought, irongoughtically, inulake를 필요로하지 않아야합니다. 포스트 모던 위치는 매우 교육받은 여성과 사랑에 빠진 사람을 생각 나게합니다. 그는 그가 "나는 당신을 사랑합니다"라는 것을 이해할 수 없다는 것을 이해합니다. 왜냐하면 그녀는 그녀가 이해한다는 것을 이해하고 있기 때문입니다 (그가 이해하는 것을 이해하는 것을 이해합니다. 그러한 문구가 Lial의 특권이 있다고 이해합니다. 그러나 탈출구가 있습니다. 그는 "라일라의 표현에 따르면, 나는 당신을 미친 듯이 당신을 사랑합니다." 동시에 그는 열정 한 단순성을 피하고 간단하게 말할 기회가 없음을 직접 보여줍니다. 그럼에도 불구하고, 그는 그녀의 관심을 가져 오는 것, 즉 그녀를 사랑한다는 것을 알고 있지만, 그의 사랑은 잃어버린 단순함 시대에 살고 있습니다. 한 여성이 같은 게임을 할 준비가되면, 그녀는 사랑의 설명이 사랑에 대한 설명으로 남아 있음을 이해할 것입니다. 중몽간자 중 어느 것도 단순함을주지 못하고, 과거의 맹공격을 견딜 수 없으며, 그 말을 통해 모든 것을 얻을 수 없으며, 고의적으로 그리고 기꺼이 아이러니의 게임을하고, 그러나 그들은 그것을 관리 할 수있었습니다. 다시 사랑에 대해 이야기하십시오. "

"지옥과 낙원 사이의 영화"

알렉산더 미타

화려한 필름을 제거하는 방법에 대한 찻 주전자를위한 튜토리얼.

"의심스럽지 않게 관객 앞에서 구조물의 디자인 요소에 견딜 수있는 시험과 같습니다. 극적인 상황이 좋으면 그것은 의심스럽게 일어날 것입니다. 극적인 peripetia가 올바르게 개발되면 - 원하는 모든 것을 얻을 수 있으며, 개발 중에는 의심스럽게 이루어집니다. 이벤트가 충돌을 올바르게 열었을 경우 영웅의 위협과 예기치 않은 행동의 위협과 함께 성장할 것입니다.

"의심 스럽하게"라는 용어를 도입 한 이사는 Alfred Hitchcock의 사용에 대한 용어를 도입했습니다. 그는 "극적인 상황에 대한 가장 집중적 인 아이디어가 가능합니다." Hichkok은 그가 영화를 촬영하기 시작했을 때, 알 수없는 감독이되는 것이라고 생각했다. "모든 별들이 어떻게 내 영화에서 가져 가고 싶어하는가? 신비하고 불안한 것이있는 것에서의 역사를 유혹하는 것이 필요합니다. 그들을 깨우는 것이 필요합니다. " 이것은 의자에 대한 이야기입니다.

히치콕은 어떻게 든 프랑스 디렉터 Truffo에 말했다 :

내가 이야기를 구성 할 때, 나는 캐릭터가 아니라 삐걱 거리는 계단에 대해 가장 걱정하고 있습니다.

그것이 무엇인가? - Truffo에게 물었다.

삐걱 거리는 계단과 영웅 밑에 닿을 수 있습니다. 나는 그것을 "의심스럽게"라고 부릅니다.

"정원, 푸리에, Loiola"

롤란 바트

구슬의 문학적 게임.

"정원에서 푸리에로 이사 할 때, Loiol에서 정원으로 이동할 때 - 사디즘은 하느님과의 의사 소통을합니다. 그렇지 않으면 동일한 편지 : 동일한 분류 생물, 하나의 페인트 (그리스도의 몸, 희생자의 몸, 인간의 영혼의 몸, 인간의 영혼), 숫자에 대한 하나의 강박 관념 (죄, 고문, 열정을 계산하는 것) 그리고 점수의 실수와 동일한 이미지 연습 (모조, 그림, 세션의 실천), 사회적, 에로틱 한 푸메 시틱 시스템의 동일한 윤곽선. 이 세 명의 저자 중 어느 것도 독자가 자유롭게 한숨을줍니다. 일부는 유연한 명령에 따라 즐거움, 행복 및 커뮤니케이션이며, 일부 결합제에서 더 큰 공격성을 위해서도 더욱 더 큰 공격성을 위해서. 그래서, 여기에 그들은 3 명 모두 합계됩니다 : 저주받은 작가, 위대한 유발자와 거룩한 예수회. "

"Francois의 중세와 르네상스의 창의력과 인민 문화"

Mikhail Bakhtin.

민속 문화가 큰 문학의 일부가되기 때문에.

"모든 부유 한 민속 문화 중세 시대의 웃음은 높은 이데올로기와 문학의 공식 영역 밖에서 살았습니다. 그러나 이것은 정확하게이 존재가 아니기 때문에, 웃음의 문화는 독점적 인 급진주의, 자유 및 무자비한 금주에 의해 구별되었습니다. 중년은 웃음을 삶과 이데올로기의 공식 분야에 허용하지 않고이 분야의 자유와 불결에 대한 뛰어난 특권을 제공했습니다 : 레크리에이션 축제 문학에서 공휴일 동안 광장에서. 중세 웃음은이 특권을 널리 사용하고 깊이 사용하도록 관리했습니다.

그리고 그의 가장 급진적 인 보편적 인, 그리고 동시에, 가장 재미있는 유니폼에서 한 번만 다른 나라에서 다른 나라에서만 가장 재미있는 유니폼에서만 말하기 위해 웃음의 부흥의 시대에 있습니다. ) 사람들 ( "저속한") 언어와 함께 민속 깊이에서 벗어나 Decameron Bokcchcho, Roman Roman Servcchcho, Roman Servantes, Drama 및 Shakespeare 코미디와 같은 세계 문학 작품을 창출하는 데 중요한 역할을하는 것과 더 큰 문학과 높은 이데올로기를 부탁드립니다. 다른 사람. "

"노트와 추출물"

Mikhail Gasparov.

문학, 철학 및 비판에 대한 매우 재치있는 추론.

