Der größte Dichter der englischen Renaissance ist. Allgemeine Merkmale der Wiederbelebung in England

Wurden seine Vorgänger hauptsächlich von ausländischer Literatur geleitet, so versuchte er auf der Grundlage der gleichen Einflüsse der italienischen (und teilweise französischen) Poesie eine rein englische, nationale Poesie zu schaffen.

Er stammte nicht aus einer aristokratischen oder wohlhabenden Familie, sondern erhielt eine solide klassische Ausbildung an der University of Cambridge. 1578 finden wir ihn in London, wo ihn seine Universitätskameraden in die Häuser Sydney und Leicester einführten, wodurch er wahrscheinlich Zugang zum Hof ​​erhielt. Zu dieser Zeit schuf Spencer den "Shepherd's Calendar" und wahrscheinlich den Beginn der Arbeit an dem Gedicht "The Fairy Queen". Da Spencer finanziell nicht sicher war, ohne Dienst zu leben, verschafften ihm Freunde einen Platz als persönlicher Sekretär von Lord Gray in Irland.

1589 kehrte Spencer nach London zurück und lebte etwa ein Jahrzehnt lang in der Hauptstadt selbst oder nicht weit davon entfernt, ganz der literarischen Kreativität verschrieben. 1590 erschienen in London die ersten drei Bücher des Gedichts "The Queen of the Fairies", das Königin Elizabeth gewidmet war, was ihm literarischen Ruhm einbrachte; Trotz der kleinen jährlichen Rente, die Elizabeth ihm zuwies, waren Spencers materielle Angelegenheiten alles andere als glänzend, und er begann wieder über eine offizielle Position nachzudenken. 1598 war er Sheriff in einem kleinen irischen Bezirk, aber dieses Jahr gab es in Irland eine große Rebellion. Spencers Haus wurde durchwühlt und niedergebrannt; er selbst floh nach London und starb bald hier unter äußerst beengten Verhältnissen.

Kurz vor seinem Tod verfasste er eine prosaische Abhandlung "On Der letzte Stand der Technik Irland". Zeitgenossen argumentierten, dass dieser Aufsatz, der viel Wahrheit über die brutale Ausbeutung und den Ruin der Iren durch die britischen Behörden enthielt, der Grund für den Zorn von Königin Elizabeth auf Spencer war, der ihm jegliche materielle Unterstützung entzog.

Spencers erste gedruckte Gedichte waren seine Übersetzungen von sechs Sonette des Petrarca (1569); später wurden sie überarbeitet und zusammen mit seinen Übersetzungen von den Dichtern der französischen Plejaden veröffentlicht.

Ein weiteres Werk von Spencer, dessen Entwurf von F. Sydney inspiriert wurde, erregte viel Aufmerksamkeit - "The Shepherd's Calendar" (1579). Es besteht aus zwölf poetischen Eklogs, die sich konsequent auf die 12 Monate des Jahres beziehen. In einem der unteren wird erzählt, wie ein Hirte (unter dem sich Spencer hervorhebt) an der Liebe zur unzugänglichen Rosalind leidet, in einem anderen lobt Elizabeth, "die Königin aller Hirten", im dritten - Vertreter von Protestantismus und Katholizismus agieren als Hirten, führen Streitigkeiten untereinander über religiöse und soziale Themen usw.

Dem damals modischen Hirtengenre folgend, zeichnen sich die Gedichte des Hirtenkalenders durch ihre stilistische Raffinesse und gelehrten mythologischen Inhalt aus, enthalten aber gleichzeitig eine Reihe sehr anschaulicher Schilderungen der ländlichen Natur.

Spencers lyrische Gedichte sind seinen früheren Gedichten in ihren poetischen Verdiensten überlegen; sie wurden 1591 nach dem großen Erfolg der ersten Lieder seiner Feenkönigin veröffentlicht.

