Creație artistică de artă Showforum. Creativitate artistică și mentală și sănătate

Die kunst

In der Kunst widerspiegelt sich die Welt. Sie hilft dem Menschen sein schöpferisches Können zeigen. Die Kunst bereichert und formt den Menschen, erzieht die besten Eigenschaften an, appelliert an menschliche Gefühle, lässt ihn miterleben, mitdenken.

Es gibt verschiedene Kunstarten: Kino, Theatre, Malerei, Skulptur, Literatur, Architektur, Tanz und Musik. Die Kunst nimmt im Leben der Menschen einen wichtigen Platz. Dank ihr wird das Leben schöner. Durch die Kunst lernen die Menschen die Natur und die anderen Menschen besser kennen und verstehen ihre Gedanken.

Viele Menschen interessieren sich für Kunst. Ich bin auch keine Ausnahme. Malerei bereitet mir besonderes Vergnügen. Mir gefallen solche Maler wie Schischkin, Aiwasowski, Serow.

Die Bilder von Schischkin "Der Roggen", "Waldische Weite" nageln die Schönheit des russischen Waldes fest. Diese Bilder, wie sein ganzes Schaffen, sind der Bestätigung der Größe und der Anmut der russischen Natur gewidmet.

Bei Aiwasowski ist das Bild "Das Schwarze Meer" bekannt. Das ist sein bestes Bild în 70-80 Jahren. Das Meer war sein Lieblingsthema. Er stellte das Meer in seinen verschiedenen Zuständen, in verschiedener Beleuchtung dar.

Serow schuff sein erstes Meisterwerk "Das Mädchen mit Pfirsichen", als er 22 Jahre alt war. Dieses Mädchen hat am Bild einen ernsten, fast erwachsenen Augenblick. In diesem Augenblick erraten sich hohe Ideale. Er war ein berühmter Porträtmaler. Außer Porträte arbeitete er auch an den Landschaften, in denen manchmal die Bauern dargestellt wurden.

Artă

Lumea se reflectă în artă. Ajută o persoană să își arate abilitățile creative. Arta îmbogățește și modelează o persoană, aduce cele mai bune calități, apelează la sentimentele umane, îți permite să experimentezi, să gândești.

Exista tipuri diferite arte: cinema, teatru, pictură, sculptură, literatură, arhitectură, dans și muzică. Arta ocupă un loc important în viața omului. Datorită lui, viața devine mai frumoasă. Prin artă, oamenii învață să cunoască mai bine natura și alte persoane, precum și să-și înțeleagă gândurile.

Mulți oameni sunt interesați de artă. Și, de asemenea, nu fac excepție. Pictura îmi oferă o plăcere specială. Îmi plac artiști precum Shishkin, Aivazovsky, Serov.

Picturile lui Shishkin „Rye”, „Forest Distances” subliniază frumusețea pădurii rusești. Aceste picturi, la fel ca toată opera sa, sunt dedicate confirmării măreției și grației naturii rusești.

Pictura lui Aivazovsky „Marea Neagră” este bine cunoscută. Aceasta este cea mai bună pictură a sa din anii '70 și '80. Marea era subiectul său preferat. El a descris marea în diferitele sale stări, în diferite lumini.

Serov a creat prima sa capodoperă „Fata cu piersici” când avea 22 de ani. Această fată din imagine are un aspect serios, aproape adult. Idealurile înalte sunt ghicite în acest punct de vedere. A fost un renumit pictor de portrete. Pe lângă portrete, a lucrat și peisaje, în care uneori erau descriși țărani.

„Despre fotografie”

Susan Sontag

Etica și estetica într-o singură sticlă.

„Limitarea cunoștințelor fotografice despre lume este de așa natură încât poate stârni conștiința, dar până la urmă nu va fi niciodată cunoaștere etică sau politică. Cunoștințele culese din fotografiile statice vor fi întotdeauna un fel de sentimentalism, nu contează - cinic sau umanist. Va fi cunoaștere la prețuri reduse - o aparență de cunoaștere, o înțelepciune, la fel cum actul de împușcare este o aparență de însușire, o aparență de viol. Insensitatea a ceea ce este ipotetic clar din fotografii este ceea ce le face atractive și seducătoare. Omniprezenta fotografie are un efect imprevizibil asupra simțului nostru estetic. Prin duplicarea lumii noastre deja aglomerate cu imaginile sale, fotografia ne permite să credem că lumea este mai accesibilă decât este cu adevărat. "

„Utz” și alte povești din lumea artei ”

Bruce Chatwin

Despre cupele de porțelan și cei care își dedică viața lor.

„Utz ar petrece ore întregi în muzeele din Dresda privind figurile personajelor commedia dell'arte din colecțiile regale. Închiși în sarcofage de sticlă, păreau să-l cheme în lumea lor secretă liliputiană și să implore pentru eliberare. Al doilea său articol a fost intitulat „Colecționar privat”:

„Un lucru expus într-o vitrină a muzeului”, a scris el, „ar trebui să se simtă ca un animal într-o grădină zoologică. Devenind o expoziție de muzeu, un lucru moare - din cauza sufocării și a imposibilității singurătății. Între timp, proprietarul unei colecții de case poate, sau mai bine zis să spună, nu poate să nu o atingă. Așa cum un copil atinge un obiect pentru a-i da un nume, un colecționar pasionat, al cărui ochi și mână sunt întotdeauna în armonie, conferă lucrurilor din nou și din nou atingerea dătătoare de viață a creatorului său. Principalul dușman al colecționarului este curatorul muzeului. În mod ideal, toate muzeele ar trebui golite cel puțin o dată la cincizeci de ani, astfel încât colecțiile lor să fie din nou în mâini private ... "- Cum poți explica, - a întrebat odată mama lui Utz, medicul de familie, - obsesia lui Kaspar cu portelan? Perversiunea, a răspuns el, este la fel ca toate celelalte.

„Notebook Bento”

John Berger

Filosofia artei la persoana întâi.

„Există un dualism în corpurile dansatorilor care sunt devotați artei lor. Și acest lucru se observă în tot ceea ce fac. Ele sunt guvernate de un fel de principiu de incertitudine; numai în loc să treacă de la starea unei particule la starea de undă, corpul lor devine alternativ o dăruire, apoi un dar.

Ei și-au înțeles corpul atât de adânc încât pot fi în interiorul acestuia sau pot fi în față și în spatele acestuia - alternativ, comutând acum la fiecare câteva secunde, acum la fiecare câteva minute.

Dualismul inerent fiecărui corp este ceea ce le permite să fuzioneze împreună în timpul spectacolelor. Se sprijină unul de celălalt, se ridică, se transportă, se rostogolesc, se separă, se unesc, se susțin reciproc și, în același timp, două sau trei corpuri formează o singură locuință, similară unei celule vii - un refugiu de molecule și purtători de informații sau pădure unde trăiesc animale ”.

"Cinema"

Gilles Deleuze

Clasificarea imaginilor și semnelor cinematografice.

„Cinema-ul nu converge cu alte tipuri de artă, al căror scop este mai degrabă să vadă irealul din lume, ci creează un ireal sau o narațiune din lume: odată cu invenția cinematografiei, nu mai este imaginea care devine lumea, dar lumea - propria ei imagine. Se poate observa că fenomenologia este, în anumite privințe, blocată în stadiul pre-cinematografic, ceea ce explică poziția ei incomodă: fenomenologia pune percepția naturală într-o poziție privilegiată, motiv pentru care mișcarea este corelată și cu posturile (nu mai esențiale, ci pur și simplu existențiale) ). În consecință, mișcarea cinematografică este expusă imediat ca neaderând la condițiile percepției și, mai mult, este exaltată ca un nou tip de povestire, capabil să „aducă laolaltă” percepția și perceptorul, lumea și percepția. Cel puțin aceasta este impresia pe care am făcut-o asupra unei teorii complexe în spiritul fenomenologic al lui Albert Laffet. "

„Tintin și misterul literaturii”

Tom McCarthy

O speculație despre ficțiune care este foarte ușor de citit.