"일단 내가 말하기 위해 일어난 일이 일어났습니다."Lermontov는 그가 훌륭하다는 것을 좋아하지만, 우리가 그것을 좋아하기 때문에 우리는 그것을 위대하게 부릅니다. " 이것이 진부한 것처럼 보였습니다. 그러나 V.V. Skeinova 어떤 이유로, 그것은 매우 분개했습니다. 나는 아직도 우리의 "싫어함"이라고 생각합니다. 작가가 위대하거나 작거나 작게 선언하는 것은 불충분 한 기반입니다. 나는 작가가 나의 맛을 넘어서는 것을 좋아하지 않는다고 믿는 것을 선호 할 것입니다 : 결국, 나는 그것이 내 맛이 내 맛이 좋기 때문에 좋은 것을 고려할 권리가 없습니다. 다른 사람을 재구성하기 위해 egocentric의 관점 대신에도 더 나아질 것입니다. 존경심의 가치가있는 것 : 그런 현대적인 시인 만델스타에 대해 무엇을 말할 것인가? 푸쉬킨? ovid? 그러한 가상의 판단은 아마도 더 흥미 롭습니다. 그러나 보통 그들은 그것에 대해 생각하지 않으며, 아마도 당신은 좋은 것을 말하지 않을 것입니다. "

"예술과 시각적 인식"

rudolph arnheim.

심리 그림 그림.

"... 빛은 독립적 인 현상이나 품질로 대표적이며, 피험자 자체에 내재되어 있으며, 한 주제로부터 다른 주제로부터 전송 된 충격에 의한 것이 아니라"하루 "는 종종 흰 구름의 축적에 대해 생각하는 밝은 것입니다. 그것은 밖에서 나오고 하늘의 초안을 따라 움직입니다. 같은 방식으로 지구상의 물체의 밝기는 주로 그들 자신의 재산으로 인식되며 반성의 결과가 아닙니다. 아래에 언급 될 특별한 조건을 고려하지 않고, 집, 나무 또는 테이블에 누워있는 책의 조명은 우리가 먼 소스의 일종으로서 인식되지 않습니다. 가장 좋은 경우 전기 램프의 일광이나 빛은 일치하는 것처럼 일을 조명합니다. 이 일들은 태양이나 하늘보다 덜 밝으며 원칙적으로 그들은 그들과 다르지 않습니다. 그들은 덜 밝은 빛나는 빛나는 것입니다.

따라서, 어둠은 피사체에서 내재 된 밝기의 휘도가 페이딩 또는 어둠의 그늘에서 빛을 숨기려고 할 때 발생하는 효과로 인식됩니다. 밤은 빛 제거의 부정적인 결과가 아닙니다.

하루를 대체하거나 덮는 어두운 침대 보조제의 긍정적 인 모양. 어린이에게 보이는 밤에는 서로 가깝게 움직이는 검은 구름으로 구성되어 있으며, 그 백인은 그 (것)들을 통해 그들을 깰 수 없을 수 있습니다. Rembrandt 또는 Goya와 같은 일부 예술가들은 적어도 일부 그림 중 일부에서 어두운 공간으로서 세계를 묘사하고 빛으로 강조하는 곳입니다. 그것은 물리학 자의 발견의 예술에 의해 확인되었음을 밝혀 냈습니다. "

"선택된 작품 Leonardo da Vinci"

레오나르도 다빈치

그 사람이 생각했듯이, 누가 그의 시간의 상징이되었습니다.

"고통스러운 마음은 거울과 유사해야하며, 항상 객체로서의 해당 객체의 색상으로 바뀌고 개체가있는 것처럼 많은 이미지로 가득 차 있습니다. 그래서, 당신이 좋은 화가가 될 수 없다는 것을 알고, 당신이 자연이 제작 한 형태의 모든 양식에 대한 모든 자질을 모방 할 때 유니버설 마스터가 아니라면, 당신이 그들을 이해하지 못하면 그들을 이해하지 못한다면, 영혼에 그들을 그릴 수 없었습니다, 당신은 필드 주위에 돌을 돌리고, 당신의 판단이 다양한 물체에 매력을 느끼게하고 일관되게 하나의 항목을 먼저 고려하고, 다른 것들로부터 컬렉션을 만들어 덜 좋은 것들로부터 선택하고 선택하고 선정 ...에 상상력에 지쳐서 피곤한 일부 화가와 똑같이하지 마십시오. 운동을 위해 도보로 걷는 동안 피로를 지키는 것입니다. 그들은 다양한 아이템에주의를 기울이고 싶지는 않지만, 종종 친구 나 친척들과 만날 때, 그들은 그들에 의해 환영되며, 그들을 보지 못하고 듣지 못하고, 그들이 기분을 상하게하지 않는 사람들 이외의 사람들이 아닌 다른 사람들이 아닙니다. . "

"구약에서의 민속"

제임스 조지 프레이저

세계에서 가장 유명한 책이 어떻게 될지 그리고 어떻게 될지.

핀란드어 원산지의 러시아어 cheremsa (현대 이름 - 마리) 사람들은 토라 자 부족과 인도 원주민의 전설에서 일부 에피소드를 연상케하는 세계의 창조물의 역사를 말합니다. 하나님께서는 찰흙에서 한 남자의 몸을 올라 가서 하늘에서 자신에게 영혼을 가져 오기 위해 영혼을 가져와 그분의 부재로 몸을 지켜 보시려면 개를 떠나게합니다. 한편, 악마가 왔고, 강아지를 개로 득하고, 그녀의 모피 의류가 그녀의 경계를 약화시키는 것을 막았습니다. 그런 다음 사악한 정신이 찰흙 몸을 돌 렸습니다. 그래서 하나님 께서 다시 돌아 왔을 때, 그는 완전한 절망에 왔고, 몸에서 모든 흙을 제거하기를 희망하지 않고 심장을 안쪽으로 돌리기로 결정했습니다. 어떤 이유로, 사람이 그런 내부에서 더러운 것을 가지고 있습니다. 같은 날에 하나님께서는 그의 빚에 대한 형사상 위반을 위해 개를 저주했습니다. "

"마법의 동화의 형태학"

블라디미르 PRIPP.