Unter diesen Gedichten sprechen einige von einer noch frühen wissenschaftlichen Raffinesse ("Tränen der Musen", "Ruinen der Zeit"), andere zeichnen sich durch die Aufrichtigkeit ihres Tons und die Anmut des Ausdrucks aus ("Death of a Butterfly"), und noch andere schließlich durch ihre satirischen Züge (zum Beispiel "A Tale Mother Guberd", das das Gleichnis vom Fuchs und dem Affen erzählt).

Auch das Gedicht The Return of Colin Clout (1595) zeichnet sich durch satirische Züge aus.

Die Handlung des Gedichts basiert auf der Geschichte von Spencers Einladung, nach London und in den Hof von Cynthia (dh Königin Elizabeth) zurückzukehren, und stammt vom Dichter Walter Raleigh, einem berühmten Seefahrer, Wissenschaftler und Dichter (in dem Gedicht erscheint er unter der prätentiöse Name "Hirte des Meeres"). 1589 besuchte Raleigh Spencer in Irland. Das Gedicht erzählt von der Rezeption des Dichters am Hof, und unter falschen Namen werden kunterbunte, lebendige Beschreibungen von Staatsmännern und Dichtern gegeben, die der Königin nahe stehen.

Spencers beliebtestes und berühmtestes Werk war jedoch sein Gedicht The Fairy Queen.

Die Gedichte von Ariosto ("Der wütende Roland") und T. Tasso ("Jerusalem Liberated") dienten als Vorlage für dieses Gedicht, aber Spencer verdankt auch der mittelalterlichen englischen allegorischen Poesie und einem Zyklus von Ritterromanen über König Artus viel. Seine Aufgabe war es, diese heterogenen poetischen Elemente zu einem Ganzen zu verschmelzen und den moralischen Gehalt der höfischen Poesie zu vertiefen und mit neuen, humanistischen Ideen zu imprägnieren. "Mit der Königin der Feen will ich Ruhm im Allgemeinen meinen", schrieb Spencer über sein Gedicht, "insbesondere meine ich mit ihr die ausgezeichnete und ruhmreiche Person unserer großen Königin und mit dem Land der Feen sie Königreich." Er wollte seinem Werk die Bedeutung eines Nationalepos geben und schuf es deshalb auf der Grundlage englischer Rittertraditionen und bestand auf seinem lehrreichen, pädagogischen Charakter.

Die Handlung des Gedichts ist sehr komplex. Die Feenkönigin Gloriana schickt ihre zwölf Ritter, um die zwölf Übel und Laster zu zerstören, unter denen die Menschheit leidet. Jeder Ritter verkörpert eine Art Tugend, so wie die Monster, mit denen er kämpft, Laster und Wahnvorstellungen verkörpern.

Die ersten zwölf Gesänge erzählen von den zwölf Abenteuern der Ritter von Gloriana, aber das Gedicht bleibt unvollendet; jeder Ritter musste an zwölf Schlachten teilnehmen und konnte erst danach an den Hof der Königin zurückkehren und ihr von seinen Heldentaten Rechenschaft ablegen.

Einer der Ritter, Artegall, der Gerechtigkeit verkörpert, kämpft gegen die riesige Ungerechtigkeit (Grantorto); ein anderer Ritter, Guyon, der die Mäßigkeit verkörpert, kämpft gegen die Trunkenheit und vertreibt ihn aus dem Tempel der Wollust.

Der Ritter Sir Kalidor, die Verkörperung der Höflichkeit, greift Slander an: Charakteristisch ist, dass er dieses Monster in den Reihen des Klerus findet und es nach einem erbitterten Kampf zum Schweigen bringt. "Aber", bemerkt Spencer, "jetzt hat es offenbar wieder die Möglichkeit, seine verderblichen Aktivitäten fortzusetzen."