„Descoperiți primul roman vechi pe care îl întâlniți: narațiunea în sine este prefațată cu o afirmație extrem de inexactă care„ explică ”modul în care autorul a aflat despre evenimentele pe care urmează să le citiți. Fondatorii romanului modern lucrau în secolul al XVII-lea, când știința a început să ceară să se afirme doar fapte dovedite, iar teologia a continuat să insiste că este un păcat să minți. În aceste condiții, prozatorii au recurs la tot felul de trucuri, astfel încât „figurile imaginației” și „fanteziile lor romantice” să nu contrazică principiile imuabile ale onestității și exactității faptice. Astfel, Daniel Defoe a asigurat că este mai bine să exprimăm adevărul, „insuflându-l treptat, sub masca unui simbol sau a unei alegorii”; John Bunyan a pretins că expune informații „obținute de la persoane a căror implicare în aceste evenimente sunt complet sigură”, iar Afra Ben a exclamat obraznic într-una dintre „povestirile adevărate” fantastice: o poveste inventată din Concurențele romantice ale circumstanțelor; toate circumstanțele, cu precizie până la Iota, sunt adevăr pur. Am asistat personal la aproape toate evenimentele majore; iar ceea ce nu am văzut mi-a fost confirmat de Eroii acestei Povestiri Intrigante, clerul din Ordinul Sfântului Francisc ".

Camera lui Tintin, călugării lui Afra Ben - toate acestea sunt dispozitive literare concepute pentru a crea un văl de autenticitate în jurul ficțiunii. Aphra Ben, la fel ca Tintin, devine chiar un personaj și se găsește în centrul evenimentelor despre care urmează să povestească lumii. Această unitate în două fețe împarte realitatea în niveluri diferite. "

„Arhitectura ca reconstrucție”

Sam Jacob

Modul în care spațiul urban reflectă și creează istoria.

„În rescrierea gratuită, fără restricții a trecutului, arhitectura folosește istoria ca o trambulină în viitor. Ea se recreează la nesfârșit, punându-și în mod deliberat propriul trecut în propriul viitor, reinscriindu-și mitul inerent în țesătura viitorului. În același timp, arhitectura își legitimează propriile sale propuneri, introducându-le în aceleași limite ca limbile, materialele și tipologiile existente. Repetarea însoțitoare a ceea ce există deja ajută la atenuarea șocului de noutate, în timp ce ea însăși se declară a fi un produs inevitabil al circumstanțelor istorice. Astfel, arhitectura mitifică propria creație, oferindu-se cu motive istorice și oferind lumii viitorului, totul în esența sa.

Dependența arhitecturii de auto-reproducere este mai mult decât o glumă, de înțeles doar pentru inițiați. Spre deosebire, de exemplu, de participanții la reconstituiri istorice, ea nu colectează niciodată lucruri și nu pleacă acasă, deoarece ea însăși este o casă (sau un alt spațiu în care am putea fi). Recreațiile arhitecturale sunt complet serioase și absolut reale. "

„Acțiunea este formă”

Keller Easterling

Cum Gutenberg a devenit o figură cheie în arhitectură.

„Pentru a înțelege semnificația afirmației„ arhitectura este informație ”, adică pentru a face apa tangibilă, este nevoie de munca gândirii, similar studiului principiilor de lucru, dar implicând depășirea asocierilor asociate cu cuvântul„ informație ” ”. Informațiile, în special în cultura digitală, sunt text sau cod - ceea ce apare pe ecran și este recunoscut folosind una dintre multele limbi. Cu cât sunt distribuite mai multe astfel de dispozitive, cu atât este mai dificil să găsești tehnologii spațiale sau rețele independente de lumea digitală. Lumea devine Internetul obiectelor, unde clădirile inteligente, mașinile inteligente interacționează cu nenumărate telefoane mobile și dispozitive digitale. Aproape fiecare ramură a cunoașterii din secolul al XX-lea s-a dovedit a fi subordonată informaticii, întrucât a încercat să se bazeze pe sisteme de gestionare a informațiilor, ceea ce a făcut posibilă realizarea unor predicții mai mult sau mai puțin fiabile pe baza calculelor și a măsurătorilor.

Aceasta include arhitectura, care poate fi văzută în lucrările lui Cedric Price și Christopher Alexander. Guru de la sfârșitul secolului al XX-lea, precum Kevin Kelly, în urma succesului economic al industriei digitale, ne-a invitat să ne imaginăm mașinile ca „microcircuite cu roți”, avioane ca „microcircuite zburătoare cu aripi”, clădiri ca microcircuite pentru locuințe și mari microcircuite pentru păstrarea oilor și a vacilor. Firește, toate vor fi materiale, dar fiecare gram din esența lor materială va fi pur și simplu umplut cu cunoștințe și informații ".

"Ciuperci, mutanți și altele: arhitectura erei Luzhkov"

Dasha Paramonova

Despre modul în care era reflectată arhitectura.

„O direcție separată și, probabil, cea mai radicală de transformare a abordării industriale în Rusia post-sovietică este aplicarea acestei metode practice în construcția clădirilor religioase. Pentru a servi viața spirituală a cetățenilor săi, Moscova trebuie acoperită cu o rețea uniformă de biserici. Conform calculelor, este necesar să se construiască cel puțin 200 de biserici noi, dar deficitul general al clădirilor religioase este estimat de reprezentanții Bisericii Ortodoxe Ruse la 600 de obiecte. Proiectele dezvoltate de Mosproekt-2 și Mosproekt-3 pot fi ridicate într-o perioadă de 1 până la 6 luni. Există două tipuri de temple - cu o singură cupolă și cu cinci cupole, precum și diverse variații ale capelelor laterale și finisajelor. „Prin urmare, datorită schimbării cupolelor, finisajelor și schemelor de culori, pot apărea un număr mare de opțiuni”, spune Alexander Kuzmin. Această abordare utilitară a construcției mărturisește faptul că religia în viața unui rus este un lucru la fel de natural ca un garaj sau o cabană de vară, iar o biserică pe teritoriul unui district este la fel de necesară ca un punct de încălzire sau un loc de joacă. . Cooperarea dintre stat și biserică începe la sfârșitul anilor 1980 cu recunoașterea dreptului la libertatea de conștiință, iar în 2012 această uniune inițiază un proces scandalos împotriva activiștilor de artă care scandează „Theotokos, alungă-l pe Putin”. Religia și puterea nu mai sunt doar aliați, ci parteneri. Potrivit reprezentanților Bisericii Ortodoxe Ruse, construirea de biserici standard nu ar trebui doar să restabilească justiția istorică, ci și să facă societatea mai omogenă, să transmită imaginea unui cetățean corect care are nevoie de acces pe jos la o biserică ortodoxă. "

„O operă de artă în epoca reproductibilității sale tehnice”

Walter Benjamin

Arta cu și fără aură.