"우리는이 (마법) 동화의 체포 비교를 수행합니다. 비교를 위해, 우리는 특별한 기술을위한 마법의 동화의 복합 부위를 강조하고 요정 이야기를 구성 요소로 비교합니다. 결과는 형태학, 즉 I.E. 부품에 대한 요정 이야기와 부품의 부품의 태도와 전체에 대한 설명. 요정 이야기를 정확하게 묘사 할 수있는 방법은 어떤 방법을 얻을 수 있습니까? 다음과 같은 경우를 비교하십시오.

1. 선생님은 독수리의 원격을 제공합니다. 독수리는 다른 왕국을 다룹니다.

2.Dad는 말을 준다. 말은 다른 왕국에 suchenko를 운반합니다.

3. Koldun은 이반을 보트를 준다. 보트는 이반을 다른 왕국에 가져갑니다.

4. 판매 된 Ivan 링을 제공합니다. 반지에서 잘 했어 Ivan을 다른 왕국으로 운반합니다. 기타

이 경우에는 영구적이고 가변 값이 있습니다. 이름 변경 (및 속성 포함) 연기하는 사람, 그들의 행동이나 기능은 변경되지 않습니다. 따라서 동화가 종종 다양한 캐릭터와 동일한 조치를 기반으로하는 결론을 따르십시오. 이것은 우리에게 연기하는 사람의 기능에 대한 동화를 배울 수있는 기회를 제공합니다. "

"사진을 찍어 ..."

알렉산더 lapin.

사진의 구성에서 기본적인 작업.

"물론, 압도적 인 대다수의 사진 작가들은 뷰 파인더 프레임을 시력으로 사용하여 카메라를 자신들이 관심이 있다는 사실에 가져 오는 것을 시력으로 사용합니다. 동시에 배경이나 주변 세부 정보도 고려되지 않습니다. 에 영어 언어 단어 촬영에는 두 가지 의미가 있습니다. 촬영 및 제거. 현재 카메라와의 작업은 완전히 다르므로 프레임의 구성, 조직의 구성입니다. 사진 작가는 프레임에 불필요한 폭포가 없는지 확인합니다.

그는 의도적으로 미래의 그림의 세부 사항을 선택하고, 조합과 직위에서 의미를 추구하고, 그들을 불평하고, 명확한 내용의 틀을 채우기 위해 표현력을 추구하고자합니다. 조성 및 표현 작가들은 또한 현실 자체에서도 발견되지만 사진 작가는 어렵고, 개별 관찰에서 자신의 사진을 합성 할 수 없으며 일을 찾아야합니다. 그래서 사진 작가는 생각, 창조적 인, 이해, 사진이 특정 진술이라고 생각합니다. 그 의미는 시청자가 "읽습니다"해야합니다. 각 문장, 메시지가 장식되어야합니다. 예를 들어, 문법 및 구두법 규칙이없는 임의의 단어 세트는 실제로 아무런 정보가 없을 것입니다. 시각적 인 사진의 진술에도 똑같이 적용됩니다. 따라서, 주요한 것은 할당되어야합니다 (악센트, 느낌표), 그 부품은 연관되어야합니다 (구문), 그것은 처음부터 끝과 끝, 의미있는 세부 사항이 적절한 제안 등과 유사합니다. ...에 "

예술은 사회 현실에 대한 지식의 지적 - 미학적 형태입니다. 예술적 일에서 진리 (저자의 진리)와 아름다움은 대개 결합됩니다. 그의 직관적 인 감각에 의해 자극 된 저자의 지성의 예술 작품 참여에 대한 관점에서, 예술은 심지어 현실의 발전을 발견 할 수도 있습니다.

예술의 본질에 대한 지식의 주요 단계를 고려하십시오.

아리스토텔레스, Mimezis의 이론의 윤곽의 침묵 - 모방은 예술의 주요 특성을 보여주었습니다. 이미지의 삶에 대한 지식. 중세 신학은 지상의 형태의 도움으로 "신성한"사람의 입학을위한 방법으로 예술에 의해 평가되었다. 르네상스 시대의 미적들은 예술의 소개 에센스에 초점을 겪었습니다 (Leonardo da Vinci). 우리는 과학 및 예술 창의력의 융합을 봅니다. 나중에 (Didro, 18 세기) 예술은 현실의 살아있는 그림에서 진리의인지의 형태로 간주되었습니다. 독일어 클래식 철학은 "왕국 왕국"(kant - ", 쉴러 -"게임 ", 헤겔 -"정신의 징후 ","직접 묵상 진실 "...). Chernyshevsky Materist는 예술을 삶의 지식으로 이해합니다. 그는 예술의 주제가 "모든 것이 삶의 사람에게 흥미 롭습니다."라고 주장했다. 마르크스는 예술적 의식의 전체 론적이고 포괄적 인 성격이 개인의 즉각적인 경험의 경계보다는 "일반적인 실체"에 대한 인식에 기여한다고 믿었습니다. 전체적 인 인간 성격을 형성합니다.

그래서 예술의 주요 사회적 기능은 현실의 창조에 기여하는 "세계의 예술적 발달"이며, "아름다움의 법칙"(예를 들어, 미학 및 프라타 믹스를 결합하는 디자인의 20 세기의 존재) ...에 예술의 사회적 기능은 또한 성격의 형성과 자기 변형을 촉진하고 있습니다. "아름다움의 법칙에 따라"

중세에는 7 개의 무료 아트가 Trivium - 문법, 논리 및 수사학 및 quadryvium - 산술, 음악, 기하학 및 천문학을 차지했습니다. 서양식 예술 종 중에서, 그림과 으스라가 수세기 동안 지배되었다.

예술은 어떻게 분류됩니까? 예술적 창의력의 측면은 문학, 영화, 극장, 댄스 (안무), 음악, 그림, 조각품, 아키텍처입니다. 해체의 기준은 시각적, 시각적 청력, 청각 양식 및 예술 장르의 지각 메커니즘입니다. 종종 기준은 주요 통신 수단으로서 언어로 간주됩니다 (세미오틱스는 언어 구두, 쓰기, 이미지, 제스처, 기계 ...)을 구별합니다.