Moralische Allegorie verbindet sich mit politischer Allegorie: Gegen Gloriana (Queen Elizabeth) treten die mächtigen Zauberinnen Duessa (Mary Stuart) und Geryon (King Spanisch Philipp II). Bei einigen gefährlichen Abenteuern werden die Ritter von König Arthur (Elizabeths Lieblingsgraf von Leicester) unterstützt, der sich, als er Gloriana in einem Traum sah, in sie verliebte und zusammen mit dem Magier Merlin auf die Suche nach ihrem Königreich ging.

Das Gedicht würde wahrscheinlich in der Ehe von König Arthur und Gloriana enden.

In den Geschichten über die Abenteuer der Ritter gibt es, obwohl Spencer ihnen immer eine allegorische Bedeutung gibt, viel Fiktion, Amüsement und schöne Beschreibungen. "Die Königin der Feen" ist in einer speziellen Strophe geschrieben (bestehend aus neun Gedichtzeilen anstelle der üblichen Oktave in italienischen Gedichten, dh acht Zeilen), die als "Spencer-Strophe" bezeichnet wird. Diese Strophe wurde von englischen Dichtern des 18. Jahrhunderts übernommen. während der Zeit der Wiederbelebung des Interesses an der "romantischen" Poesie von Spencer und von ihnen auf die englischen Romantiker (Byron, Keith und andere) übergegangen.

Weit verbreitete Entwicklung in der englischen Literatur des 16. Jahrhunderts. lyrische und epische Genres weckten Interesse an beiden theoretische Probleme Poesie. Im letzten Viertel des 16. Jahrhunderts. eine Reihe von englischen Poetiken erschienen, die Fragen der englischen Versifikation, poetischen Formen und Stil diskutierten. Die wichtigsten davon sind The Art of English Poetry (1589) von George Puttenham und Defense of Poetry (veröffentlicht 1595) von Philip Sydney. Im ersten spricht der Autor, der von den Proben der antiken und der Renaissancepoesie ausgeht, aber mit vollem Verständnis der Originalität der englischen Sprache, ausführlich über die Aufgaben des Dichters, über den Inhalt und die Form der Poesie.

Sydneys "Defense of Poetry" wiederum geht von den theoretischen Prämissen der antiken und europäischen Renaissance über die Poesie aus und verurteilt von dieser Seite aus übrigens das englische Volksdrama der Shakespeare-Ära, spricht aber gleichzeitig mitfühlend über Volksballaden und verkündet das realistische Prinzip als Basispoesie. "Es gibt keine einzige Kunstform, die das Erbe der Menschheit ausmacht", sagt Sydney, "die nicht Naturphänomene zum Gegenstand hat." Die Dichter von Puttenham und Sydney waren wohl auch Shakespeare bekannt.

Bischöfe interessieren sich nicht,
Dass ein Nachbar von der Hand in den Mund lebt
Dass Jill ihren Schweiß vergießt,
Dass Jack seinen Rücken über das Ackerland beugt ...

(Übersetzt von O.B. Rumer)

Als Dichter ist Skelton noch immer eng mit den Traditionen des Spätmittelalters verbunden. Er greift auf Chaucer und Volkslieder zurück. In Zukunft ging die Entwicklung der englischen Renaissance-Dichtung einen anderen Weg. Im Streben nach einem vollkommeneren, "hohen" Stil verlassen die englischen humanistischen Dichter die "vulgären" Traditionen des Spätmittelalters und wenden sich Petrarca und antiken Autoren zu. Die Zeit ist gekommen für englische Buchpoesie. Die französische Poesie des 16. Jahrhunderts entwickelte sich ungefähr in gleicher Weise.