„Unicitatea unei opere de artă este identică cu lipirea ei în continuitatea tradiției. În același timp, această tradiție în sine este un fenomen foarte viu și extrem de mobil. De exemplu, statuia antică a lui Venus a existat pentru greci, pentru care a fost un obiect de cult, într-un context tradițional diferit de cel al clericilor medievali, care au văzut-o ca pe un idol teribil. Ceea ce a fost la fel de semnificativ pentru aceia și pentru alții a fost unicitatea ei, cu alte cuvinte: aura ei. Modul original de a plasa o operă de artă într-un context tradițional și-a găsit expresia în cult; Cele mai vechi opere de artă au apărut, după cum se știe, pentru a servi un ritual, mai întâi magic și apoi religios. O semnificație decisivă este faptul că acest mod de a fi o operă de artă care evocă aura nu este niciodată complet eliberat de funcția rituală a operei. Cu alte cuvinte: valoarea unică a unei opere de artă „autentice” se bazează pe ritualul în care și-a găsit aplicația originală și prima. Această fundație poate fi mediată de multe ori, cu toate acestea, chiar și în cele mai profane forme de servire a frumuseții, pare a fi un ritual secularizat. Cultul profan al slujirii față de frumos, care a apărut în Renaștere și a existat timp de trei secole, a descoperit clar, după ce a experimentat primele șocuri grave după această perioadă, fundamentele sale rituale. Și anume, când, odată cu apariția primelor mijloace de reproducere cu adevărat revoluționare, fotografia (simultan cu apariția socialismului), arta începe să simtă apropierea unei crize, care devine destul de evidentă un secol mai târziu, ea propune doctrina l "art pour l" arta ca răspuns. teologia artei ”.

„Timp capturat”

Andrey Tarkovsky

Un eseu poetic despre timp, muzică și artă în general.

„Timpul este condiția existenței„ eu-ului ”nostru. Atmosfera noastră hrănitoare, care este distrusă ca inutilă ca urmare a rupturii legăturilor personalității cu condițiile existenței sale. Când vine moartea. Și moartea timpului individual - ca urmare, viața unei ființe umane devine inaccesibilă sentimentelor celor care rămân în viață. Moart pentru alții.

Timpul este necesar pentru o persoană, astfel încât, întrupându-se, să poată fi realizat ca persoană. Dar nu mă refer la timpul liniar, ceea ce înseamnă abilitatea de a avea timp pentru a face ceva, pentru a face ceva. Un act este un rezultat și vorbesc acum despre motivul care fertilizează o persoană în sens moral.

Istoria nu este încă timpul. Și și evoluția. Acestea sunt secvențe. Timpul este o stare. Flacăra în care trăiește salamandra sufletului uman. "

„Note pe marginea Numelui Trandafirului”

Umberto Eco

Fascinant culise despre jocurile postmoderne.

„Postmodernismul este răspunsul la modernism: întrucât trecutul nu poate fi distrus, deoarece distrugerea acestuia duce la mut, trebuie regândit, ironic, fără naivitate. Poziția postmodernă îmi amintește de poziția unui bărbat îndrăgostit de o femeie foarte educată. Înțelege că nu-i poate spune „Te iubesc nebunește”, pentru că înțelege că ea înțelege (și ea înțelege că el înțelege) că astfel de fraze sunt apanajul lui Lial. Cu toate acestea, există o cale de ieșire. El trebuie să spună: „Potrivit lui Lyala, te iubesc la nebunie”. În același timp, el evită simplitatea pretinsă și îi arată direct că nu poate vorbi într-un mod simplu; și totuși îi aduce în atenție ceea ce avea să aducă - adică că o iubește, dar că dragostea lui trăiește într-o eră a simplității pierdute. Dacă o femeie este dispusă să joace același joc, va înțelege că o declarație de dragoste rămâne o declarație de dragoste. Niciunui dintre interlocutori nu i se oferă simplitate, ambii rezistă la atacul trecutului, atacul a tot ceea ce s-a spus înainte, din care nu se poate scăpa, atât în ​​mod conștient, cât și de bunăvoie, intră în jocul ironiei ... Și totuși au reușit să vorbește din nou despre dragoste ".

„Cinema între Iad și Rai”

Alexandru Mitta

Un tutorial pentru manechini despre cum să faci un film ingenios.

„Suspansul este ceva de genul unui examen pe care elementele structurale ale structurii îl trec în fața publicului. Dacă o situație dramatică este bună, creează suspans. Dacă răsucirile dramatice sunt dezvoltate corect, veți obține tot ce ați dorit, plus suspans în dezvoltare. Dacă evenimentul a relevat corect conflictul, suspansul va crește odată cu amenințarea pentru erou și viraje neașteptate acțiuni.

Regizorul care a inventat termenul „suspans” este Alfred Hitchcock. El a numit suspansul „cea mai intensă reprezentare a unei situații dramatice posibile”. Hitchcock a spus că atunci când a început să facă filme, fiind un regizor necunoscut, s-a gândit: „Cum pot face ca toate vedetele să dorească să apară în filmele mele? Trebuie să-i seducem cu o poveste, în care există ceva misterios și deranjant, trebuie să trezim în ei sentimente ". Acesta este ceea ce duce povestea la suspans.

Hitchcock i-a spus odată regizorului francez Truffaut:

Când scriu povești, nu personajele mă excită cel mai mult, ci scările care scârțâie.

Ce este? Întrebă Truffaut.

Scări care scârțâie și se pot prăbuși sub erou. Eu îl numesc „suspans”.

„Grădină, Fourier, Loyola”

Roland Barthes

Joc literar de mărgele de sticlă.

„În tranziția de la Garden to Fourier, sadismul cade, în tranziția de la Loyola la Garden - comunicarea cu Dumnezeu. În caz contrar, aceeași literă: aceeași senzualitate de clasificare, aceeași dorință irepresionabilă de a tăia (corpul lui Hristos, trupul victimei, sufletul uman), aceeași obsesie pentru cifre (să numere păcatele, torturile, pasiunile și chiar greșelile) în cont), aceeași practică a imaginii (practica imitației, picturii, sesiunii), aceleași contururi ale sistemului - social, erotic, fantasmatic. Niciunul dintre acești trei autori nu oferă cititorului o respirație liberă; toată lumea face ca plăcerea, fericirea și comunicarea să depindă de un fel de ordine inflexibilă sau, de dragul unei agresivități și mai mari, de un fel de combinatorică. Deci, iată-i pe toți trei: blestematul scriitor, marele utopic și sfântul iezuit. "

"Creativitatea lui Francois Rabelais și cultura populară din Evul Mediu și Renaștere"

Mihail Bakhtin

Cum cultura populară devine parte a marii literaturi.

„Toți cei mai bogați cultura populară râsul din Evul Mediu a trăit și s-a dezvoltat în afara sferei oficiale a ideologiei și literaturii înalte. Dar tocmai datorită acestei existențe neoficiale, cultura râsului s-a remarcat prin radicalismul său excepțional, libertatea și sobrietatea nemiloasă. Evul Mediu, nepermițând râsul în niciunul dintre domeniile oficiale ale vieții și ideologiei, i-a oferit privilegii exclusive de libertate și impunitate în afara acestor zone: pe piață, în timpul sărbătorilor, în literatura festivă recreativă. Și râsul medieval a putut folosi pe scară largă și profund aceste privilegii.

Și în Renaștere, râsul în cel mai radical, universal, ca să spunem așa, cuprinzând lumea și, în același timp, în forma sa cea mai veselă, o singură dată în istorie timp de vreo cincizeci sau șaizeci de ani (în diferite țări, în momente diferite) a izbucnit de la adâncurile folclorice împreună cu limbile folclorice („vulgare”) în mare literatură și ideologie înaltă pentru a juca un rol semnificativ în crearea unor opere de literatură mondială precum Decameronul lui Boccaccio, romanul lui Rabelais, romanul lui Cervantes, dramele lui Shakespeare și comedii și altele ".

