Showforum мистецтво художня творчість. Художня творчість і душевне і здоров'я
Die Kunst
In der Kunst widerspiegelt sich die Welt. Sie hilft dem Menschen sein schöpferisches Können zeigen. Die Kunst bereichert und formt den Menschen, erzieht die besten Eigenschaften an, appelliert an menschliche Gefühle, lässt ihn miterleben, mitdenken.
Es gibt verschiedene Kunstarten: Kino, Theater, Malerei, Skulptur, Literatur, Architektur, Tanz und Musik. Die Kunst nimmt im Leben der Menschen einen wichtigen Platz. Dank ihr wird das Leben schöner. Durch die Kunst lernen die Menschen die Natur und die anderen Menschen besser kennen und verstehen ihre Gedanken.
Viele Menschen interessieren sich für Kunst. Ich bin auch keine Ausnahme. Malerei bereitet mir besonderes Vergnügen. Mir gefallen solche Maler wie Schischkin, Aiwasowski, Serow.
Die Bilder von Schischkin "Der Roggen", "Waldische Weite" nageln die Schönheit des russischen Waldes fest. Diese Bilder, wie sein ganzes Schaffen, sind der Bestätigung der Größe und der Anmut der russischen Natur gewidmet.
Bei Aiwasowski ist das Bild "Das Schwarze Meer" bekannt. Das ist sein bestes Bild in 70-80 Jahren. Das Meer war sein Lieblingsthema. Er stellte das Meer in seinen verschiedenen Zuständen, in verschiedener Beleuchtung dar.
Serow schuff sein erstes Meisterwerk "Das Mädchen mit Pfirsichen", als er 22 Jahre alt war. Dieses Mädchen hat am Bild einen ernsten, fast erwachsenen Augenblick. In diesem Augenblick erraten sich hohe Ideale. Er war ein berühmter Porträtmaler. Außer Porträte arbeitete er auch an den Landschaften, in denen manchmal die Bauern dargestellt wurden.
мистецтво
У мистецтві відбивається світ. Воно допомагає людині показати свою творчу майстерність. Мистецтво збагачує і формує людину, виховує найкращі якості, апелює до людських почуттів, дозволяє переживати, думати.
Існують різні види мистецтва: кіно, театр, живопис, скульптура, література, архітектура, танці та музика. Мистецтво займає в житті людини важливе місце. Завдяки йому життя стає красивішим. Через мистецтво люди вчаться краще дізнаватися природу і інших людей, а також розуміти їхні думки.
Багато людей цікавляться мистецтвом. І я - теж не виняток. Живопис приносить мені особливе задоволення. Мені подобаються такі художники, як Шишкін, Айвазовський, Сєров.
Картини Шишкіна «Жито», «Лісові далі» підкреслюють красу російського лісу. Ці картини, як і всі його творчість, присвячені підтвердження величі та грації російської природи.
У Айвазовського досить відома картина «Чорне море». Це його найкраща картина в 70-80-х роках. Море було його улюбленою темою. Він зображував море в його різних станах, різному освітленні.
Сєров створив свій перший шедевр «Дівчинка з персиками», коли йому було 22 роки. У цієї дівчинки на картині серйозний, майже дорослий погляд. У цьому погляді вгадуються високі ідеали. Він був знаменитим портретистом. Крім портретів він також працював над пейзажами, в яких іноді були зображені селяни.
«Про фотографію»
Сьюзен Сонтаг
Етика і естетика в одному флаконі.
«Обмеженість фотографічного знання про світ така, що воно може роз'ятрити совість, але в підсумку ніколи не буде етичним або політичним знанням. Знання, почерпнута з нерухомих фотографій, завжди буде свого роду сентименталізмом, все одно - цинічним або гуманістичним. Це буде знання за зниженими цінами - подобу знання, подобу мудрості, так само як акт зйомки є подобу присвоєння, подобу згвалтування. Сама німота того, що гіпотетично зрозуміло з фотографій, і становить їх привабливість і спокусливість. Всюдисущість фотографій надає непередбачуване вплив на наше естетичне почуття. Дублюючи наш і без того захаращений світ його зображеннями, фотографія дозволяє нам повірити, що світ більш доступний, ніж насправді ».
«НТЦ» та інші історії зі світу мистецтва »
Брюс Чатвін
Про фарфорових чашках і тих, хто присвячує їм життя.
«НТЦ годинами пропадав в дрезденських музеях, розглядаючи фігурки персонажів комедії дель арте з королівських колекцій. Замкнені в скляних саркофагах, вони, здавалося, звали його в свій таємний ліліпутські світ і - молили про звільнення. Його друга стаття називалася «Приватний колекціонер»:
«Річ, виставлена \u200b\u200bв музейній вітрині, - писав він, - повинна відчувати себе, як тварина в зоопарку. Стаючи музейним експонатом, річ гине - від задухи і неможливості усамітнення. Тим часом як власник домашньої колекції може, а вірніше сказати, не може не торкатися до неї. Подібно до того як дитина доторкається до предмета, щоб дати йому ім'я, пристрасний колекціонер, чий очей і рука завжди знаходяться в гармонії, знову і знову дарує речі жізнепорождающее дотик її творця. Головний ворог колекціонера - хранитель музею. В ідеалі слід хоча б раз в п'ятдесят років спустошувати всі музеї, щоб їх колекції знову опинялися в приватних руках ... »- Як ви можете пояснити, - як-то раз запитала матір Утца сімейного лікаря, - маніакальну захопленість Каспара порцеляною? Перверзія, - відповів він, - така ж, як і всі інші ».
«Блокнот Бенто»
Джон Берджер
Філософія мистецтва від першої особи.
«Тілам танцюристів, відданих своєму мистецтву, притаманний дуалізм. І це помітно у всьому, що б вони не робили. Ними керує свого роду принцип невизначеності; тільки замість того, щоб переходити зі стану частинки в стан хвилі, їх тіло поперемінно стає то дарує, то даром.
Вони спіткали своє тіло до того глибоко, що можуть перебувати всередині нього, а можуть попереду і позаду нього - поперемінно, перемикаючись то кожні кілька секунд, то кожні кілька хвилин.
Дуалізм, властивий кожному тілу, - і є те, що дозволяє їм під час виступів зливатися воєдино. Вони туляться один до одного, піднімають, носять, перекочуються, відокремлюються, приєднуються, підтримують один одного, і при цьому два або три тіла утворюють єдине притулок, подібне не те живій клітині - пристановища молекул і переносників інформації, не те лісі, де мешкають тварини ».
«Кіно»
Жиль Дельоз
Класифікація образів і знаків кіно.