John Skelton Thomas Wyeth Henry Howard

Die ersten Dichter des neuen Trends waren die jungen Aristokraten Thomas Wyeth (1503–1543) und Henry Howard (Earl of Sarri, in der ehemaligen russischen Transkription Serrey 1517–1547). Beide glänzten am Hofe Heinrichs VIII., und beide erlitten die Hauptlast der königlichen Despotie. Wyeth verbrachte einige Zeit im Gefängnis, und Sarri landete nicht nur dreimal im Gefängnis, sondern beendete wie Thomas More auch sein Leben auf dem Block. Ihre Werke wurden erstmals 1557 in einer Sammlung veröffentlicht. Die Zeitgenossen schätzten ihren Wunsch, die englische Poesie zu reformieren und auf die Höhe neuer ästhetischer Anforderungen zu heben.

Wyeth war der erste, der das Sonett in die englische Poesie einführte, und Sarri gab dem Sonett die Form, die wir später bei Shakespeare finden (drei Vierzeiler und ein abschließender Couplet mit einem Reimsystem: avav edcd efef gg). Das Leitthema beider Dichter war die Liebe. Sie füllt Wyeths Sonette sowie seine lyrischen Lieder ("The Lute of the Lover", etc.). Dicht nach Petrarca (z. B. im Sonett "Es gibt keinen Frieden für mich, obwohl der Krieg vorbei ist") sang er von Liebe, die sich in Trauer verwandelte (das Lied "Willst du mich verlassen?" usw.). Viel erlebt, den Glauben an vieles verloren, begann Wyeth religiöse Psalmen, Epigramme und Satire zu schreiben, die sich gegen die Eitelkeit des Hoflebens ("Leben am Hof"), das Streben nach Adel und Reichtum ("Armut und Reichtum" ). Im Gefängnis schrieb er ein Epigramm, in dem wir die folgenden traurigen Zeilen finden:

Ich ernähre mich von Seufzern, vergieße Tränen,
Das Fesselklingeln dient mir als Musik...

(Übersetzt von V. V. Rogov)

Wyeth und Sarri legten die Grundlagen der englischen humanistischen Lyrik und bezeugen das gestiegene Interesse am Menschen und seiner inneren Welt. Ende des 16. und Anfang des 17. Jahrhunderts. die Blüte der englischen Renaissancepoesie - und zwar nicht nur lyrisch, sondern auch episch. Nach dem Beispiel der Dichter der Plejaden gründeten die englischen Anhänger der Poesie einen Kreis mit dem feierlichen Namen Areopag.

Einer der begabtesten Mitglieder des Areopag war Philip Sidney (1554-1586), ein Mann mit vielseitigen Interessen und Talenten, der die englische humanistische Poesie zu hochgradig Perfektion.

In der Entwicklung der Sonettform erreicht er eine hohe künstlerische Perfektion. Seine Liebessonette (der Zyklus "Astrophile und Stella", 1580-1584, erschienen 1591) hatten einen wohlverdienten Erfolg (Astrophile bedeutet in die Sterne verliebt, Stella - ein Stern). Es war Sidney zu verdanken, dass das Sonett zu einer bevorzugten Form der englischen Renaissance-Lyrik wurde. Alte Mythen ("Philomela", "Amor, Zeus, Mars wurden von Phoebus gerichtet") werden in Sydneys Gedichten wiederbelebt. Manchmal hat Sidney etwas mit Petrarca und den Dichtern der Plejaden gemeinsam.

Das wahre Manifest der neuen Schule war Sidneys Abhandlung "Verteidigung der Poesie" (um 1584, veröffentlicht 1595), die in vielerlei Hinsicht die Abhandlung von Du Bellay "Verteidigung und Glorifizierung" widerspiegelt Französisch"Nur wenn Du Bellays Gegner pedantische Gelehrte waren, die Latein dem Französischen vorzogen, dann hielt Sidney es für seine Pflicht, die von frommen Puritanern angegriffene Poesie (Literatur) zu verteidigen. Sidney besitzt auch den unvollendeten Hirtenroman Arcadia, veröffentlicht 1590. d. Wie andere Werke dieser Art ist es sehr konventionell geschrieben: Ein Sturm auf See, Liebesgeschichten, Verkleiden und andere Abenteuer und schließlich ein sicherer Ausgang bilden den Inhalt des Romans, der im legendären Arkadien Der Prosatext enthält viele, manchmal sehr exquisite Gedichte, die in einer Vielzahl von Größen und Formen antiker und italienischer Herkunft geschrieben wurden (sapphische Strophen, Hexameter, Terzine, Sextine, Oktaven usw.).