„Note și extrase”

Mihail Gasparov

Raționament foarte înțelept despre literatură, filologie și critică.

„Odată mi s-a întâmplat să spun:„ Nu ne place Lermontov pentru că este grozav, ci dimpotrivă, îl numim grozav pentru că ne place ”. Mi s-a părut că acest lucru este banal, dar V.V. Din anumite motive, Kozhinov a fost foarte supărat de acest lucru. Încă mi se pare că „ne place sau nu ne place” nu este o bază suficientă pentru a declara un scriitor mare sau nu grozav. Aș prefera să cred că scriitorul este bun, ceea ce nu-mi place, care este dincolo de gustul meu, pentru că nu am dreptul să consider gustul meu doar pentru că este al meu. Ar fi și mai bine, în locul punctului tău de vedere egocentric, să reconstruiești altcineva, evident demn de respect: ce ar spune Mandelstam despre un astfel de poet modern? Pușkin? Ovidiu? Astfel de judecăți ipotetice ar fi probabil mai interesante; dar, de obicei, nu se gândesc la asta, probabil cu un prezent: nu ar spune nimic bun ”.

„Arta și percepția vizuală”

Rudolf Arnheim

Fundalul psihologic al picturii.

„... lumina pare a fi un fenomen independent sau o calitate inerentă obiectelor în sine și nu ca efect transmis de la un obiect la altul,„ Ziua ”este un lucru luminos, care este adesea gândit ca o colecție de alb nori care vin din exterior și se mișcă de-a lungul firmamentului. În același mod, strălucirea obiectelor de pe sol este percepută în principal ca o proprietate a lor, și nu ca rezultat al reflexiei. Fără a lua în considerare condițiile speciale, care vor fi discutate mai jos, iluminarea unei case, a unui copac sau a unei cărți întinse pe masă nu este percepută de noi ca un fel de cadou dintr-o sursă îndepărtată. În cel mai bun caz, lumina zilei sau lumina unei lămpi electrice luminează lucruri precum un chibrit dă foc unui braț de lemn. Aceste lucruri sunt mai puțin strălucitoare decât soarele sau cerul, dar în principiu nu diferă de ele. Sunt pur și simplu lumini mai puțin strălucitoare.

În mod corespunzător, întunericul este perceput fie ca o estompare a luminozității inerente unui obiect, fie ca efect care se obține atunci când încearcă să ascundă obiecte luminoase în umbra celor întunecate. Noaptea nu este un rezultat negativ al îndepărtării luminii, ci

un aspect pozitiv de voal întunecat care înlocuiește sau acoperă ziua. Noaptea, așa cum li se pare copiilor, este formată din nori negri care se mișcă atât de aproape unul de celălalt încât albul nu le poate străpunge în niciun fel. Unii artiști, cum ar fi Rembrandt și Goya, cel puțin în unele dintre picturile lor, au descris lumea ca un spațiu întunecat, iluminat pe alocuri de lumină. S-a dovedit că au confirmat prin intermediul artei descoperirile făcute de fizicieni ".

„Lucrări selectate ale lui Leonardo da Vinci”

Leonardo da Vinci

Ca un om care a devenit un simbol al timpului său gândit.

„Mintea unui pictor ar trebui să fie ca o oglindă, care se transformă întotdeauna în culoarea obiectului pe care îl are ca obiect și este plină cu atâtea imagini câte obiecte i se opun. Deci, știind că nu poți fi un bun pictor, dacă nu ești un maestru universal care imită cu arta ta toate calitățile formelor produse de natură și că nu le vei putea face dacă nu le-ai văzut și schițat le în sufletul tău, tu, rătăcind prin câmpuri, acționezi astfel încât judecata ta să se îndrepte spre diferite obiecte și ia în considerare secvențial mai întâi un obiect, apoi altul, alcătuind o colecție de diverse lucruri, selectate și selectate dintre cele mai puțin bune. Și nu te purta ca niște pictori care, obosiți de imaginația lor, părăsesc munca și merg pe jos pentru exerciții, ținându-și sufletele obosite; nu numai că nu vor să acorde atenție diverselor obiecte, dar adesea, atunci când se întâlnesc cu prietenii sau rudele, ei, întâmpinați de ei, nu îi văd și nu-i aud și îi iau doar ca jigniți ".

„Folclorul din Vechiul Testament”

James George Fraser

Din ce și cum a fost asamblată cea mai faimoasă carte din lume.

"Cheremis rus, ( nume modern- Mari) oameni de origine finlandeză, povestesc despre crearea lumii, care amintește de unele episoade din legendele tribului Toraja și ale indigenilor indieni. Dumnezeu a modelat trupul unui om din lut și s-a înălțat în cerul său pentru a aduce un suflet de acolo pentru a-l revigora pe om, lăsând un câine la locul său pentru a păzi trupul în absența lui. Între timp, a venit diavolul și, suflând un vânt rece asupra câinelui, l-a sedus cu haine de blană pentru a-i slăbi vigilența. Apoi, duhul rău a scuipat pe corpul de lut și l-a murdărit că, atunci când Dumnezeu s-a întors înapoi, a căzut într-o deznădejde deplină și, nădăjduind să îndepărteze vreodată toată murdăria din corp, a decis cu reticență să întoarcă corpul în afară. De aceea, o persoană are un interior atât de murdar. Și în aceeași zi, Dumnezeu l-a blestemat pe câine pentru încălcarea criminală a datoriei sale ".

„Morfologia unui basm”

Vladimir Propp

„Întreprindem o comparație între aceste povești (zâne). Pentru comparație, identificăm părțile constitutive ale basmelor în conformitate cu tehnici speciale și apoi comparăm basmele în funcție de părțile lor constitutive. Rezultatul este o morfologie, adică descrierea poveștii prin părțile sale componente și relația părților între ele și față de întreg. Ce metode pot fi utilizate pentru a obține o descriere exactă a poveștii? Să comparăm următoarele cazuri:

1. Regele dă temerarului un vultur. Vulturul îl duce pe temerar în alt regat.

2. Bunicul îi dă Curții un cal. Calul îl transportă pe Suchenko într-un alt regat.

3. Vrăjitorul îi dă lui Ivan o barcă. Barca îl duce pe Ivan într-un alt regat.

4. Prințesa îi dă lui Ivan un inel. Bravo din ring, duce-l pe Ivan într-un alt regat; etc.

În cazurile de mai sus, există cantități constante și variabile. Numele se schimbă (și cu ele atributele) actori, acțiunile sau funcțiile lor nu se schimbă. De aici concluzia că povestea atribuie adesea aceleași acțiuni unor personaje diferite. Acest lucru ne oferă posibilitatea de a studia basmul în funcție de funcțiile personajelor. "

„Fotografia este ca ...”

Alexander Lapin

O lucrare fundamentală privind compoziția în fotografie.

„Bineînțeles, marea majoritate a fotografilor folosesc cadrul vizorului ca o cruce pentru a îndrepta camera spre ceea ce îi interesează. În acest caz, nu se iau în considerare nici fundalul, nici detaliile din jur. V limba engleză cuvântul trage are două semnificații: trage și trage. Lucrarea reală cu camera este complet diferită, este construcția cadrului, organizarea acestuia. Fotograful se străduiește să se asigure că nimic inutil nu intră în cadru.