«Кіно не сходиться з іншими видами мистецтва, метою яких є скоріше побачити нереальне в світі, але творить зі світу нереальне або розповідь: з винаходом кінематографа вже не образ стає світом, але світ - власним способом. Можна помітити, що феноменологія в деяких відносинах застрягла на докінематографіческой стадії, чим і пояснюється її незграбна позиція: феноменологія ставить природну перцепцию в привілейоване становище, чому рух співвідноситься ще й з позами (вже не суттєвими, а просто екзистенційними). А отже, кінематографічний рух відразу ж викривається що не дотримується вірність умов перцепції і до того ж звеличується, як новий тип розповіді, здатний «зблизити» сприймається і сприймає, світ і перцепцию. Принаймні, таке враження на нас справила складна теорія в феноменологическом дусі Альбера Лафф ».
«Тінтін і таємниця літератури»
Том Маккарті
Міркування про літературний вимисел, які дуже легко читати.
«Розкрийте перший-ліпший старовинний роман: розповіді як такого предпослано вкрай недостовірне заяву,« який роз'яснює », звідки автор дізнався про події, про які вам належить прочитати. Основоположники сучасного роману працювали в XVII столітті, коли наука почала вимагати, щоб викладалися лише доведені факти, а богослов'я як і раніше твердило, що брехати гріх. У цих умовах прозаїки вдавалися до всіляких хитрощів, щоб їх «плоди уяви» і «романтичні фантазії» не суперечили непорушним принципам чесності і фактичної точності. Так, Даніель Дефо запевняв, що правду краще висловлювати, «вселяючи її поволі, під маскою якого-небудь Символу або Алегорії»; Джон Баньян стверджував, що викладає відомості, «отримані від осіб, в чиїй причетності до цих подій я повністю впевнений», а Афра Бен нахабно вигукувала в одній зі своїх фантастичних «правдивих історій»: «Я не збираюся тішити вас вигадкою або якийсь байкою, сфабрикованої з Сімейних збіг обставин; все Обставини, з Точністю до йоти, - чиста правда. Я особисто була Свідком майже всіх основних Подій; а то, чого я не бачила, підтвердили мені Герої цієї Інтригуючою Історії, духовні Особи з ордена святого Франциска ».
Фотоапарат Тінтіна, монахи Афри Бен - все це літературні прийоми, покликані створити флер достовірності навколо вимислу. Афра Бен, як і Тінтін, навіть стає персонажем і виявляється в центрі подій, про які збирається розповісти світу. Ця єдність в двох особах розщеплює реальність на різні рівні ».
«Архітектура як відтворення»
Сем Джейкоб
Як міський простір відображає і творить історію.
«У своєму вільному, нічим не обмеженому переписуванні минулого архітектура використовує історію як трамплін в майбутнє. Вона нескінченно відтворює сама себе, свідомо закладаючи власне минуле свого ж майбутнє, заново вписуючи властивий їй міф в тканину прийдешнього. У той же час архітектура узаконює власні нові пропозиції, впроваджуючи їх в тих же межах, в яких знаходяться існуючі мови, матеріали та типології. Супутнє відтворення повторення того, що вже є, допомагає пом'якшити потрясіння від новизни, при цьому саме воно оголошує себе неминучим продуктом історичних обставин. Таким чином, архітектура міфологізує власне творіння, забезпечуючи собі історичні аргументи і пропонуючи світ майбутнього, і все це - в межах своєї сутності.
Пристрасть архітектури до самовідтворення є щось більше, ніж жарт, зрозуміла лише присвяченим. На відміну, наприклад, від учасників історичних реконструкцій, вона ніколи не збирає речі і не йде додому, тому що сама є домом (або іншим простором, де ми могли б перебувати). Архітектурні відтворення абсолютно серйозні і абсолютно реальні ».
«Дія є форма»
Келлер Істерлінг
Про те, як Гутенберг став ключовою фігурою в архітектурі.
«Щоб зрозуміти сенс висловлювання" архітектура і є інформація », тобто зробити воду відчутною, необхідна робота думки, схожа з дослідженням принципів роботи, але має на увазі подолання асоціацій, пов'язаних зі словом« інформація ». Інформація, особливо в цифрової культури, це текст або код - те, що з'являється на екрані і розпізнається за допомогою одного з безлічі мов. Чим ширше поширюються подібні пристрої, тим складніше знайти просторові технології або мережі, які не залежать від цифрового світу. Світ стає «інтернетом речей», де розумні будівлі, розумні машини взаємодіють з незліченними мобільними телефонами і цифровими пристроями. Майже кожна галузь знання в XX столітті виявилася підпорядкованої інформатики, оскільки прагнула спертися на інформаційні системи управління, що дозволяють на основі обчислень і вимірювань давати більш-менш достовірні прогнози.
У число таких галузей потрапила і архітектура, що можна побачити в роботах Седріка Прайса і Крістофера Александера. Такі гуру кінця XX століття, як Кевін Келлі, на хвилі економічних успіхів цифрової індустрії пропонували нам уявити собі машини як «мікросхеми з колесами», літаки - як «літаючі мікросхеми з крилами», будівлі - як мікросхеми для житла і великі мікросхеми для утримання овець і корів. Природно, всі вони будуть матеріальні, але кожен грам їх речової суті буде просто напханий знаннями та інформацією ».
«Гриби, мутанти і інші: архітектура ери Лужкова»
Даша Парамонова
Про те, як в архітектурі відбивається епоха.
«Окремим і, мабуть, найбільш радикальним напрямком трансформації індустріального підходу в пострадянській Росії стає застосування цього практичного методу при будівництві релігійних споруд. Щоб обслужити духовне життя городян, Москва повинна бути покрита рівномірним сіткою церков. За розрахунками, необхідно побудувати мінімум 200 нових храмів, проте загальний дефіцит культових будівель оцінюється представниками РПЦ в 600 об'єктів. Проекти, розроблені Моспроект-2 і Моспроект-3, можуть бути зведені за термін від 1 до 6 місяців. Пропонуються два типи храму - однокупольний і п'ятибанний, а також різні варіації прибудов та оздоблення. «Тому за рахунок зміни куполів, завершень і колірних рішень може з'явитися велика кількість варіантів», - розповідає Олександр Кузьмін. Такий утилітарний підхід до будівництва свідчить про те, що релігія в житті росіянина - це така ж природна річ, як гараж або дача, а церква на території району так само необхідні, як тепловий пункт або дитячий майданчик. Співпраця держави і церкви починається в кінці 1980-х з визнання права на свободу совісті, а в 2012-му цей союз ініціює скандальне судову справу проти художніх активістів, виспівують «Богородиця, Путіна прожени». Релігія і влада тепер не просто союзники, але партнери. За словами представників РПЦ, будівництво типових храмів має не тільки відновити історичну справедливість, а й зробити суспільство більш гомогенним, транслювати образ правильного громадянина, якому необхідна піша доступність до православного храму ».
«Твір мистецтва в епоху його технічної відтворюваності»
Вальтер Беньямін
Мистецтво з аурою і без неї.