Philip Sidney Edmund Spencer

Ein weiterer herausragender Dichter des 16. Jahrhunderts. war Edmund Spencer (1552-1599), der aktiv an der Entstehung des Areopags beteiligt war. Er schrieb hervorragend musikalische Sonette (Amoretti, 1591-1595), Hochzeitslieder, darunter das Epithalam, das seiner eigenen Ehe gewidmet war, und die platonischen Hymnen zu Ehren der Liebe und Schönheit (1596). Großen Erfolg hatte sein "Shepherd's Calendar" (1579), der Philip Sidney gewidmet war. In Anlehnung an die Tradition der europäischen Pastoralpoesie besteht das Gedicht aus 12 poetischen Ökologien entsprechend der Anzahl der Monate im Jahr. In Elogs es kommtüber Liebe, Glauben, Moral und andere Themen, die die Aufmerksamkeit der Humanisten auf sich gezogen haben. Sehr gut ist die Mai-Ekloge, in der der ältere Hirte Palinodius, der den Frühling freudig begrüßt, anschaulich das Volksfest beschreibt, das dem fröhlichen Mai gewidmet ist. Das konventionelle literarische Element tritt hier vor der ausdrucksstarken Skizze englischer Volksbräuche und Sitten zurück.

Aber die bedeutendste Schöpfung Spencers ist das monumentale Rittergedicht "Die Königin der Feen", das über viele Jahre (1589-1596) entstand und dem Autor den durchschlagenden Ruhm des "Prinzen der Dichter" einbrachte. Durch die Bemühungen von Spencer erlangte England schließlich ein Renaissance-Epos. In der Poetik der Renaissance, einschließlich Sidneys Verteidigung der Poesie, wurde heroischer Poesie immer ein Ehrenplatz eingeräumt. Besonders hoch bewertet Sidney "Aeneid" Virgil, der für ihn der Standard des epischen Genres war.

Das Gedicht verwendet weitgehend Elemente von Arturovs höfischen Romanen des Zyklus mit ihrer märchenhaften Fantasie und dekorativen Exotik. Immerhin entstanden die Legenden um König Arthur auf britischem Boden, und für den englischen Leser blieb König Arthur selbst weiterhin ein "Local Hero", die Personifikation des britischen Ruhms. Außerdem war es im 16. Jahrhundert in England. Sir Thomas Malory fasste in seinem umfangreichen Epos "The Death of Arthur" die majestätischen Legenden des Artuszyklus zusammen. Aber Spencer verließ sich auf mehr als nur T. Mallorys Tradition. Er verband sie mit der Tradition von W. Langland und schuf ein ritterliches allegorisches Gedicht, das die Größe Englands verherrlichen sollte, erleuchtet vom Glanz der Tugenden.

In dem Gedicht sucht König Arthur (ein Symbol der Größe), der sich in einem Traum in die "Feenkönigin" Gloriana (ein Symbol des Ruhms, Zeitgenossen sahen Königin Elizabeth I. in ihr gesehen) verliebt hat, in einem Märchenland nach ihr. Nach dem Bild von 12 Rittern - Gefährten von König Artus - wollte Spencer 12 Tugenden ableiten. Das Gedicht sollte aus 12 Büchern bestehen, aber der Dichter schaffte es nur 6. Ritter, die Frömmigkeit, Mäßigung, Keuschheit, Gerechtigkeit, Höflichkeit und Freundschaft verkörpern, vollbringen darin Kunststücke.