예술적 검색은 아트가 인간의 삶을 표현한다는 사실을 고려할 때, 완전한 모순은 반대의 연속체에서 수행됩니다 : 진실은 망상, 아름다운 - 못생긴, 좋은 - 악입니다. 일반적 으로이 의미 론적 (가치) 대학 (철강)은 객관적인 세계의 사람들이 겹쳐 쓰이고 문화 분야입니다. 이 분야 과학, 도덕, 예술의 구성 요소. 과학은 진리, 윤리에 대한 검색에 대한 더 많은 지향적이며, 예술은 아름답습니다. 이러한 모든 유형의 독창성 중, 인생의 생활 방식의 내면에서 인간의 행동과 활동을 지향하고, 귀중품의 목표와 문화 사회에서 채택 된 규범을 달성하기위한 인간의 행동과 활동을 지향시키는 것은 생명을 표현합니다. 따라서 예술적 창의력의 본질을 이해하기 위해서는 그 그림자와 함께 진리, 아름다움과 좋은 개념을 분석 할 필요가 있습니다. 오류, 추악한, 악의.

진실은 학습 대상의 현실에 대한 적절한 반영의 결과입니다. 적절한 반사 (표현식)는 아티스트의 우리의 경우, 현실 자체의 맥락에서 새로운 이미지 인, 즉, 창조를 의미합니다. 그의 모든 연결에서. 그러나, 그러한 진리에 대한 이해는 주로 연구 결과의 객관성을 필요로하는 과학 공동체에 의해 내재적이다. 의식에서 그의 독립. 그러나 예술적 제품은 항상 저자의 삶의 감각을 지니고 있습니다. 그러므로 예술의 진리 "... 똑같은 일은 ... 관능적 인 것입니다. 41 사실,이 정의는 감정이 거짓 일 수 없다는 가정이 있습니다. 예를 들어, 아티스트는 모든 역할이 인식 요소가있는 관능적 인 작성이 필요하다는 것을 인식합니다. 후자는 예를 들어 셰익스피어의 연극에서 지정된 역할에 대한 현대 해석에 필요합니다. 해석은 적극적인 인식과 사회적 현실을 필요로하는 배우와 감독에게 보이는 것처럼 현대 생활의 추적에 이어집니다.

예술적 연구에서 저자가 다채로운 프리즘처럼, 인간의 존재의 모순을 굴절시키는 것처럼 현대 세계예술적 검색의 결과의 진실의 결정은 "아리스토텔레스에 의해"를 유지하는 것이 가장 좋습니다. 그는 진실이 주제의 생각의 적합성이며, 오해는 그들의 불일치임을 주장했다. 아티스트가 훌리건 (Hooligans)이 공격당한 피카소 입체파 인 Picasso Cubist가있는 전설이 있습니다. 동물원에서의 요름이 확인되고 당나귀, 두 얼룩말 및 뱀을 체포했습니다. 아티스트가 공격자에 대한 그의 아이디어와 아마도 그려진 이미지가 발생하는 감정에 대한 아이디어를 표현했지만, 그들은 사실입니까? 어떤 진리의 진실은 무엇입니까? 분명히, 우리는 예술의 진실이 예술가의 감정의 진리에 이르렀다는 것에 동의해야합니다. 여기서 우리는 친척의 자발적인 토양에 들어가서 미적 견적의 유령 표준을 입력하고, 우리의 모든 반성의 자연스러운 결론은 예술 작품의 진리의 공간이 확대되고 놀라운 - 포스트 모음주의에서 지금부터 확장 될 것입니다. 점점 더 많은 사람들, 즉 "미적 프리즘"은 예술적 창의력의 과정에 포함됩니다.

예술적 창의력의 다음 구성 요소는 야당 "아름다운 - 못생긴"입니다. 현실에서 멋지고 추악한 것이 있습니까? 아니면 우리의 상상력에서만 존재하는 모든 것이 있습니까? 영원한 질문! 생각의 역사는 다음과 같습니다. 플라톤은 아름답고 아름답고 아름다운 것을 구별했습니다. 본질과 그것의 징후를 구별하십시오. 그는 모든 아름다운 현상의 존재가 의존하는 신성한 아이디어의 본질을 보았습니다. 그렇지 않으면 "현지의 아름다움을 보는 것, 그 (남자)는 사실의 아름다움을 회상합니다."검사원은 현실의 객관적인 재산으로서의 아름다움을 고려하여 "아름다움의 아이디어"를 찬성하여 패턴의 징후로서 "가장 중요한 형태의 아름다운 형태,이 질서 (우주에서), 비례 적 및 확실성 ... ".42는 사물의 질으로 간주되는 기쁨이라고 말합니다. 나중에, 우수한 것은 인간의 자유의 보편적 인 구현의 감각적으로 고려되는 이미지로서 설명된다. 나는 마르크스의 매우 정확한 접근 방식이라고 생각합니다. "우리의 요구와 즐거움은 사회에 의해 생성됩니다. 그러므로 우리는 공공 조치에 첨부하며 만족을 위해 봉사하는 항목을 측정하지 않습니다. "43이"공공 측정 "오늘은"우리 시대의 영웅은 무엇입니까? "라는 주제에 관한 토론입니다. 어떻게 그리고 얼마나 아름답고 추악한 것인가? " 기타 그것에 대해 조금. 정의에 의한 Umane는 아름다운 것과 반대입니다. 저지대, 저지대, 항의감을 불러 일으킨다. 추악한 아이디어에 대한 아이디어는 국가, 역사적, 수업 및 맛의 차이에 달려 있습니다. Cicero는 추한 미술이 재미있는 영역에 속한다고 주장했다. 왜냐하면 웃음은 주로 그것을 의미하거나 밝혀지지 않거나 추악하지 않다. 중세 시대의 추악한 것은 악의로 확인되었습니다. 나중에 (레스토리)는 "재미 있고 끔찍한"의 흥미 진진한 감각의 수단으로서시에서 추한의 타당성을 옹호했다. 그것은 멋지고 추악한 그로테스크를 생성하는 것이 밝혀졌습니다. 예술의 역사상은 "악의시의 시화"(보디클러의 표현)의 기간이었습니다. 때로는 못생긴 것이 아름답게 부정적인 순간 중 하나로 간주됩니다. Belinsky et al. 추악한 평가를 받아서 사회 생활 사람들의. Chernyshevsky는 후자가 혐오가되어 끔찍한 사람으로 변화 할 때 숭고한 것과 추악한 연결을 열었습니다. 이 정맥에서 두 번째 전쟁으로 20 세기와 20 세기가 예술적으로 표현 된 것으로 보입니다. 오늘날의 예술가들이 아름답고 추악한 사이에있는 공간에 던지기는 대부분 20 세기의 반 인간 사회적 경험으로 인해, 공포 및 전쟁이 인류의 진화의 자연적 지원으로 인식하기 시작했습니다. XXI 세기는 대규모 테러의 모습을 시작했으며, 이는 예술 작품에서 "테러 공지의 공지"로 이끌어 냈습니다.