«Единственность твори мистецтва тотожна його впаянності в безперервність традиції. У той же час сама ця традиція - явище цілком живе і надзвичайно рухливе. Наприклад, антична статуя Венери існувала для греків, для яких вона була предметом поклоніння, в іншому традиційному контексті, ніж для середньовічних клерикалів, які бачили в ній жахливого ідола. Що було в рівній мірі значимо і для тих, і для інших, так це її єдиність, інакше кажучи: її аура. Початковий спосіб приміщення твори мистецтва в традиційний контекст знайшов вираз в культі; Найдавніші твори мистецтва виникли, як відомо, щоб служити ритуалу, спочатку магічного, а потім релігійному. Вирішальним значенням володіє ту обставину, що цей зухвалий ауру образ існування твору мистецтва ніколи повністю не звільняється від ритуальної функції твори. Іншими словами: унікальна цінність «справжнього» твори мистецтва грунтується на ритуалі, в якому вона знаходила своє початкове і перше застосування. Ця основа може бути багаторазово опосередкована, однак і в самих профанним формах служіння красі вона проглядає як секуляризований ритуал. Профанський культ служіння прекрасному, що виник в епоху Відродження і який проіснував три століття, з усією очевидністю відкрив, випробувавши після закінчення цього терміну перші серйозні потрясіння, свої ритуальні підстави. А саме, коли з появою першого дійсно революційного репродукується кошти, фотографії (одночасно з виникненням соціалізму) мистецтво починає відчувати наближення кризи, який через століття стає абсолютно очевидним, воно як відповідна реакція висуває вчення про l "art pour l" art, що представляє собою теологію мистецтва ».
«Відображений час»
Андрій Тарковський
Поетична есе про час, музиці та мистецтві в цілому.
«Час - це умова існування нашого« Я ». Наша поживна атмосфера, яка руйнується через непотрібність в результаті розриву зв'язків особистості з умовами її існування. Коли настає смерть. І смерть індивідуального часу теж - в результаті чого життя людської істоти стає недоступною для почуттів залишаються в живих. Мертвою для оточуючих.
Час необхідно людині, щоб, втілившись, він міг здійснитися як особистість. Але я не маю на увазі лінійне час, що означає можливість встигнути щось зробити, зробити якийсь вчинок. Вчинок - це результат, а я міркую зараз про причини, запліднюючої людини в моральному сенсі.
Історія - ще не Час. І еволюція теж. Це послідовності. Час - це стан. Полум'я, в якому живе саламандра людської душі ».
«Нотатки на полях" Імені троянди "»
Умберто Еко
Захоплюючий бекстейдж про постмодерністських іграх.
«Постмодернізм - це відповідь модернізму: якщо вже минуле неможливо знищити, бо його знищення веде до німоти, його потрібно переосмислити, іронічно, без наївності. Постмодерна позиція нагадує мені положення людини, закоханої в дуже освічену жінку. Він розуміє, що не може сказати їй «люблю тебе безумно», тому що розуміє, що вона розуміє (а вона розуміє, що він розуміє), що подібні фрази - прерогатива Лиала. Однак вихід є. Він повинен сказати: «За висловом Лиала - люблю тебе безумно». При цьому він уникає удаваною простоти і прямо показує їй, що не має можливості говорити по-простому; і тим не менше він доводить до її відома те, що збирався довести, - тобто що він любить її, але що його любов живе в епоху втраченої простоти. Якщо жінка готова грати в ту ж гру, вона зрозуміє, що освідчення в коханні залишилося поясненням в любові. Жодному із співрозмовників простота не дається, обидва витримують натиск минулого, натиск всього до-них-сказаного, від якого вже нікуди не дінешся, обидва свідомо і охоче вступають в гру іронії ... І все-таки їм вдалося ще раз поговорити про любов ».
«Кіно між пеклом і раєм»
Олександр Мітта
Підручник для чайників про те, як зняти геніальний фільм.
«Саспенс - це щось на зразок іспиту, який витримують перед глядачами конструктивні елементи структури. Якщо драматична ситуація хороша, вона породжує саспенс. Якщо драматична перипетія розвинена правильно - ви отримаєте все, що хотіли, плюс саспенс в розвитку. Якщо подія правильно розкрило конфлікт, саспенс буде рости разом з загрозою герою і несподіваними поворотами дії.
Режисер, який ввів в ужиток термін «саспенс», - Альфред Хічкок. Він назвав саспенс «найінтенсивніше уявлення про драматичну ситуацію, яка тільки можливо». Хічкок розповідав, що, коли він починав знімати фільми, будучи ще невідомим режисером, він подумав: «Як би зробити так, щоб всі зірки захотіли зніматися в моїх фільмах? Треба спокусити їх історією, в якій є щось таємниче і неспокійне, треба пробудити в них почуття ». Ось це і наводить історію до саспенсу.
Хічкок якось сказав французькому режисерові Трюффо:
Коли я складаю історії, мене найбільше хвилюють не характери, а сходи, які скриплять.
Що це таке? - запитав Трюффо.
Сходи, які скриплять і можуть обрушитися під героєм. Я називаю це «саспенс».
«Сад, Фур'є, Лойола»
Ролан Барт
Літературна гра в бісер.
«При переході від Саду до Фур'є випадає садизм, при переході від Лойоли до Саду - спілкування з Богом. В іншому одне і те ж лист: один і той же класифікаційне хтивість, одне і те ж нестримне прагнення розкроювати (тіло Христове, тіло жертви, людську душу), одна і та її одержимість числами (підрахувати гріхи, тортури, пристрасті і навіть помилки в рахунку), одна і та ж практика образу (практика наслідування, картини, сеансу), одні і ті ж обриси системи - соціальної, еротичної, фантазматична. Жоден з цих трьох авторів не дає читачеві вільно зітхнути; всі ставлять задоволення, щастя і комунікацію в залежність від якогось негнучкого порядку або, заради ще більшої агресивності, від якоїсь комбінаторики. Отже, ось вони об'єднані всі троє: проклятий письменник, великий утопіст і святий єзуїт ».
«Творчість Франсуа Рабле і народна культура середньовіччя і ренесансу»
Михайло Бахтін
Як народна культура стає частиною великої літератури.
«Вся багатюща народна культура сміху в середні століття жила і розвивалася поза офіційною сфери високої ідеології і літератури. Але саме завдяки цьому внеофіціальному своєму існуванню сміхова культура відрізнялася винятковою радикалізмом, свободою і нещадною тверезістю. Середньовіччя, не допустивши сміх ні в одну з офіційних областей життя і ідеології, надало йому зате виняткові привілеї на вільність і безкарність поза цими областей: на площі, під час свят, в рекреативной святкової літературі. І середньовічний сміх зумів широко і глибоко використовувати ці привілеї.