Im XVI Jahrhundert. auch die Entstehung des englischen Renaissance-Romans fand statt, der jedoch nicht die Höhen erreichen sollte, die damals die französischen (Rabelais) und spanischen (Cervantes) Romane erreichten. Erst im 18. Jahrhundert. Der Siegeszug des englischen Romans durch Europa begann. Dennoch entstand in England während der Renaissance der utopische Roman mit allen charakteristischen Merkmalen dieses Genres. Die Zeitgenossen nahmen F. Cindys pastoralen Roman Arcadia herzlich an. Ein lauter, wenn auch nicht dauerhafter Erfolg war dem Los des „Lehrromans von John Lily“ Eufuez, or Anatomy of Wit“ (1578-1580), geschrieben in einer exquisiten Silbe namens „Eufuismus“, und England zuzuschreiben im Roman an Beispielen von hoher Tugend und spirituellem Adel. In "Eufuez" gibt es wenig Action, aber viel Aufmerksamkeit wird den Erfahrungen der Helden, ihren innigen Ergüssen, Reden, Korrespondenzen, Geschichten verschiedener Charaktere,

Den auffallendsten Erfolg erzielte die englische Literatur des 16. Jahrhunderts. im Bereich Schauspiel. Wenn wir an die englische Renaissance denken, denken wir sicherlich zuerst an Shakespeare. Und Shakespeare war keineswegs allein. Er war umgeben von einer Galaxie talentierter Dramatiker, die das englische Theater mit einer Reihe wunderbarer Stücke bereicherten. Und obwohl die Blütezeit des englischen Renaissance-Dramas nicht lange währte, war sie ungewöhnlich stürmisch und bunt. Ein Renaissance-Drama eroberte die englische Bühne. Aber auf dem Land spielte das Volkstheater weiterhin eine aktive Rolle, die Mitte des Jahrhunderts Gestalt annahm. An das Massenpublikum gerichtet, reagierte er oft in traditioneller Form lebhaft auf die Fragen der Epoche. Dies unterstützte seine Popularität, machte ihn zu einem wichtigen Element des öffentlichen Lebens. Aber nicht alle traditionellen Formen haben den Test der Zeit bestanden. Das von der Reformation verworfene Mysterium erstarb relativ schnell. Aber das Zwischenspiel erklärte sich weiterhin lautstark - das banalste und lustigste Genre des mittelalterlichen Theaters und der Moral - ein allegorisches Stück, das bestimmte wichtige Fragen der menschlichen Existenz aufwarf.

Die höchsten Kreise betrachteten Stücke mit aufrührerischen Gedanken mißbilligend, und Königin Elisabeth verbot 1559 einfach, solche Moralvorstellungen zu setzen.

Bei all den offensichtlichen Konventionen des allegorischen Genres in der englischen Moral des 16. Jahrhunderts. helle Alltagsszenen traten auf, und selbst allegorische Figuren verloren ihre Abstraktion. Das war zum Beispiel die Possenreißerfigur von Vice. Unter seinen Vorfahren finden wir Obedala aus dem allegorischen Gedicht von W. Langland und unter den Nachkommen den dicken Sünder Falstaff, der von Shakespeare anschaulich dargestellt wurde.

Aber natürlich sollte man vor allem in Zwischenspielen (Interludes), also der englischen Version der französischen Farce, bunte Genreszenen suchen. Dies sind die Zwischenspiele von John Haywood (ca. 1495-1580) - lustig, spontan, manchmal unhöflich, mit Charakteren, die direkt aus der Hand geschnappt wurden Alltagsleben... Haywood stellte sich nicht auf die Seite der Reformation und sah gleichzeitig deutlich die Unzulänglichkeiten des katholischen Klerus. Im Zwischenspiel "Der Ablassverkäufer und der Mönch" bringt er die gierigen Amtsträger der Kirche im Tempel zum Handgemenge, da jeder von ihnen möglichst viele Münzen aus den Taschen der Gläubigen ziehen will.