El alege în mod deliberat detaliile imaginii viitoare, caută sens în combinația și poziția lor, le compune, realizând expresivitate, încercând să umple cadrul cu un conținut complet definit. Artistul găsește și compoziția și expresivitatea în realitatea însăși, dar este mai dificil pentru un fotograf, nu își poate sintetiza imaginea din observații separate și trebuie să o găsească în ansamblu. Așa funcționează un fotograf gânditor, creativ, înțelegător, fotografia este un fel de afirmație, a cărei semnificație trebuie „citită” de către privitor. Fiecare declarație, mesaj trebuie să fie formalizat și organizat. De exemplu, un set de cuvinte arbitrare fără reguli gramaticale și de punctuație nu va conține practic informații. Același lucru este valabil și pentru exprimarea vizuală - fotografie. Prin urmare, principalul lucru din acesta ar trebui evidențiat (stres, semne de exclamare), părțile sale trebuie să fie conectate (sintaxă), ea, o afirmație, are un început și un sfârșit, un detaliu semnificativ este ca propoziție subordonată etc ".

Arta este o formă intelectuală și estetică de cunoaștere a realității sociale: într-o operă de artă, adevărul (adevărul autorului) și frumusețea sunt de obicei combinate întotdeauna. Datorită participării intelectului autorului la creația artistică, stimulată de senzațiile sale intuitive, arta poate chiar să depășească dezvoltarea realității.

Să luăm în considerare principalele etape ale cunoașterii oamenilor despre esența artei.

Aristotel, conturând contururile teoriei mimesisului - imitația, a dezvăluit principala trăsătură a artei - cunoașterea vieții în imagini. Teologii evului mediu au evaluat arta ca o modalitate de a introduce omul în „divin” cu ajutorul formelor pământești. Gândirea estetică a Renașterii a subliniat esența cognitivă a artei ca „oglindă” a vieții (Leonardo da Vinci) .Aici vedem deja convergența științei și creației artistice. Mai târziu (Diderot, secolul al XVIII-lea), arta a fost privită ca o formă de cunoaștere a adevărului în imaginile vii ale realității. Filozofia clasică germană căuta surse de creativitate artistică în „regatul spiritului” (Kant - „activitate cu scop fără scop”, Schiller - „joc”, Hegel - „manifestare a spiritului” ..., „contemplare directă” de adevăr "...). Materialistul Cernîșevski a înțeles arta ca o formă de cunoaștere a vieții. El a susținut că subiectul artei este „tot ceea ce este interesant pentru o persoană din viață”. Marx credea că caracterul holistic și global al conștiinței artistice contribuie la individ în realizarea „esenței sale generice”, împingând astfel limitele experienței directe a indivizilor, formând o personalitate umană integrală.

Deci, principala funcție socială a artei este „stăpânirea artistică a lumii”, care contribuie la crearea realității „conform legilor frumuseții” (de exemplu, apariția în secolul al XX-lea a designului, combinând estetica și pragmatica) . Funcția socială a artei este, de asemenea, de a promova formarea și auto-formarea personalității „conform legilor frumuseții”.

În Evul Mediu, cele șapte arte liberale au constituit trivium - gramatică, logică și retorică, iar quadrivium - aritmetică, muzică, geometrie și astronomie. Pictura și sculptura au dominat formele de divertisment din Europa de Vest de secole.

Cum este clasificată arta astăzi? Tipurile de creație artistică sunt literatura, cinema, teatru, dans (coregrafie), muzică, pictură, sculptură, arhitectură. Criteriul dezmembrării este mecanismul de percepție: forme vizuale, vizual-auditive, auditive și genuri de artă. Limbajul este adesea considerat ca un criteriu ca principal mijloc de comunicare (semiotica face distincție între verbal, scris, imagini, gesturi, limbaje de mașini ...).

Căutarea artistică, având în vedere faptul că arta exprimă viața umană, plină de contradicții, se desfășoară într-un continuum de opoziții: adevăr - eroare, frumos - urât, bine - rău. În general, acest univers semantic (valoric) (Scheler) este suprapus de oameni asupra lumii obiective și reprezintă câmpul culturii. Componentele acestui domeniu sunt știința, morala, arta. Știința se concentrează mai mult pe căutarea adevărului, etica - asupra binelui, arta - asupra frumuseții. Dintre toate aceste tipuri de creativitate, arta exprimă viața în modul cel mai holistic - se formează în lumea interioară a unei persoane moduri de viață care orientează comportamentul și activitățile umane spre atingerea obiectivelor în cadrul valorilor și normelor culturii. adoptată în societate. Prin urmare, pentru a înțelege esența creativității artistice, este necesar să se analizeze conceptele de adevăr, frumusețe și bine, luate împreună cu umbrele lor: iluzie, urât și rău.

Se știe că adevărul este rezultatul unei reflectări adecvate a realității de către un subiect de cunoaștere. Reflecție (expresie) adecvată înseamnă crearea, în cazul nostru de către artist, a unei noi imagini în contextul realității în sine, adică în toate conexiunile sale. Cu toate acestea, o astfel de înțelegere a adevărului este în primul rând inerentă comunității științifice, care necesită obiectivitatea rezultatului cercetării, adică independența sa de conștiință. Dar producția artistică poartă întotdeauna simțul vieții autorului, prin urmare, adevărul din artă „... este același cu ... senzualitatea.” 41 Adevărat, această definiție conține presupunerea că sentimentele nu pot fi false. Este necesară o anumită corecție: de exemplu, artiștii recunosc că orice rol necesită îndeplinire senzorială cu elemente de conștientizare. Acesta din urmă este necesar pentru o interpretare modernă a rolului indicat, de exemplu, în piesele lui Shakespeare. Interpretarea are loc pe hârtia de urmărire a vieții moderne, așa cum este prezentată actorului și regizorului, ceea ce necesită conștientizare activă și realitate socială.

Datorită faptului că în creația artistică autorul este, parcă, o prismă colorată care refractează contradicțiile existenței umane în lumea modernă, atunci determinarea adevărului rezultatului unei căutări artistice se face cel mai bine „după Aristotel”. El a susținut că adevărul este corespondența gândului cu obiectul, iar iluzia este inadecvarea lor. Există o legendă că artistul - cubistul Picasso, atacat de huligani, la cererea poliției, și-a pictat portretele din memorie. A doua zi dimineață, un măgar, două zebre și un șarpe au fost identificați și arestați la grădina zoologică. Este clar că artistul și-a exprimat ideile despre intruși și, probabil, imaginile desenate corespund senzațiilor care au apărut, dar sunt adevărate? Care este atunci adevărul în artă? Aparent, trebuie să fim de acord că adevărul din artă se reduce la adevărul sentimentelor artistului. Aici intrăm pe terenul tremurând al standardelor relative și, prin urmare, fantomatice ale evaluărilor estetice, concluzia firească a tuturor reflecțiilor noastre este că spațiul adevărului opera de arta se extinde și se va extinde de acum încredibil - postmodernismul susține că tot mai mulți oameni, adică „Prismele estetice” sunt incluse în procesele creației artistice.