І ось в епоху Відродження сміх в його найбільш радикальній, універсальної, так би мовити, мірооб'емлющего і в той же час в його найбільш веселій формі один тільки раз в історії на якісь п'ятдесят-шістдесят років (в різних країнах в різні терміни) прорвався з народних глибин разом з народними ( «вульгарними») мовами у велику літературу і високу ідеологію, щоб зіграти істотну роль у створенні таких творів світової літератури, як «Декамерон» Боккаччо, роман Рабле, роман Сервантеса, драми і комедії Шекспіра та інші ».
«Записки і виписки»
Михайло Гаспаров
Дуже дотепні міркування про літературу, філології та критиці.
«Одного разу я мав нагоду сказати:" Чи не тому Лермонтов нам подобається, що він великий, а навпаки, ми його називаємо великим тому, що він нам подобається ». Мені здавалося, що це банальність, але В.В. Кожинова це чомусь дуже обурило. Мені і досі здається, що наше «подобається - не подобається" - недостатня підстава, щоб оголосити письменника великим або невеликим. Я б вважав за краще вважати, що той письменник хороший, який мені не подобається, що виходить за рамки мого смаку: адже я не маю права вважати мій смак хорошим тільки тому, що він мій. Ще краще було б замість своєї езопової точки зору реконструювати чужу, свідомо гідну поваги: \u200b\u200bа що сказав би про такий-то сучасному поета Мандельштам? Пушкін? Овідій? Такі гіпотетичні судження, напевно, були б цікавіше; але зазвичай про це не замислюються, ймовірно, передчуваючи: нічого хорошого вони б не сказали ».
«Мистецтво і візуальне сприйняття»
Рудольф Арнхейм
Психологічне підгрунтя живопису.
«... світло представляється самостійним явищем або ж якістю, внутрішньо властивим самим предметів, а не впливом, переданим від одного предмета до іншого,« День »- це яскрава річ, про яку часто думають як про скупчення білих хмар, які приходять ззовні і рухаються по небесному зведенню. Таким же чином яскравість предметів на землі сприймається в основному як властивість їх самих, а не як результат відображення. Не приймаючи до уваги особливі умови, про які буде сказано нижче, освітленість будинку, дерева або лежить на столі книги не сприймається нами як якийсь подарунок далекого джерела. У кращому випадку денне світло або світло електричної лампи освітлюють речі подібно до того, як сірник підпалює оберемок дров. Ці речі менш яскраві, ніж сонце або небо, але в принципі не відрізняються від них. Вони просто менш яскраві світила.
Відповідним чином темрява сприймається або як згасання яскравості, властивої предмету, або як той ефект, який виходить, коли намагаються заховати світлі предмети в тіні темних. Ніч - це не негативний результат видалення світла, але
позитивне поява темного покривала, яке замінює або покриває день. Ніч, як вона представляється дітям, складається з чорних хмар, які рухаються так близько один до одного, що біле ніяк не може пробитися крізь них. Деякі художники, такі, як Рембрандт чи Гойя, по крайней мере в деяких своїх картинах, зображували світ як темний простір, місцями підсвічуються світлом. Виявилося, що вони підтвердили засобами мистецтва відкриття, зроблені фізиками ».
«Вибрані твори Леонардо да Вінчі»
Леонардо Да Вінчі
Як думав чоловік, який став символом свого часу.
«Розум живописця повинен бути подібний до дзеркала, яке завжди перетворюється в колір того предмета, який воно має в якості об'єкта, і наповнюється стількома образами, скільки існує предметів, йому протиставлені. Отже, знаючи, що ти не можеш бути хорошим живописцем, якщо ти не є універсальним майстром в наслідуванні своїм мистецтвом всіх якостях форм, вироблених природою, і що ти не зумієш їх зробити, якщо ти їх не бачив і не замалював у душі, ти, блукаючи по полях, поступай так, щоб твоє судження зверталося на різні об'єкти, і послідовно розглядай спочатку один предмет, потім інший, складаючи збірник з різних речей, добірних і вибраних з менш хороших. І не роби так, як деякі живописці, які втомили своєю уявою, залишають роботу і прогулюються пішки для вправи, зберігаючи втому в душі; вони не тільки не хочуть звертати увагу на різні предмети, але часто, при зустрічі з друзями або родичами, вони, вітання ними, їх не бачать і не чують, і ті беруть їх не інакше, як за скривджених ».
«Фольклор в Старому Завіті»
Джеймс Джордж Фрезер
З чого і як збиралася найвідоміша в світі книга.
«Росіяни черемиси, (сучасна назва - марі) народ фінського походження, розповідають історію створення світу, що нагадує деякі епізоди з переказів племені тораджа і індійських тубільців. Бог виліпив тіло людини з глини і піднявся до себе на небо, щоб принести звідти душу для пожвавлення людини, залишивши на місці собаку вартувати тіло в його відсутність. Тим часом прийшов диявол і, напустивши на собаку холодний вітер, спокусив її хутряним одягом, щоб послабити її пильність. Потім злий дух обплював глиняне тіло і так запаскудили його, що коли бог повернувся назад, то прийшов в розпач і, не сподіваючись коли-небудь зняти з тіла всю грязь, згнітивши серце вирішив вивернути тіло навиворіт. Ось чому у людини така брудна внутрішність. І в той же день бог прокляв собаку за її злочинне порушення свого боргу ».
«Морфологія чарівної казки»
Володимир Пропп
«Ми робимо межсюжетное порівняння цих (чарівних) казок. Для порівняння ми виділяємо складові частини чарівних казок з особливих прийомів і потім порівнюємо казки по їх складових частин. В результаті вийде морфологія, тобто опис казки по складовим частинам і стосовно частин один до одного і до цілого. Якими ж методами може бути досягнуто точний опис казки? Порівняємо такі випадки:
1.Царь дає Удальцов орла. Орел забирає молодця в інше царство.
2.Дед дає Сученко коня. Кінь забирає Сученко в інше царство.
3.Колдун дає Івану човник. Човник забирає Івана в інше царство.
4.Царевна дає Івану кільце. Молодці з кільця забирають Івана в інше царство; і т.д.
У наведених випадках є величини постійні і змінні. Змінюються назви (а з ними і атрибути) дійових осіб, Не змінюються їх дії, або функції. Звідси висновок, що казка нерідко приписує однакові дії різних персонажів. Це дає нам можливість вивчати казку по функціям дійових осіб ».
«Фотографія як ...»
Олександр Лапін
Фундаментальна праця про композиції в фотографії.
«Звичайно ж, переважна більшість фотографів використовує рамку видошукача в якості прицілу, щоб навести камеру на те, що їх цікавить. При цьому ні фон, ні оточуючі деталі не беруться до уваги. В англійською слово shoot має два значення: стріляти і знімати. Справжня ж робота з камерою зовсім інша, це будівництво кадру, організація його. Фотограф прагне до того, щоб в кадр не потрапило нічого зайвого.