Illustration aus dem Werk von John Haywood SPIDER AND FLY, 1556

Seit dem Ende des 16. Jahrhunderts. das gesellschaftliche Leben in England wurde immer dynamischer, - schließlich war die Zeit nicht weit entfernt, als die bürgerliche Revolution im Lande ausbrach - die Atmosphäre des angespannten und manchmal widersprüchlichen Schaffensstrebens, die für das "elizabethanische Drama" so charakteristisch ist , die den höchsten Gipfel in der Geschichte der englischen Renaissance-Literatur bildet.

Robert Greene schreibt an seinem Schreibtisch

Robert Greene (1558-1592) ging als begnadeter Dramatiker in die Geschichte der englischen Literatur ein und erhielt einen hohen Grad des Master of Arts an der University of Cambridge. Sein Stück Monk Bacon and Monk Bongay (1589) war sehr erfolgreich. Bei seiner Arbeit stützte sich Green auf das englische Volksbuch über den Hexenmeister Bacon, das Ende des 16. Jahrhunderts veröffentlicht wurde. Wie der deutsche Faust ist der Mönch Bacon eine historische Figur. Der Prototyp des Helden der Volkslegende war Roger Bacon, ein herausragender englischer Philosoph und Naturwissenschaftler des 13. Jahrhunderts, der von der Kirche verfolgt wurde, die in ihm einen gefährlichen Freidenker sah. Die Legende machte aus dem Mönch Bacon einen Hexenmeister und verband ihn mit bösen Geistern. In Greens Stück spielt Bacon eine bedeutende Rolle. Zu einer Zeit, als in Europa das Interesse an Magie und allen möglichen "geheimen" Wissenschaften wuchs, brachte Green die farbenfrohe Figur eines englischen Hexenmeisters auf die Bühne, der ein Zauberbuch und einen Zauberspiegel besitzt. Am Ende bereut Bacon seine sündigen Bestrebungen und wird ein Einsiedler. Aber das Hauptthema des Stücks ist nicht Magie, sondern Liebe. Die wahre Heldin des Stücks ist ein schönes und tugendhaftes Mädchen, die Tochter des Försters Margarita. Der Prinz von Wales verliebt sich in sie, aber sie schenkt ihr Herz dem Hofprinzen, Earl of Lincoln. Keine Prüfungen und Missgeschicke können ihre Standhaftigkeit und Loyalität brechen. Von Margarets Widerstandskraft getroffen, stoppt der Prinz von Wales seine Belästigungen. Das Band der Ehe verbindet Liebende. Da, wo große menschliche Liebe herrscht, braucht es keine dämonischen Feinheiten.

Über George Green, den Feldwächter von Weckfield", der nach dem Tod von Green (1593) das Licht erblickte und ihm wahrscheinlich gehört. Der Held des Stücks ist kein arroganter Hexenmeister mehr, der auf sein sündiges Handwerk verzichtet, sondern ein tapferer Bürger. Wie Robin Hood in Volksliedern gesungen Auf den Seiten der Komödie erscheint übrigens Robin Hood selbst. Als er von der Tapferkeit von George Green hört, sucht er ein Treffen mit ihm. Das Stück stellt eine Situation nach, in der der englische Staat beide bedroht ist Durch innere und äußere Gefahr revoltiert er für eine Gruppe englischer Feudalherren unter Führung von Graf Kendal und im Bündnis mit dem schottischen König gegen den englischen König Eduard III.

Es ist kein Zufall, dass die Zeitgenossen in Green einen Volksdramatiker sahen. Dieser Meinung folgend, hat der prominente russische Wissenschaftler, Kenner des englischen Theaters der Shakespeare-Ära N.N. Storozhenko schrieb: „Tatsächlich geht der Name des nationalen Dramatikers an niemanden wie an Green, weil wir in keinem seiner zeitgenössischen Dramatiker so viele Szenen finden werden, sozusagen dem englischen Leben entrissen und außerdem geschrieben in reine Volkssprache, ohne Beimischung von Eufuismus und klassischer Ornamentik"

R. Greens Freund war einst der talentierte Dichter und Dramatiker Christopher Marlowe (1564-1593), der wahre Schöpfer der englischen Renaissance-Tragödie.