Următoarea componentă a creativității artistice este opoziția „frumos - urât”. Există frumosul și urâtul în realitate sau toate acestea există doar în imaginația noastră? Întrebarea eternă! Istoria gândirii spune următoarele. Platon a făcut distincția între ceea ce este frumos și ceea ce este frumos, adică a distins esența și manifestările ei. El a văzut esența în ideea divină, de care depinde existența tuturor fenomenelor frumoase. În caz contrar, „văzând frumusețea locală, el (o persoană) își amintește adevărata frumusețe”. Aristotel respinge „ideea de frumusețe” considerând frumusețea ca o proprietate obiectivă a realității, ca o manifestare a legilor sale „Cele mai importante forme ale frumuseții sunt ordine (în spațiu), proporționalitate și certitudine ... ”42 Se spune uneori că frumusețea este o plăcere privită ca o calitate a unui lucru. Mai târziu, frumosul este explicat ca o imagine contemplată în mod senzual a realizării universale a libertății umane. Se pare că abordarea lui Marx este foarte exactă: „Nevoile și plăcerile noastre sunt generate de societate; prin urmare, le aplicăm o măsură socială și nu le măsurăm cu obiecte care servesc la satisfacerea lor. ”43 Astăzi, sunt în curs discuții despre această„ măsură socială ”pe subiectele„ care este eroul vremii noastre? ”, „Cum și în ce măsură combină frumosul și urâtul?” etc. Un pic despre asta. Urâtul este prin definiție opusul frumosului. Este ceva urât, de bază, evocă un sentiment de protest. Este clar că percepțiile despre urât depind de diferențele naționale, istorice, de clasă și de gust. Cicero a susținut că urâtul din artă aparține sferei amuzantului, deoarece râsul este cauzat în principal de ceea ce înseamnă sau dezvăluie că ceva urât nu este urât. În Evul Mediu, urâtul era identificat cu răul. Mai târziu (Lessing) a apărat legitimitatea urâtului în poezie ca mijloc de senzații incitante de „amuzant și teribil”. S-a dovedit că combinația dintre frumos și urât generează grotesc. În istoria artei a existat și o perioadă de „poetizare a răului” (expresia lui Baudelaire). Uneori urâtul este văzut ca unul dintre aspectele negative ale frumosului. Belinsky și alții au apreciat urâtul ca o reflectare a deformărilor din viata sociala al oamenilor. Cernîșevski a dezvăluit legătura dintre sublim și urât, când acesta din urmă încetează să mai fie dezgustător, trecând în teribil. Se pare că secolul al XX-lea cu cele două războaie mondiale a fost exprimat în artă tocmai în acest sens. Aruncările de astăzi ale artiștilor în spațiul dintre frumos și urât se datorează în mare parte experienței sociale antiumane din secolul al XX-lea, când violența, teroarea și războaiele au început să fie recunoscute ca un acompaniament natural pentru evoluția omenirii. Secolul 21 a început odată cu apariția terorismului pe scară largă, care a dus la „eroizarea teroriștilor” într-o serie de opere de artă.

Desigur, „eroul urât” are dreptul la „prezentarea” sa în arta contemporană. Dar dacă nu este servit „urât”, adică extrem de artistic, generează deja în privitorul și cititorul matur nu râsete, așa cum credea Cicero, ci anxietate pentru generațiile tinere supuse imitării vârstei a „eroilor” mass-media44.

În consecință, timpul dictează artistului să creeze profesional, adică

Nu numai talentat, ci și responsabil.

Să revenim la etapele de orice fel (științific, socio-cultural, tehnic și artistic) creativitate. Acestea sunt aranjate, conform afirmației generale, după cum urmează: pregătire - incubație (maturare) - iluminare (revelație) - finalizare (trecerea la sistemul semiotic ca condiții de transmitere socială).

Să luăm în considerare această schemă în mod constant în raport cu creația artistică (artă). Specificul creației artistice este că în ea predomină activitatea inconștientului asupra activității conștiinței artistului. În psihologia artei, această afirmație ia uneori o formă atât de ascuțită, încât inconștientul este declarat un factor care determină întregul proces de formare a unei imagini artistice; iar intervenția conștiinței artistului sub forma unei încercări de a verbaliza sensul operei sale duce, spun ei, fie la distrugerea sa de către el însuși în procesul creației, fie la recunoașterea ei după finalizarea creației ca „pseudo -artistic". Motto-ul susținătorilor acestei poziții este „iraționalul este scopul constant al artei!” 45 Cu toate acestea, dezvoltarea teoriei inconștientului a condus la concluzia că acesta este activ în geneza unei opere de artă și a preocupărilor, în primul rând, deciziile artistului cu privire la alegerea formelor de exprimare a imaginii (vizuale, acustice, verbale). Dar acest lucru nu se poate spune atunci când vine vorba de structura funcțională a unei imagini artistice, deoarece imaginea este o expresie generalizată a realității. Și generalizarea este imposibilă fără o anumită activitate a conștiinței. De exemplu, interpretarea rolului de către actor este „o umplere senzuală a rolului cu elemente de conștiință” (dintr-un interviu cu Chulpan Khamatova). O viziune non-simbolică este, de asemenea, caracteristică unei descoperiri științifice, adică există unitate și diferență între adevăr și frumusețe. Se știe că „Toți nebunii se nasc în subconștient”. Chiar și I. Kant a remarcat că inconștientul este moașa gândului.

Urâtul poate deveni frumos în artă, prin urmare, „Adevărul naturii nu poate fi și nu va fi niciodată adevărul artei” (O. Balzac). Viața, realitatea este inclusă în structura unui design artistic sau a unei imagini numai ca una dintre numeroasele sale componente. Selecția și schimbarea materialului vieții are loc pe baza experienței anterioare, a gândurilor, sentimentelor, gusturilor și aspirațiilor artistului. De aceea imagine artistică- nu atât o distribuție a realității, cât „realistă”. Există o pătrundere în adânciturile interioare ale ființei și ale sufletului uman, datorită cărora se realizează noi cunoștințe individualizate, chiar mai adânci decât ceea ce ne oferă știința cu sprijinul său asupra formalizatului. Aceasta este puterea cunoașterii „nedivizate ”46.

Deci, etapa de „incubație” a imaginii (pictură, sculptură, melodie, dramă, roman sau sonet) apare mai ales în subconștient. Activitatea acestuia din urmă (inspirație) se realizează sub forma unei senzații intuitive de forme, mișcări, culori, sunete, cuvinte estetic justificate ...

Etapa perspicacității (revelației) este cea mai misterioasă fază a creativității. Aici trebuie să facem distincția între inspirația cauzată de activitatea inconștientului și instalația pentru realizarea senzației intuitive. Aici sunt necesare condițiile: o atmosferă de libertate a creativității; material, inclusiv factorii casnici; tradiții artistice; moda și stimulente care ordonează niveluri posibile de recunoaștere socială (premii, concursuri, publicații ...). Aceste condiții se formează în afara artistului, aici depinde mult de capacitățile și activitatea comunității artistice, de „unirea” acesteia cu statul etc. Practic, astfel de condiții sunt concentrate în infrastructură tipul adecvat de artă (literatură, cinema, teatru, muzică, sculptură și arhitectură, pictură ...)

Aici trebuie să facem o excursie în istoria artei sovietice. Rusia trece acum printr-o perioadă de transformare a fundamentelor socialiste ale vieții în cele capitaliste. În mod firesc, aceste schimbări au afectat și fundamentele sociale ale creației artistice. Esteîn primul rând despre gradul de libertate al artistului. Cunoscuta formulă „Libertatea este o necesitate cunoscută” (Spinoza) este complet inaplicabilă artei. O astfel de înțelegere „compromisă” a libertății, atunci când numai calea cunoașterii este declarată a fi principala modalitate de realizare, este respinsă de artist, căci emanciparea puterilor sale creatoare se realizează prin acțiune, nu prin cunoaștere. În același timp, „haosul social” care a apărut în anii perestroicii și prin care au început să înțeleagă libertatea, a dus, contrar așteptărilor, la rezultate opuse. Mult așteptata libertate a creativității spirituale a dat naștere doar la noi probleme de „coabitare a comunității artistice”. De asemenea, orientarea către comercializarea creativității spirituale nu dă rezultatele scontate. Trebuie să recunoaștem că în ultimii zece ani nu a apărut nimic semnificativ în artele vizuale, cinema, muzică, literatură, arhitectură și sculptură.