물론 "추악한 영웅"은 현대 미술에서 그의 "프리젠 테이션"에 대한 권리가 있습니다. 그러나 그것이 "못생긴"이 아닌 제출 된 경우, 즉. 걱정 스러울 때, 그는 이미 성숙한 시청자를 만듭니다. Cicero가 믿었으므로 독자는 웃음이 아니라 Media44의 연령 모방 "영웅"에 노출 된 젊은 세대의 경보입니다.

결과적으로 시간은 아티스트를 전문적으로 지시합니다.

재능뿐만 아니라 책임을지지 않습니다.

모든 종류의 단계 (과학, 사회 문화, 기술 및 예술적) 창의력으로 돌아 가자. 그들은 다음과 같이 일반적인 승인에 따라 위치해 있습니다 : 준비 - 배양 (노화) - 조명 (계시) - 생물 (소셜 방송 상태로서의 항생 시스템으로의 전환).

예술적 창의력 (예술)과 관련 하여이 계획을 일관되게 고려하십시오. 예술적 창의력의 특이성은 아티스트의 의식의 활동에 대해 무의식의 활동이 널리 퍼지는 것입니다. 예술의 심리학에서,이 진술은 때로는 무의식이 예술적 이미지의 형성의 전체 과정을 결정하는 요소를 결정하는 것으로 선언 된 예시적인 형태를 취득하는 경우가 있습니다. 그리고 그의 작품의 의미를 언어로 말하게하려는 시도의 예술가의 의식의 개입은, 그들은 자신의 창조 과정에서 또는 그것을 창조하는 후에 그것을 인식하거나 그것을 인식하는 것으로 말합니다. 의사 - 예술적 ". "비합리적인지의 지지자의 모토는"비합리적인 예술의 영구적 인 목표 "라는 것입니다! 45 그러나 무의식 이론의 발달은 그것이 삽화의 창세기에 적극적으로 일어나고있는 결론을 이끌어 냈습니다. 예술가는 이미지 표현식 (시각적, 음향, 구두)의 형태를 선택하는 것으로 믿어집니다. 그러나 이미지가 현실의 일반화 된 표현이기 때문에 예술적 이미지의 기능적 구조에 관해서는 말할 수는 없습니다. 그리고 일반화는 의식의 어떤 활동 없이는 불가능합니다. 예를 들어, 역할에 대한 행동 해석은 "이것은 의식의 요소들과의 관능적 인 역할의 관능적 인 내용" ""(초창 하마야와의 \u200b\u200b인터뷰에서). 비 절대적인 비전은 과학적 발견의 특징이다. 진리와 아름다움 사이에는 단합과 구별이 있습니다. "모든 것이 미친 듯이 태어난 모든 것이 태어났습니다." 또 다른 칸티는 무의식이 산부인인 마음이라고 지적했다.

추악한 것은 예술에서 아름답게 될 수 있으므로 "자연의 진실은 아트의 진리가 될 수 없으며 결코 아트의 진실이 될 수 없다"(O. Balzak), 삶, 현실은 예술적 계획 또는 이미지의 구조를 많은 구성 요소 중 하나로 만 입력합니다. ...에 생명체의 선택과 변화는 예술가의 선행 경험, 생각, 감정, 취향 및 열망을 기준으로 발생합니다. 따라서 예술적 이미지 - 현실이 아닌 "생명과 같은"것입니다. 창세기의 숨겨진 캐시와 인간의 영혼의 침투가 있으며, 그로 인해 새로운 개별화 된 지식을 구호개에 대한 지원으로 우리 과학을주는 것보다 더 깊게 달성합니다. 이것은 "무수한"지식 46의 힘입니다.

따라서 이미지 (그림, 조각, 멜로디, 드라마, 소설 또는 소네트)의 "인큐베이션"의 무대는 주로 잠재 의식에서 발생합니다. 후자의 활동 (영감)은 심미적으로 정당화 된 형태, 움직임, 페인트, 소리, 단어의 직관적 인 느낌의 형태로 구현됩니다 ...

통찰력 (계시)의 무대는 창의력의 가장 신비한 단계입니다. 여기서 우리는 무의식의 활동으로 인해 영감을 구분해야하며 직관적 인 감각의 구현에 대한 설치가 필요합니다. 조건이 필요하다는 것이 여기에 있습니다. 창의력의 자유의 분위기; 물질, 포함 된 물질 가계 요인; 소설; 패션과 인센티브, 가능한 수준의 사회적 인식 (상, 콘테스트, 출판물 ...)을 주문하십시오.이 조건은 예술가가 형성하고 있으며, 여기서는 당사회 공동체의 가능성과 활동, 국가와의 "유니온"의 가능성과 활동에 따라 다릅니다. 기본적으로 이러한 조건은 인프라에 집중되어 있으며 적절한 유형의 예술 (문헌, 시네마, 극장, 음악, 조각 및 건축, 그림 ...)