Він обдумано вибирає деталі майбутнього знімка, шукає сенс в їх поєднанні і положенні, компонує їх, домагаючись виразності, прагнучи наповнити кадр цілком певним змістом. Композицію і виразність художник знаходить також в самій реальності, але фотографу важче, він не може синтезувати свою картину з окремих спостережень і повинен знайти її цілий жом. Так працює фотограф думаючий, творчий, що розуміє, фотографія - це якесь висловлювання, зміст якого повинен «прочитаний» глядачем. Кожне висловлювання, повідомлення повинно бути оформлено, організовано. Наприклад, набір довільних слів без правил граматики і пунктуації нічого очікувати утримувати практично ніякої інформації. Те ж саме стосується і висловлювання візуального - фотографії. Тому головне в ній повинно бути виділено (наголоси, знаки оклику), її частини необхідно повинні бути пов'язані (синтаксис), воно, висловлювання, має початок і кінець, значима деталь подібна придаточному пропозиції і так далі ».
Мистецтво є інтелектуально-естетична форма пізнання соціальної реальності: в художньому творі зазвичай завжди поєднуються правда (авторська істина) і краса. З огляду на участі в художній творчості інтелекту автора, що стимулюється його інтуїтивними відчуттями, мистецтво може навіть випереджати розвиток дійсності.
Розглянемо основні етапи пізнання людьми сутності мистецтва.
Аристотель, окресливши контури теорії мимезиса - наслідування, виявив основну рису мистецтва - пізнання життя в образах. Теологи середньовіччя оцінювали мистецтво як спосіб залучення людини до «божественному» за допомогою земних форм. Естетична думка епохи Відродження робила акцент на пізнавальну сутність мистецтва як «дзеркала» життя (Леонардо да Вінчі) .Тут ми бачимо вже зближення науки і художньої творчості. Пізніше (Дідро, 18 століття) мистецтво розглядалося як форма пізнання істини в живих картинах дійсності. Німецька класична філософія шукала джерела художньої творчості в «царстві духа» (Кант - «доцільна діяльність без мети», Шіллер- «гра», Гегель - «прояв духу» ..., «безпосереднє споглядання істини» ...). Матеріаліст Чернишевський розумів мистецтво як форма пізнання життя. Він стверджував, що предметом мистецтва «все, що є цікавого для людини в житті». Маркс вважав, що цілісний і всебічний характер художньої свідомості сприяє індивіду в усвідомленні своєї «родової сутності», ніж розсуває кордони безпосереднього досвіду індивідів, формуючи цілісну людську особистість.
Отже, основною соціальною функцією мистецтва є «художнє освоєння світу», що сприяє творенню дійсності «за законами краси» (наприклад -поява в ХХ столітті дизайну, що поєднує естетику і прагматику). Соціальною функцією мистецтва є також сприяння формуванню і самоформування особистості «за законами краси».
У середні століття сім вільних мистецтв складали тривиум - граматика, логіка і риторика, і квадрівіум - арифметика, музика, геометрія й астрономія. Серед западноверопейскіх видів видовищного мистецтва протягом багатьох століть домінували живопис і скульпур.
Як нині класифікується мистецтво? Видами художньої творчості є література, кіно, театр, танець (хореографія), музика, живопис, скульптура, архітектура. Критерієм розчленування виступає механізм сприйняття: зорові, зорово-слухові, слухові форми і жанри мистецтва. Часто у вигляді критерію розглядається мова як основний засіб спілкування (семіотика розрізняє мови вербальні, письмові, образи, жести, машинні ...).
Художній пошук, з огляду на те, що мистецтво виражає людське життя, повну протиріч, ведеться в континуумі опозицій: істина - оману, прекрасне - потворне, добро - зло. В цілому цей смисловий (ціннісний) універсум (Шелер) накладається людьми на об'єктивний світ і являє собою поле культури. Складові цього поля-наука, мораль, мистецтво. Наука орієнтована більше на пошук істини, етика - на добро, мистецтво - на прекрасне. З усіх цих видів творчості мистецтво висловлює життя найбільш цілісно - воно формує в внутрішній світ людини способи життя, що орієнтують людську поведінку і діяльність на досягнення цілей в рамках цінностей і норм прийнятої в суспільстві культури. Отже, щоб зрозуміти сутність художньої творчості необхідно провести аналіз понять істина, краса і добро, взятих разом з їх тінями: помилкою, потворним і злом.
Відомо, що істина є результат адекватного відображення реальності пізнає суб'єктом. Адекватне відображення (вираз) означає творіння, в нашому випадку художником, нового образу в контексті самої реальності, тобто у всіх його зв'язках. Однак, таке розуміння істини притаманне перш за все науковому співтовариству, що вимагає об'єктивності дослідного результату, тобто його незалежності від свідомості. Але художня продукція завжди несе в собі авторське відчуття життя, отже, істинність в мистецтві «... є те ж саме, що ... чуттєвість» .41 Правда, в цьому визначенні є припущення, що почуття не можуть бути помилковими. Потрібна деяка корекція: наприклад, артисти визнають, що будь-яка роль вимагає чуттєвого наповнення з елементами усвідомлення. Останнє необхідно для сучасної інтерпретації ролі, визначеної, наприклад, в п'єсах Шекспіра. Інтерпретація відбувається на кальці сучасного життя як вона представляється акторові і режисерові, що вимагає активного усвідомлення і соціальної реальності.
З огляду на те, що в художній творчості автор є як би барвистою призмою, що переломлює протиріччя існування людини в сучасному світі, То визначення істинності результату художнього пошуку найкраще провести «за Арістотелем». Він стверджував, що істина є відповідність думки предмету, а оману - невідповідність їх. Існує легенда про те, що художник - кубіст Пікассо, що зазнав нападу хуліганів, на прохання поліції намалював по пам'яті їх портрети. На ранок в зоопарку були впізнані і заарештовані осів, дві зебри і змія. Зрозуміло, що художник висловив свої уявлення про зловмисників і, можливо, намальовані образи відповідали виникли відчуттям, але правдиві вони? Що тоді істина в мистецтві? Мабуть, ми повинні погодитися з тим, що істинність в мистецтві зводиться до істинності відчуттів художника. Тут ми вступаємо на хиткий грунт відносних і тому примарних ідеалів естетичних оцінок, природним висновком всіх наших роздумів є те, що простір істинності художнього твору розширюється і буде розширюватися відтепер неймовірно - постмодернізм стверджує, що все більше людей, тобто «Естетичних призм» включається в процеси художньої творчості.