Cu toate acestea, trebuie să ne îndreptăm spre motivele condiționate social ale „rebeliunii” intelectualității artistice în perioadele de „stagnare” și „perestroika”. Prima reacție de stat a guvernului proletar la sfera artei a fost exprimată în ordinea Consiliului comisarilor populari „Despre monumentele antichității” (04/12/1918), bazată pe încrederea deplină în artiști și voința colectivă a audienta. Cu toate acestea, „aparatizarea artei” ulterioară (M. Weber) a condus la centralizarea managementului culturii (adică a artei). Au apărut funcționari administrativi care nu aveau încredere nici în artiști, nici în public. V. Mayakovsky a scris despre ele:

„Între scriitor

și cititorul

există intermediari

la intermediar

cel mai mediocru "

Ulterior, acest „gust mediocru” al birocratului în artă a început să reflecte din ce în ce mai mult neîncrederea autorităților față de inteligență. S. Eisenstein a susținut că „atunci când puterea politică indică ce ar trebui să fac, devin steril. Nu pot juca rolul unui ilustrator ”47. Naționalizarea a dus la creșterea cenzurii. În anii cultului personalității lui Stalin, presiunea statului asupra artiștilor a atins punctul culminant. Desigur, metoda realismului socialist dictată de autorități a dat naștere la capodopere artistice, cu toate acestea, atmosfera generală a rămas deprimantă. Acesta a fost factorul principal în transformarea majorității inteligenței artistice în „partizanii realității” care bâjbâie intuitiv căi spre viitor, să observăm, „către un viitor mai bun”, așa cum credeau mulți dintre ei. Situația a fost agravată de faptul că datorită intrării lumii și a țării în fază societatea informațională producția artistică a început să capete din ce în ce mai mult caracterul unui rezumat și spectacol, servind cererea culturii de masă. Această tendință obiectivă spre declinul artei în țara noastră a fost folosită în mod deliberat pentru a distruge sistemul - ofensiva antisocialistă a fost coordonată ideologic și politic și chiar artistic, sincronizată. Mai frecvent în timpuri recente reevaluarea de către un număr de artiști a pozițiilor lor în anii perestroicii este departe de a fi un accident. Astăzi se poate spune destul de clar că căutările sincere ale intelectualității în domeniul literaturii și artei au fost utilizate în mod cinic de valul post-democratic pentru jafuri pe ruinele Uniunii. Stratul oligarhic care a apărut „din nimic” a început să-și apere energic interesele, capturând în primul rând presa, căutând să o folosească pentru a câștiga și puterea politică. Încă o dată, inteligența artistică trebuie să se plece în fața „sponsorilor”, „patronilor” și altor „binefăcătorii” pentru a asigura condițiile materiale ale vieții și muncii lor, care în orice caz își urmăresc propriile interese egoiste care nu coincid cu scopurile creativității artistice. Situația istorică umilitoare se repetă, obligându-l pe artist să slujească „eroinei obosite din primele zece mii”. Iată subiectele mai multor discuții care au avut loc în timpul celui de-al XXI-lea Festival Internațional de Film din Moscova din 1999: „Rusia după imperiu” și „Modele naționale de cinema în contextul procesului cinematografic mondial”. Principalele întrebări au fost: moștenirea filmului sovietic - bani reali sau capital creativ? Piața liberă și cinematografia - un dezastru, un test sau un panaceu?

Dacă nu toată lumea înțelege noua artă, înseamnă că mijloacele sale nu sunt universale. Arta nu este destinată tuturor oamenilor în general, ci doar unei categorii foarte mici de oameni care, poate, nu sunt mai semnificativi decât alții, dar în mod clar nu sunt ca alții.

În primul rând, există un lucru care este util de clarificat. Ceea ce majoritatea oamenilor numesc plăcere estetică? Ce se întâmplă în sufletul unei persoane atunci când unei opere de artă, de exemplu un spectacol teatral, îi „place”? Răspunsul este fără îndoială: oamenii adoră drama dacă îi pot captiva cu portretizarea destinelor umane. Inimile lor sunt mișcate de dragoste, ură, necazuri și bucurii ale eroilor: spectatorii participă la evenimente ca și cum ar fi adevărate, având loc în viață. Și privitorul spune că piesa este „bună” atunci când a reușit să evoce iluzia de vitalitate, autenticitatea personajelor imaginare. În versuri, el va căuta dragostea și tristețea umană, pe care liniile poetului par să le respire. În pictură, privitorii vor fi atrași doar de pânzele care înfățișează bărbați și femei cu care, într-un anumit sens, ar fi interesant pentru el să trăiască. Peisajul îi va părea „drăguț” dacă este suficient de atractiv ca loc de plimbare.

Aceasta înseamnă că, pentru majoritatea oamenilor, plăcerea estetică nu diferă în principiu de acele experiențe care le însoțesc viața de zi cu zi. Diferența este doar în detalii secundare minore: această experiență estetică nu este poate atât de utilitară, mai intensă și nu are consecințe împovărătoare. Dar, în ultimă instanță, obiectul, obiectul către care se îndreaptă arta și, în același timp, celelalte trăsături ale sale, pentru majoritatea oamenilor sunt aceleași ca în existența de zi cu zi, oamenii și pasiunile umane. Și vor numi arta totalitatea mijloacelor prin care acest contact este realizat cu tot ceea ce este interesant în viața umană. Astfel de spectatori vor putea admite forme de artă pure, irealitate, fantezie numai în măsura în care aceste forme nu încalcă percepția lor obișnuită asupra imaginilor și destinelor umane. De îndată ce aceste elemente pur estetice încep să prevaleze și publicul nu recunoaște povestea familiară a lui Juan și Maria, ea este confuză și nu știe ce să facă în continuare cu piesa, cartea sau pictura. Și acest lucru este de înțeles: ei nu cunosc o atitudine diferită față de obiecte decât una practică, adică una care ne obligă să experimentăm și să intervenim activ în lumea obiectelor. O operă de artă care nu induce o astfel de interferență îi lasă indiferenți.

Acest punct are nevoie de o claritate completă. Să spunem imediat că să ne bucurăm sau să simpatizăm cu destinele umane, despre care ne spune o operă de artă, este ceva diferit de plăcerea cu adevărat artistică. Mai mult, într-o operă de artă, această preocupare pentru ființa umană este fundamental incompatibilă cu o plăcere strict estetică.

Aceasta este în esență o problemă optică. Pentru a vedea un obiect, trebuie să ne adaptăm aparatul vizual într-un mod cunoscut. Dacă reglajul vizual este inadecvat subiectului, nu îl vom vedea sau îl vom vedea vag. Lăsați-l pe cititor să-și imagineze că în prezent privim în grădină printr-un geam. Ochii noștri trebuie să se adapteze în așa fel încât fasciculul vizual să treacă prin sticlă fără a zăbovi pe el și să se oprească la flori și frunze. Deoarece obiectul nostru este o grădină și raza de vedere este îndreptată spre ea, nu vom vedea sticla când ne uităm prin ea. Cu cât geamul este mai curat, cu atât este mai puțin vizibil. Dar făcând un efort, ne putem distrage atenția de la grădină și ne putem întoarce ochii spre pahar. Grădina va dispărea de la vedere și singurul lucru care rămâne din ea sunt pete colorate neclare care par a fi aplicate pe sticlă. Prin urmare, a vedea o grădină și a vedea o fereastră sunt două operațiuni incompatibile: se exclud reciproc și necesită acomodare vizuală diferită.