여기서 우리는 소련의 역사에서 일종의 여행을해야합니다. 러시아는 현재 자본주의 자의 사회주의 솔루션을 변화시킬 수있는 기간을 경험하고 있습니다. 당연히 이러한 변화는 예술 창의력의 사회적 기반에 만졌습니다. 그것은 주로 예술가의 자유의 정도에 관한 것입니다. 유명한 수식 자유는 예술에 완전히 적용되지 않습니다. 이러한 "합의"자유에 대한 이해력이있는 주된 방법은 아티스트가 거부 된 지식의 길만 선언되며, 창조적 인 힘의 구속은 지식이 아닌 수단으로 이루어 지지만 행동합니다. 동시에, 구조 조정의 수년 동안 등장한 사회적 혼돈은 자유를 이해하기 시작했는데, 이는 리버스 결과에 대한 기대를 이끌어 냈습니다. 영적 창조성의 오랫동안 기다려온 자유는 "예술 공동체의 동거"의 새로운 문제만이 일어난다. 영적 창의력의 상용화에 대한 오리엔테이션은 또한 예상 결과를 제공하지 않습니다. 우리는 시각 예술, 시네마, 음악, 문학, 건축 및 조각에서 지난 10 년 동안 유의 한 것은 아무것도 아닌지를 인정해야합니다.

그럼에도 불구하고, 우리는 "정체"및 "구조 조정"기간 동안 예술적 지능의 "반역"에 대한 사회적으로 결정된 이유로 전환해야합니다. 예술 분야의 프롤레타리아 당국의 첫 번째 상태 반응은 예술가들과 관객의 예술가들과 집단의 의지에 대한 완전한 신뢰를 바탕으로 "굶주림 기념물"(12.04.1918)의 Sovnarkom "(12.04.1918)에 의해 표현되었다. 그러나, 이후의 "예술 장치"(M. deber)는 문화 관리 (즉, 가격)의 중앙 집중화로 이어졌습니다. 아티스트 나 청중도 신뢰하지 않는 행정적인 기능이있었습니다. v.kovsky는 그들에 대해 썼습니다 :

"작가 사이

및 독자

스탠드 매개체

중재자에서

대부분의 매체

그 후, 예술에서 공무원 의이 "평균 맛"은 지식인에게 힘의 불신에 점점 더 반영되어 왔습니다. S. Eisenstein은 "정치적 권력이 무엇을해야 할 일을 지적했을 때, 나는 열매가되지 않습니다. Illustrator의 역할을 할 수 없습니다»47. 이물학은 검열을 증가 시켰습니다. 스탈린의 성격 숭배에서 예술가들의 국가의 압력은 Apogi에 도달했습니다. 물론 당국이 지시 한 사회주의 현실주의의 방법은 예술적 걸작을 모두 일어 났지만, 총 분위기는 우울함을 유지했다. 이것은 "현실 당의 당파인"에서 대부분의 예술적 지식인의 변화의 주요 요인이었으며 미래에 대한 매혹적인 직관적 인 경로, "더 나은 미래를 위해", "더 나은 미래를 위해서", "더 나은 미래를 위해서", "더 나은 미래를 위해서"라고 믿었습니다. 상황은 세상에 대한 입장과 단계의 국가를 고려하여 상황이 악화되었습니다. 정보 사회 아트 제품은 대중 문화의 수요를 제공하는 다이제스트 및 쇼의 성격을 획득하기 시작했습니다. 예술의 감소의 객관적인 경향은 시계를 파괴하는 데 의식적으로 사용되었다 - 항 사회주의 공격은 이데올로기 적이며, 심지어 동기화되었다. 최근에 자주 자주, Perestroika의 자리의 예술가의 재평가는 기회와는 거리가 멀다. 오늘날 문학 분야의 지식인들을 진지하게 검색하고 예술 분야에서의 인텔리센트 탐구가 노조의 폐허에 약탈을 위해 민주적 인 물결에 의해 냉소적으로 사용되었다고 분명히 말할 수 있습니다. 올리거키 층은 "아무것도 없음"을 일으켰으며, 주로 언론을 잡아서 정치적 힘을 얻고 정치적 힘을 얻으려는 프레스를 캡처하기 시작했습니다. 다시 한번, 삶과 창의력의 재료 조건을 보장하고, "스폰서", "미술", 다른 후원자들이 용병 이익을 추구하고, 절대적으로의 목적과 일치하지 않는 예술적 창의력. 굴욕적 인 역사적 상황이 반복되어 예술가가 "상단 10 천의 적격여 주인공"을 제공하도록 강요합니다. 심판 수업은 반복해서는 안됩니다. 그들은 예술가들 사이에서 현재 예술의 사회적 지위에 대한 비 통근적 인 토론에 대해 이야기하고 있습니다. 우리는 1999 년 XXI 국제 영화제 (Empire 이후 "러시아"와 "세계 영화 과정의 맥락에서 영화의 국가 모델"1999 년 XXI 국제 영화제에서 통과 한 많은 논의를 주제에게 제공합니다. 주요 문제는 Soviet Kinonaslety - 라이브 돈이나 창조적 인 자본 이었습니까? 무료 시장 및 시네마 - 재해, 테스트 또는 PANACEA?

새로운 예술이 모든 사람이 아니라는 것을 이해할 수 있다면, 그것은 보편적이지 않다는 것을 의미합니다. 예술은 모든 사람들을위한 것이 아니라 아마도 다른 사람들이 아니라 다른 사람들이 아니라 다른 사람들보다 분명하지는 않습니다.

우선, 그것이 명확히하는 것이 유용하다는 것이 하나의 것이 있습니다. 대부분의 사람들은 미적 즐거움을 가지고 있습니까? 예를 들어, 예술 작품, 연극 생산 "을 예술 작품,"처럼 "그를 만날 때 무슨 일이 일어나는가? 대답은 의심의 여지가 없습니다. 그녀가 인간의 운명의 이미지로 그들을 사로 잡을 수 있다면 드라마를 좋아합니다. 그들의 마음은 사랑, 증오, 고난 및 영웅의 기쁨에 대해 걱정하고 있습니다. 시청자는 현실이었던 것처럼 이벤트에 참여하고 있습니다. 그리고 관객들은 그녀가 Vitality 영웅의 신뢰성 인 생명력의 환상이라고 부를 때 놀이가 "좋은"이라고 말합니다. 가사에서 그는 인간의 사랑과 슬픔을 찾을 것입니다. 그것은 시인의 행을 숨 깁니다. 회화에서 관중은 그가 어떤 의미에서 살아가는 것에 관심이있는 남성과 여성을 묘사 한 캔버스만을 끌어 들일 것입니다. 풍경은 걷는 곳으로 충분히 매력적이라면 그에게 "마일"으로 보일 것입니다.