Наступною складовою художньої творчості є опозиція «прекрасне - потворне» .Існують чи прекрасне і потворне в дійсності або все це існує лише в наших уяві? Вічне питання! Історія думки говорить наступне. Платон розрізняв те, що прекрасно і те, що є прекрасне, тобто розрізняв сутність і її прояви. Сутність же він бачив у божественній ідеї, від якої залежить існування всіх прекрасних явищ. Інакше, «бачачи тутешню красу, він (чоловік) згадує красу щиру» .Арістотель спростовує «ідею краси» тим, що розглядає красу як об'єктивне властивість дійсності, як прояв її закономірностей «Найголовніші форми прекрасного, це порядок (в просторі), відповідність і визначеність ... ».42Іногда кажуть, що краса є насолода, що розглядається як якість речі. Пізніше прекрасне пояснюється як чуттєво споглядаємо образ універсальної реалізації людської свободи. Здається, дуже точний підхід Маркса: «Наші потреби і насолоди породжуються суспільством; тому ми докладаємо до них громадську мірку, а не вимірюємо їх предметами, що служать для їх задоволення ».43 Про цю« громадської міркою »сьогодні йдуть дискусії на теми« який герой нашого часу? »,« як і наскільки в ньому поєднуються прекрасне і потворне ? » і т.д. Трохи про це. Потворне за визначенням протилежно прекрасного. Воно є щось потворне, нице, викликає почуття протесту. Зрозуміло, що уявлення про потворне залежать від національних, історичних, класових і смакових відмінностей. Цицерон стверджував, що потворне в мистецтві відноситься до сфери смішного, бо сміх викликається в основному тим, що позначає або виявляє що - або потворне не бридко. В середні віки потворне ототожнювалося зі злом. Пізніше (Лессінг) відстоювалася правомірність потворного в поезії як засобу порушення відчуттів «смішного і страшного». Виявилося, що з'єднання прекрасного і потворного породжує гротеск. В історії мистецтва був і період «поетизації зла» (вираз Бодлера). Іноді потворне розглядається як один з негативних моментів прекрасного. Бєлінський та ін. Оцінювали потворне як відображення каліцтв в соціального життя людей. Чернишевський розкрив зв'язок піднесеного і потворного, коли останній перестає бути огидним, переходячи в жахливе. Здається, що ХХ століття з його двома світовими війнами був виражений в мистецтві саме в цьому ключі. Сьогоднішні метання художників в просторі між прекрасним і потворним багато в чому пояснюються антилюдяною соціальним досвідом ХХ століття, коли насильство, терор і війни стали визнаватися як природне супровід еволюції людства. ХХI століття почався появою масштабного тероризму, що спричинило за собою і «героїзацію терористів» в ряді творів мистецтва.
Зрозуміло, «потворний герой» має право на свою «презентацію» в сучасному мистецтві. Але якщо він поданий не «потворно», тобто високохудожньо, то він породжує вже у зрілого глядача і читача не сміх, як вважав Цицерон, а тривогу за підростаючі покоління, схильних до віковою наслідування «героям» СМІ44.
Отже, час диктує художнику творити професійно, тобто
Не тільки талановито, але і відповідально.
Повернемося до етапів будь-якого виду (наукового, соціокультурного, технічної та художньої) творчості. Вони розташовуються, за загальним твердженням, в такий спосіб: підготовка - інкубація (визрівання) - осяяння (одкровення) -завершення (перехід в семиотическую систему як умови соціальної трансляції).
Розглянемо цю схему послідовно стосовно художньої творчості (мистецтву). Специфіка художньої творчості в тому, що в ньому активність несвідомого переважає над активністю свідомості художника. У психології мистецтва це твердження іноді знаходить настільки різку форму, що несвідоме оголошується чинником, що детермінують весь процес становлення художнього образу; а втручання свідомості художника у вигляді спроби вербалізувати сенс свого твору призводить, мовляв, або до руйнування його їм же самим ще в процесі творення, або до визнання його після завершення творіння «псевдо-художнім». Девіз прихильників такої позиції - «Ірраціональне - це постійна мета мистецтва»! 45 Однак, розробка теорії несвідомого привела до висновку про те, що воно активно в генезі художнього твору і стосується насамперед рішень художника, що виносяться їм щодо вибору форм відтворення образу (візуального, акустичного, вербального). Але цього не можна сказати, коли мова йде про функціональну структуру художнього образу тому, що образ є узагальнене вираження дійсності. А узагальнення неможливо без певної активності свідомості. Наприклад, акторська трактування ролі - «це чуттєве наповнення ролі з елементами свідомості» »(з інтерв'ю з Чулпан Хаматової). Несимволічні бачення характерно і для наукового відкриття, тобто існує єдність і відмінність між істиною і красою. Відомо, що «Все божевільне народжується в підсвідомості». Ще І. Кант зазначав, що несвідоме - акушерка думки.
Потворне може стати прекрасним в мистецтві, отже, «Правда природи не може бути і ніколи не буде правдою мистецтва» (О. Бальзак) .Жізнь, реальність входить в структуру художнього задуму або образу лише як одне з багатьох його складових. Відбір і зміна життєвого матеріалу відбувається на основі попереднього досвіду, думок, почуттів, смаків і прагнень художника. Тому художній образ - не стільки зліпок реальності, скільки «життєподібності». Відбувається проникнення в потаємні схованки буття і душі людини, завдяки чому досягається нове индивидулизированная знання, навіть більш глибоке, ніж те, що дає нам наука з її опорою на формализуемость. Це - міць «нерасчленяющего» знанія46.
Отже, етап "інкубації" образу (картини, скульптури, мелодії, драми, роману чи сонета) відбувається в основному в підсвідомості. Активність останнього (натхнення) реалізується у вигляді інтуїтивного відчуття естетично виправданих форм, рухів, фарб, звуків, слів ...
Етап осяяння (одкровення) - найбільш загадкова фаза творчості. Тут ми повинні розрізнити натхнення, викликане активністю несвідомого, і установку на реалізацію інтуїтивного відчуття. Саме тут необхідні умови: атмосфера свободи творчості; матеріальні, в тому числі і побутові чинники; художні традиції; мода і стимули, що упорядковують можливі рівні соціального визнання (премії, конкурси, видання ...) Ці умови формуються зовні художника, багато що тут залежить від можливостей і активності художньої спільноти, його "союзу" з державою та ін. В основному такі умови концентруються в інфраструктурі соотвествующего виду мистецтва (літератури, кіно, театру, музики, скульптури та архітектури, живопису ...)