În consecință, cel care într-o operă de artă caută griji cu privire la soarta lui Juan și Maria sau Tristan și Isolda și își adaptează percepția spirituală la aceasta, nu va vedea opera de artă ca atare. Durerea lui Tristan este doar durerea lui Tristan și, prin urmare, poate excita doar în măsura în care o luăm ca realitate. Dar ideea este că o creație artistică este atât de mare în măsura în care nu este reală. Doar cu o singură condiție ne putem bucura de portretul lui Tizian al lui Carol al V-lea, descris pe cal: nu ar trebui să-l privim pe Carol al V-lea ca pe o persoană reală, vie - în schimb, ar trebui să vedem doar un portret, o imagine ireală, o ficțiune. Persoana descrisă în portret și portretul în sine sunt lucruri complet diferite: fie ne interesează unul, fie celălalt. În primul caz, „trăim împreună” cu Karl V; în al doilea, „contemplăm” opera de artă ca atare.

Cu toate acestea, majoritatea oamenilor nu își pot adapta viziunea astfel încât, cu o grădină în fața ochilor, să vadă sticlă, adică acea transparență care alcătuiește o operă de artă: în schimb, oamenii trec - sau prin - fără oprire, preferând să înțeleagă cu toată pasiunea realitatea umană care flutură în piesă. Dacă li se cere să-și părăsească prada și să acorde atenție operei de artă în sine, ei vor spune că nu văd nimic acolo, pentru că într-adevăr nu văd materialul uman atât de familiar pentru ei - la urma urmei, ei au o artă pură , potență pură.

De-a lungul secolului al XIX-lea, artiștii au lucrat prea necurat. Au minimalizat elementele strict estetice și au căutat să-și bazeze lucrările aproape în întregime pe descrierea existenței umane. Trebuie remarcat aici că practic arta secolului trecut a fost, într-un fel sau altul, realistă. Beethoven și Wagner erau realiști. Chateaubriand este la fel de realist ca Zola. Romanticismul și naturalismul, dacă le priviți de la înălțimea de astăzi, se apropie unul de celălalt, dezvăluind rădăcini realiste comune.

Creațiile de acest fel sunt doar parțial opere de artă, obiecte artistice. Pentru a vă bucura de ele, nu trebuie să fiți sensibil la ceea ce nu este evident și transparent, ceea ce implică sensibilitate artistică. Este suficient să ai o sensibilitate umană obișnuită și să permiți ca grijile și bucuriile aproapelui tău să găsească un răspuns în sufletul tău. Prin urmare, este clar de ce arta secolului al XIX-lea a fost atât de populară: a fost servită maselor diluate în proporția în care a devenit nu mai artă, ci o parte a vieții. Amintiți-vă că în orice moment în care existau două tipuri diferite de artă, una pentru minoritate, cealaltă pentru majoritate, aceasta din urmă a fost întotdeauna realistă.

Să nu argumentăm acum dacă arta pură este posibilă. Este foarte probabil că nu; dar trenul gândirii care ne va conduce la o astfel de negație va fi foarte lung și complex ... Chiar dacă arta pură este imposibilă, nu există nicio îndoială că este posibilă o tendință naturală de purificare a acesteia. Această tendință va duce la o suprimare progresivă a elementelor de „uman, prea uman” care au predominat în producția artistică romantică și naturalistă. Și în cursul acestui proces, vine un moment în care conținutul „uman” al operei devine atât de rar încât devine aproape imperceptibil. Atunci vom avea un obiect care poate fi perceput doar de cei care au un dar special de sensibilitate artistică. Va fi artă pentru artiști, nu pentru masă; va fi arta castei, nu demonstrațiile.

De aceea, noua artă împarte publicul în două clase - cei care înțeleg și cei care nu îl înțeleg, adică artiști și cei care nu sunt artiști. Arta nouă este pur artă artistică.

H. Ortega y Gasset. Dezumanizarea artei

// NS. Ortega y Gasset. Estetică. Filosofia culturii.

Există multe arte în lume, dar cele mai populare sunt: ​​literatură, muzică, teatru, cinema și altele. Fiecare persoană are propria sa artă preferată.

Muzica i-a fascinat întotdeauna pe oameni. Le atinge inimile și îi face să râdă sau să plângă. Muzica se aude peste tot. În zilele noastre există o mulțime de genuri muzicale: muzică clasică, muzică rock, muzică pop, muzică de club și altele. Pot asculta orice gen de muzică. Depinde de starea mea. Când sunt trist, ascult muzică clasică. Când sunt fericit îmi place să ascult muzică energică, rapidă și hard beat. Cu toate acestea, unii oameni ascultă un singur tip de muzică și o ascultă indiferent de starea în care se află.

Există o mulțime de opere minunate de literatură - Scriitori și poeți celebri au creat o mare varietate de poezii, povești și romane care sunt citite în întreaga lume. Poeții și scriitorii ruși precum Pușkin, Tolstoi și Dostoievski sunt renumiți în toată lumea. Lucrările lor sunt traduse în multe limbi.

Teatrul este și un gen popular de artă. Există o mulțime de teatre în Rusia, dar cele mai multe dintre ele sunt situate la Moscova. Teatrul Bolshoi și Teatrul Maly sunt renumite în întreaga lume. Dacă îți place opera, ar trebui să mergi la Teatrul Bolshoi. Biletele sunt destul de scumpe. Teatrul Maly pune în scenă drame și piese de teatru bazate pe romane clasice.

Sunt un spectator de teatru. Prefer să merg la teatre. Nu-mi plac opera și baletul. Nu cu mult timp în urmă am văzut Visul unchiului lui Dostoievski în Teatrul Vakhtangov. Mi-a plăcut foarte mult piesa. Decorațiile au fost bogate, iar actorii celebri au jucat foarte bine. După spectacol a fost o furtună de aplauze.

În zilele noastre teatrele devin din ce în ce mai puțin populare, iar cinematografia are o popularitate mare. Există o mulțime de cinematografe la Moscova: moderne și de modă veche, ieftine și scumpe. Filmele moderne sunt pline de efecte speciale audio și de computer și oamenii merg la cinematograf pentru a se bucura de ele. Așa-numitele home cinema au apărut în ultima vreme. Din ce în ce mai mulți oameni cumpără televizoare moderne cu ecran plat mare și echipamente speciale de sunet și se uită la filme acasă.

Arta mea preferată este pictura. Îmi place să merg la galeriile de artă să privesc tablouri. Cred că acest tip de artă va exista pentru totdeauna. Artiștii își exprimă sentimentele și emoțiile în picturile lor. Există o mulțime de galerii de artă la Moscova, dar cea mai faimoasă este eu Galeria Tretiakov. Are mari colecții de picturi ale pictorilor ruși și străini. Pictura mea preferată este peisajul. Cred că peisagistii ruși sunt cei mai buni din lume. Îmi place să merg la această galerie când am timp liber. Una dintre prietenele mele atrage foarte bine că va intra la Universitatea de Arte pentru a deveni un artist profesionist. Dar cred că amatorii sunt cei mai buni artiști.

Din păcate, nu am niciun talent pentru această artă. Cântam în copilărie, dar apoi am renunțat la asta. Cred că artele nu sunt pentru mine.