즉, 대부분의 사람들에게 미적 즐거움은 일상 생활을 동반하는 경험에서 원칙적으로 다르지 않습니다. 차이점은 사소한 보조 세부 사항입니다.이 미적 경험은 아마도 실용적이지 않고 더 부유하지 않으며 붕괴적인 결과를 수반하지 않습니다. 그러나 궁극적으로 주제, 예술이 지시 된 대상, 그리고 동시에, 동시에 다른 사람들에게는 일상적인 존재, 사람, 인간의 열정과 동일합니다. 그리고 그들은 인간 전의 흥미로운 모든 것에이 연락처가 이루어지는 자금의 전체가 아는 것으로 알려줍니다. 그러한 시청자들은 순수한 예술적 형태, 깔끔한,이 형태가 인간의 이미지와 운명에 대한 평범한 인식을 위반하지 않는 정도까지만 판타지를 인정할 수 있습니다. 미적 요소의 행위가 승리하기 시작하고 대중이 그녀를 위해 Huang과 Mary의 습관적 이야기를 인식하지 못하고 혼란스럽고 놀이, 책 또는 그림으로 더 이상 있는지 모르겠습니다. 그리고 이것은 이해할 수 있습니다 : 그들은 실용적인 것보다 주제에 대한 다른 태도를 알려지지 않았습니다. 즉, 우리는 우리가 물체의 세계를 경험하고 적극적으로 방해 할 것입니다. 그러한 간섭을 장려하지 않는 예술 작품은 그들을 무관심하게 남깁니다.

이 항목에는 완전한 선명도가 필요합니다. 우리가 예술 작품이 우리에게 말하는 것에 관해서, 인간의 운명을 기뻐하거나 인간의 운명을 비교한다고 말하면, 진정한 예술적 즐거움과는 다른 것이 있습니다. 또한, 예술 작품에서, 인간에 대한 이러한 우려는 실제로 엄격하게 미적 즐거움과 근본적으로 양립 할 수 없다.

이것은 본질적으로 광학 문제에 관한 것입니다. 항목을 보려면 시각 장치를 알려진 방식으로 적용해야합니다. 시각적 설정이 주제에 부적절한 경우, 우리는 그것을 보지 못하거나 모호한 것을 볼 수 없습니다. 독자가 창 유리를 통해 정원을 들여다 보는 순간에 그것을 상상해 보게하십시오. 우리의 눈은 시각적 인 빔이 유리를 통과 한 방식으로 적응해야하며, 색상과 잎이 멈추고 멈추었습니다. 우리의 주제가 정원과 그에게 지시 된 바와 같이 시각적 인 것이기 때문에 우리는 유리를 보지 않고 그것을 통과 할 것입니다. 클리너 유리는 덜 눈에 띄는 것입니다. 그러나 노력하면서 우리는 정원에서 산만하게하고 안경을 번역 할 수있을 것입니다. 정원은 시야에서 사라질 것이며, 그로부터 남아있는 유일한 것은 유리에 적용되는 것처럼 보이는 흐릿한 색깔의 반점입니다. 따라서 정원을보고 창 유리를 볼 수 있습니다 - 이들은 두 가지 호환되지 않는 작업이며, 서로 제외되며 다양한 시각적 인 숙소가 필요합니다.

따라서 예술 작품에서 Juan과 Mary 또는 Tristan의 운명에 대한 경험을 찾고있는 사람은 그분의 영적 인식을 정확하게 이것으로 정확하게 적응시키고 있으며 예술적 업무를 볼 수 없습니다. Trystan의 슬픔은 Tristan 만 마운트하고 있으며, 우리가 현실을 위해 그것을 취하는 정도로 걱정할 수 있습니다. 그러나 그 일은 예술적 창조가 그가 진짜가 아니라는 정도까지 뿐이라는 것입니다. 한 조건에서만 우리는 말을 타고 karl v의 티지안 초상화를 즐길 수 있습니다 : 우리는 유효하고 살아있는 성격에 대한 Karlivkak을 보지 않아야합니다. 초상화에 표시된 남자와 세로 자체가 완전히 다릅니다. 또는 우리는 하나 또는 다른 사람에 관심이 있습니다. 첫 번째 경우에는 Karlov와 "함께 살"됩니다. 두 번째 "고유"아트 워크에서.

그러나 대부분의 사람들은 비전을 적응할 수 없도록 눈을 볼 수 있도록 정원을 가질 수 없게 될 수 없으며 예술 작품 인 투명성이 있습니다. 대신 사람이 지나가거나 통과합니다. 열정은 일을 떨쳐주는 인간의 현실을 파악합니다. 그들이 먹이를 남겨두고 예술 작품에주의를 기울 이도록 제공되면, 그들은 그들이 정말로 익숙한 인간의 물질을 정말로 보지 않기 때문에 아무 것도 보이지 않는다고 말할 것입니다. 결국 순수한 예술적, 순수 그들 앞에서 힘이 있습니다.

Xixvek 전체에서 예술가들은 너무 부정한 일을했습니다. 그들은 최소한의 엄격한 미적 요소로 줄어들고 인간의 존재의 이미지에 대한 작품을 거의 완전히 빌리려고했습니다. 여기서는 주로 지난 세기의 예술이 하나의 방법이나 다른 것, 현실적이라는 것을 주목해야합니다. 현실 주의자는 베토벤과 바그너였습니다. Shatubin - Zola와 같은 현실주의 자. 낭만주의와 자연주의, 오늘의 높이에서 그들을 보면, 서로 가깝게, 공통적인 현실적인 뿌리를 드러내십시오.