Тут нам необхідно зробити якийсь екскурс в історію радянського мистецтва. Росія зараз переживає період трансформації соціалістичних підвалин життя в капіталістичні. Природно, що ці зміни торкнулися і соціальних основ художньої творчості. Йдеться перш за все про ступінь свободи художника. До мистецтва абсолютно непридатна відома формула «Свобода є пізнана необхідність» (Спіноза). Таке «угодовське» розуміння свободи, коли головним шляхом її досягнення оголошується лише шлях пізнання, відкидається художником, бо розкутість його творчих сил досягається шляхом не пізнання, а діяння. У той же час «соціальний хаос», що виник в роки перебудови, і під яким стали розуміти свободу, привів всупереч очікуванням до зворотних результатів. Довгоочікувана свобода духовного творчості поки породила лише нові проблеми «співжиття мистецької спільноти». Орієнтація на комерціалізацію духовної творчості також не дає очікуваних результатів. Доводиться визнати, що за останні десять років в образотворчому мистецтві, кіно, музиці, літературі, архітектурі та скульптурі не з'явилося нічого значного.
Проте ми повинні звернутися до соціально-обумовленим причин «бунту» художньої інтелігенції в періоди «застою» і «перебудови». Перша державна реакція пролетарської влади на сферу мистецтва була виражена в розпорядженні Раднаркому «Про пам'ятники старовини» (12.04.1918), засноване на повній довірі до художникам і колективної волі глядачів. Однак, подальша «аппаратізація мистецтва» (М. Вебер) привела до централізації управління культурою (т.е.іскусством). З'явилися адміністративні функціонери, які не довіряють ні художникам, ні глядачам. Про них писав В. Маяковський:
«Між письменником
і читачем
стоять посередники,
у посередника
самий посередній »
В подальшому цей «посередній смак» чиновника від мистецтва все більше став відображати недовіру влади до інтелігенції. С. Ейзенштейн стверджував, що «коли політична влада вказує, що я повинен робити, я стаю безплідним. Я не можу грати роль ілюстратора »47. Одержавлення призвело до посилення цензури. В роки культу особи Сталіна тиск держави на художників досягло апогею. Зрозуміло, метод соціалістичного реалізму, що диктуються владою, породив і художні шедеври, проте, загальна атмосфера залишалася гнітючою. Це і стало основним фактором перетворення більшої частини художньої інтелігенції в «партизанів дійсності», намацує інтуїтивним шляхом стежки до майбутнього, зауважимо, «до кращого майбутнього», як вважав багато хто з них. Ситуація ускладнилася ще й тим, що з огляду на набрання світу і країни в фазу інформаційного суспільства художня продукція все більше почала набувати характер дайджесту і шоу, обслуговуючи попит масової культури. Ця об'єктивна тенденція занепаду мистецтва у нас була свідомо використана для руйнування ладу - антисоціалістичних наступ було ідейно політично і навіть художньо погоджено, синхронізоване. Почастішали останнім часом переоцінки поруч художників своїх позицій перебудовних років - далеко не випадковість. Сьогодні можна цілком ясно сказати, що щирі пошуки інтелігенції в сфері літератури і мистецтва були цинічно використані постдемократіческой хвилею для мародерства на руїнах Союзу. Виниклий «з нічого» олігархічний шар став енергійно відстоювати свої інтереси, захоплюючи в першу чергу пресу, прагнучи використовувати її для здобуття і політичної влади. В черговий раз художньої інтелігенції доводиться, заради забезпечення матеріальних умов свого життя і творчості, йти на уклін до «спонсорам», «меценатам» та іншим «благодійникам», переслідують в будь-якому випадку свої корисливі інтереси, абсолютно не збігаються з цілями художньої творчості. Повторюється принизлива історична ситуація, що змушує художника обслуговувати «пересичену героїню верхніх десяти тисяч» .Указанние уроки історії не повинні повторюватися - про це говорять нестихаючі дискусії про соціальний стан мистецтва, що йдуть нині серед художників. Наведемо теми низки дискусій, які пройшли під час ХХI Московського міжнародного кінофестивалю в 1999: «Росія після імперії» і «Національні моделі кінематографа в контексті світового кінопроцесу». Основними питаннями були: радянський кіноспадщини - живі гроші або творчий капітал? Вільний ринок і кіно - катастрофа, випробування або панацея?
Якщо нове мистецтво зрозуміло не всім, це означає, що кошти його не є загальнолюдськими. Мистецтво призначене не для всіх людей взагалі, а тільки для дуже нечисленної категорії людей, які, можливо, і не значніше інших, але явно не схожі на інших.
Перш за все, є одна річ, яку корисно уточнити. Що називає більшість людей естетичною насолодою? Що відбувається в душі людини, коли твір мистецтва, наприклад театральна постановка, "подобається" йому? Відповідь не викликає сумнівів: людям подобається драма, якщо вона змогла захопити їх зображенням людських доль. Їх серця хвилюють любов, ненависть, біди і радощі героїв: глядачі беруть участь у подіях, як якщо б вони були реальними, відбувалися в житті. І глядач каже, що п'єса "хороша", коли їй вдалося викликати ілюзію життєвості, достовірності уявних героїв. У ліриці він буде шукати людську любов і печаль, якими як би дихають рядки поета. У живописі глядачі залучать тільки полотна, що зображують чоловіків і жінок, з якими в даному разі йому було б цікаво жити. Пейзаж здасться йому "милим", якщо він досить привабливий як місце для прогулянки.
Це означає, що для більшої частини людей естетичну насолоду не відрізняється в принципі від тих переживань, які супроводжують їх повсякденному житті. Відмінність - лише в незначних, другорядних деталях: це естетичне переживання, мабуть не так утилітарно, більш насичено і не тягне за собою будь-яких обтяжливих наслідків. Але в кінцевому рахунку предмет, об'єкт, на який спрямована мистецтво, а разом з тим і інші його риси, для більшості людей суть ті ж самі, що і в щоденному існуванні, люди і людські пристрасті. І мистецтвом назвуть вони ту сукупність засобів, якими досягається цей їх контакт з усім, що є цікавого в людському бутті. Такі глядачі зможуть допустити чисті художні форми, ірреальність, фантазію тільки в тій мірі, в якій ці форми не порушують їх звичного сприйняття людських образів і доль. Як тільки ці власне естетичні елементи починають переважати і публіка не дізнається звичної для неї історії Хуана і Марії, вона спантеличена і не знає вже, як бути далі з п'єсою, книгою або картиною. І це зрозуміло: їм невідомо інше ставлення до предметів, ніж практичне, тобто таке, яке змушує нас до переживання і активного втручання в світ предметів. Твір мистецтва, що не спонукає до такого втручання, залишає їх байдужими.
У цьому пункті потрібна повна ясність. Скажемо відразу, що радіти чи співчувати людським долям, про які оповідає нам твір мистецтва, є щось відмінне від справді художнього насолоди. Більш того, в творі мистецтва ця стурбованість власне людським принципово несумісна зі строго естетичним задоволенням.