이런 종류의 창조물은 부분적으로 예술, 예술적 과목의 작품 일뿐입니다. 그들을 즐기기 위해서는 비 분명하고 투명하게 민감 할 필요가 없으며 예술적 감수성을 의미합니다. 평범한 인간의 감수성을 갖고 이웃의 경보와 기쁨을 허용하는 것이 충분합니다. 여기에서 Xixvek의 예술이 매우 인기있는 이유는 분명합니다. 그것은 더 이상 예술이 아니라 삶의 일부가되지 않은 비율로 희석 된 질량에 공급되었습니다. 항상 두 가지 유형의 예술이 있었을 때, 소수 민족을 위해 하나는 대다수의 경우, 후자는 항상 현실적이었습니다.

우리는 순수 예술이 가능한지 여부를 논쟁하지 않을 것입니다. 그것은 매우 가능성이 높습니다. 그러나 그러한 부인으로 우리를 인도 할 것으로 생각되는 과정은 꽤 길고 어려울 것입니다 ... 순수한 예술이 불가능한 경우에도, 정화에 대한 자연스러운 추세가 가능하다는 것은 의심의 여지가 없습니다. 이러한 추세는 낭만적이고 자연주의적인 예술 제품에서 널리 퍼져있는 "인간, 너무 인간"의 요소의 진보적 인 변위로 이어질 것입니다. 그리고이 과정 에서이 순간은 "인간의"인간의 "내용이 너무 부족하게 될 때 발생합니다. 거의 눈에 띄지 않습니다. 그런 다음 우리는 예술적 감수성의 특별한 선물을 가진 사람들 만 인식 할 수있는 주제가 될 것입니다. 그것은 예술가들을위한 예술가가 아니라 질량이 아닙니다. 데모가 아닌 카스트의 예술이 될 것입니다.

그래서 뉴 미술은 대중을 두 가지 수업으로 공유하는 이유입니다. 이해하지 못하는 사람들, 즉 아티스트와 아티스트가 아닌 사람들을 이해하지 못하는 사람들. 새로운 예술은 순수한 예술적 예술입니다.

H. Ortega-I-Gasset.예술의 탈수화

// x. Ortega-and-Gasset. 미학. 문화 철학.

세계에서 많은 예술이지만, 가장 인기있는 것은 문학, 음악, 극장, 영화 및 기타입니다. 모든 사람은 자신의 가장 좋아하는 예술을 가지고 있습니다.

음악은 항상 사람들을 매료 시켰습니다. 그것은 그들의 마음에 닿아 그들을 웃거나 울게합니다. 음악은 어디에서나 들려 질 수 있습니다. 요즘에는 고전 음악, 록 음악, 팝 음악, 클럽 음악 및 기타 고전 음악 장르가 많이 있습니다. 나는 어떤 장르의 음악을들을 수 있습니다. 그것은 내 기분에 달려 있습니다. 내가 슬퍼 할 때 나는 클래식 음악을 듣는다. 활력을 듣고, 빠른 음악과 단단한 비트를 듣는 경우. 그러나 어떤 사람들은 한 종류의 음악을 듣고 어떤 분위기가 있는지 상관없이 듣습니다.

문학이 유명한 쓰기와 시인들의 많은 훌륭한 작품이 세계 곳곳에서 읽는 다양한 다양한 다양성을 창출했습니다. 러시아 시인들과 푸시킨, 톨스티 로이, 도스토브 스키와 같은 작가는 전 세계적으로 유명합니다. 그들의 작품은 많은 언어로 번역됩니다.

극장은 인기있는 종류의 예술입니다, TOOO. 러시아에는 극장이 많이 있습니다. 그러나 대부분은 모스크바에 위치하고 있습니다. Bolshoi 극장과 말리 극장은 세계적으로 유명합니다. 오페라가 마음에 들면 볼쇼이 극장에 가야합니다. 티켓은 오히려 비싸다. Maly Theatre는 드라마를하고 고전 소설을 기반으로합니다.

나는 극장 - 가저입니다. 나는 드라마 극장에가는 것을 선호합니다. 나는 오페라와 발레를 좋아하지 않는다. 오래 전 나는 아스토브 스키에서 아스토브 스키에서 삼촌의 꿈을 보았습니다. 나는 많은 놀이를 좋아했습니다. 장식은 풍부했고 유명한 배우들이 아주 잘 뛰었습니다. 성과 후에 박수의 폭풍이있었습니다.

요즘 극장은 덜 인기가되고, 영화는 대신 큰 인기를 얻고 있습니다. 모스크바에 많은 영화관이 있습니다 : 현대적이고 구식, 저렴하고 비싸다. 현대 영화는 오디오 및 컴퓨터 특수 효과로 가득 차 있으며 사람들은 영화를 즐기기 위해 영화관에 가야합니다. 소위 홈 영화관이 최근에 출연했습니다. 점점 더 많은 사람들이 대형 평면 스크린과 특별한 음향 장비와 가정에서 시계 영화를 갖춘 현대적인 TV 세트를 구입합니다.

내가 가장 좋아하는 예술은 그림입니다. 나는 그림을 보시려면 미술 갤러리에가는 것을 즐긴다. 나는이 유형의 예술이 영원히 존재할 것이라고 생각합니다. 예술가들은 그들의 그림에서 그들의 감정과 감정을 표현합니다. 모스크바에는 많은 미술 갤러리가 있습니다. 그러나 가장 유명한 것은 Me Tretyakov Gallery입니다. 러시아어와 외국 화가로 많은 그림 컬렉션을 가지고 있습니다. 내가 가장 좋아하는 그림은 풍경입니다. 나는 러시아 조경사가 세계 최고의 것이라고 생각합니다. 자유 시간이있을 때이 갤러리로가는 것을 좋아합니다. 내 친구들 중 한 명은 전문가의 예술가가되기 위해 예술 대학에 들어갈 것입니다. 그러나 나는 아마추어가 최고의 예술가라고 생각합니다.

불행히도 나는이 또는 그 예술에 어떤 재능이 없다. 나는 어린 시절에 노래했지만, 나는 그것을 줬다. 나는 그 예술이 나를위한 것이 아니라고 생각합니다.