Йдеться по суті, про оптичну проблеми. Щоб бачити предмет, потрібно певним чином пристосувати наш зоровий апарат. Якщо зорова настройка неадекватна предмету, ми не побачимо його або побачимо розпливчастим. Нехай читач уявить, що в даний момент ми дивимося в сад через віконне скло. Очі наші повинні пристосуватися таким чином, щоб зоровий промінь пройшов через скло, не затримуючись на ньому, і зупинився на квітах і листі. Оскільки наш предмет - це сад і зоровий промінь спрямований до нього, ми не побачимо скла, пройшовши поглядом крізь нього. Чим чистіше скло, тим менше воно помітно. Але, зробивши зусилля, ми зможемо відволіктися від саду і перевести погляд на скло. Сад зникне з поля зору, і єдине, що залишається від нього, - це розпливчасті кольорові плями, які здаються нанесеними на скло. Стало бути, бачити сад і бачити віконне скло - це дві несумісні операції: вони виключають один одного і вимагають різної зорової акомодації.
Відповідно той, хто в творі мистецтва шукає переживань за долю Хуана і Марії або Трістана та Ізольди і пристосовує своє духовне сприйняття саме до цього, не побачить художнього твору як такого. Горе Трістана є горе тільки Трістана та, отже, може хвилювати тільки в тій мірі, в якій ми приймаємо його за реальність. Але вся справа в тому, що мистецький витвір є таким лише в тій мірі, в якій він не реально. Тільки за однієї умови ми можемо насолоджуватися Тіціановим портретом Карла V, зображеним верхи на коні: ми не повинні дивитися на КарлаVкак на дійсну, живу особистість - замість цього ми повинні бачити тільки портрет, ірреальний образ, вигадка. Людина, зображений на портреті, і сам портрет - речі абсолютно різні: або ми цікавимося одним, або іншим. У першому випадку ми "живемо разом" з КарломV; в другому "споглядаємо" художній твір як таке.
Однак більшість людей не може пристосувати свій зір так, щоб маючи перед очима сад, побачити скло, тобто ту прозорість, яка і складає твір мистецтва: замість цього люди проходять повз - або крізь - не затримуючи, вважаючи за краще з усією пристрастю вхопитися за людську реальність , яка тріпоче в творі. Якщо їм запропонують залишити свою здобич і звернути увагу на сам твір мистецтва, вони скажуть, що не бачать там нічого, оскільки і справді не бачать такого звичного їм людського матеріалу - адже перед ними чиста художність, чиста потенція.
Протягом XIX сторіччя художники працювали занадто нечисто. Вони зводили до мінімуму суворо естетичні елементи і прагнули майже цілком засновувати свої твори на зображенні людського буття. Тут слід зауважити, що в основному мистецтво минулого століття було, так чи інакше, реалістичним. Реалістом були Бетховен і Вагнер. Шатобріан - такий же реаліст, як і Золя. Романтизм і натуралізм, якщо подивитися на них з висоти сьогоднішнього дня, зближуються один з одним, виявляючи загальні реалістичні коріння.
Творіння подібного роду лише частково є творами мистецтва, художніми предметами. Щоб насолоджуватися ними, зовсім не обов'язково бути чутливими до неочевидним і прозорого, що має на увазі художня сприйнятливість. Досить мати звичайну людську сприйнятливістю і дозволити тривог і радощів ближнього знайти відгук у твоїй душі. Звідси зрозуміло, чому мистецтво XIX сторіччя було настільки популярним: його подавали масі розведеним в тій пропорції, в якій воно ставало вже не мистецтвом, а частиною життя. Згадаймо, що в усі часи, коли існували два різних типи мистецтва, одне для меншості, інше для більшості, останнє завжди було реалістичним.
Не будемо сперечатися зараз, чи можливо чисте мистецтво. Дуже ймовірно, що і немає; але хід думки, який приведе нас до подібного заперечення, буде вельми довгим і складним ... Навіть якщо чисте мистецтво і неможливо, немає сумніву в тому, що можлива природна тенденція до його очищенню. Тенденція ця призведе до прогресивного витіснення елементів "людського, занадто людського", які переважали в романтичній і натуралістичної художньої продукції. І в ході цього процесу настає такий момент, коли "людське" зміст твору стане настільки мізерним, що зробиться майже непомітним. Тоді перед нами буде предмет, який може бути сприйнятий тільки тими, хто володіє особливим даром художньої сприйнятливості. Це буде мистецтво для художників, а не для мас; це буде мистецтво касти, а не демосу.
Ось чому нове мистецтво поділяє публіку на два класи - тих, хто розуміє, і тих, хто не розуміє його, тобто на художників і тих, які художниками не є. Нове мистецтво - це чисто художнє мистецтво.
Х. Ортега-і-Гассет.дегуманізація мистецтва
// Х. Ортега-і-Гассет. Естетика. Філософія культури.
There many arts in the world, but the most popular are: literature, music, theatre, cinema and others. Every person has his or her own favorite art.
Music has always fascinated people. It touches their hearts and makes them laugh or cry. Music can be heard everywhere. Nowadays there are a lot of musical genres: classical music, rock music, pop music, club music and others. I can listen to any genre of music. It depends on my mood. When I am sad I listen to classical music. When I am happy I like listening to energetic, fast music and hard beat. However, some people listen to one kind of music only and they listen to it no matter what mood they are in.
There are a lot of wonderful works of literature-Famous writers and poets created a big variety of poems, stories and novels that are read over the world. Russian poets and writers like Pushkin, Tolstoy and Dostoevsky are famous all over the world. Their works are translated into many languages.
Theatre is a popular kind of arts, too. There are a lot of theatres in Russia, but most of them are situated in Moscow. The Bolshoi Theatre and the Maly Theatre are world famous. If you like opera you should go to the Bolshoi Theatre. The tickets are rather expensive though. The Maly Theatre stages dramas and plays based on classical novels.
I am a theatre-goer. I prefer going to drama theatres. I do not like opera and ballet. Not long ago I saw Uncle "s Dream by Dostoevsky in the Vakhtangov Theatre I liked the play a lot. The decorations were rich and the famous actors played very well. There was a storm of applause after the performance.
Nowadays theatres are becoming less and less popular, and cinema has got big popularity instead. There are a lot of cinemas in Moscow: modern and old-fashioned, cheap and expensive. Modern films are full of audio and computer special effects and people go to the cinema to enjoy them. The so-called home cinemas have appeared lately. More and more people buy modern TV-sets with large flat screens and special sound equipment and watch films at home.
My favorite art is painting. I enjoy going to art galleries to look at paintings. I think that this type of art will exist forever. Artists express their feelings and emotions in their paintings. There are a lot of art galleries in Moscow, but the most famous one is me Tretyakov Gallery. It has large collections of paintings by Russian and foreign painters. My favorite painting is landscape. I think that Russian landscapists are the best in the world. I love going to this gallery when I have free time. One of my friends draws very well she is going to enter the University of Arts to become a professional artist. But I think that amateurs are the best artists.
Unfortunately I do not have any talent for this or that art. I used to sing in childhood, but then I gave it up. I think that arts are not for me.