Christopher Marlowe

Erwähnenswert ist auch das Stück Edward II von Marlowe (1591 oder 1592), das dem Genre der historischen Chronik nahesteht, das in den 90er Jahren Shakespeares große Aufmerksamkeit auf sich zog.

Bei der Zusammenstellung dieses Materials wurde Folgendes verwendet:

1. Kulturgeschichte der Länder Westeuropa in der Renaissance. Bragina Volodarsky Varyash. 1999
2. Weltkunstkultur. Von den Anfängen bis ins 17. Jahrhundert. (Aufsätze zur Geschichte). Lvova E.P., Fomina N.N., Nekrasova L.M., Kabkova E.P. - SPb.: Peter, 2008 .-- 416s.: Ill.
3. Zentrum für Fernunterricht MGUP, 2001

HUMANISTEN

Die Wiederbelebung in England fällt chronologisch mit der Zeit der Tudor-Dynastie zusammen, von der Thronbesteigung Heinrichs VII. (1485) bis zum Tod von Königin Elizabeth (1603), der letzten Vertreterin dieser Dynastie. Im 15. Jahrhundert schritt die wirtschaftliche Entwicklung Englands trotz aller politischen Unruhen und militärischen Rückschläge schnell voran, verursachte eine tiefgreifende gesellschaftliche Umstrukturierung und erhöhte die Bedeutung jener Klassen, die später die Hauptstütze des königlichen Absolutismus bildeten. Im 16. Jahrhundert erlebte England unter den Tudors eine vollständige Revolution in allen Bereichen des wirtschaftlichen und sozialen Lebens, die es von einem feudalen Land zu einem klassischen, nach Marx, einem Land der primitiven Akkumulation machte. In dieser Zeit erlebte England eine außergewöhnliche Blüte in allen Bereichen des Denkens und der Kreativität. Wenn die Gründe, die eine neue, humanistische Kultur in England verursachten, im Allgemeinen denen ähnlich waren, die die Renaissance in anderen Ländern Westeuropas verursachten, dann vollzog sich der Entwicklungsprozess dieser Kultur in England unter spezifischen lokalen Bedingungen, die ihr einen besonderen Charakter gaben das ganze 16. Jahrhundert. ...

Vom Ende des 15. Jahrhunderts. in England gab es bereits klar umrissene wirtschaftliche Veränderungen, die sich bis zu diesem Zeitpunkt allmählich anbahnten, von äußerster Tragweite.

Auf dem Land begann der Prozess des "Fechtens", dh der gewaltsamen Beschlagnahme des kommunalen Bauernlandes durch die Grundbesitzer, um es in Weiden für Schafe zu verwandeln. Der Umbruch in den Agrarverhältnissen und die daraus resultierende Verarmung des ländlichen Raums sind eng mit der Entwicklung einer neuen, kapitalistischen Industrie- und Handelsindustrie verbunden. Infolgedessen hat sich in relativ kurzer Zeit das gesamte soziale Erscheinungsbild Englands radikal verändert und seine Klassenkräfte eine völlig andere Ausrichtung erhalten.

Eine der Besonderheiten der englischen gesellschaftlichen Entwicklung in dieser Zeit waren die gemeinsamen wirtschaftlichen und politischen Interessen der mächtigsten Klassen, die gleichermaßen daran interessiert waren, die absolute Monarchie der Tudors zu unterstützen - des Landadels und des Bürgertums. Die nächsten Gründe für eine solche Vereinigung der gesellschaftlichen Kräfte und die Entstehung einer Gemeinschaft kultureller Anliegen in ihrer Mitte waren:

Der fast vollständige Tod des alten, feudalen Adels in den Kriegen der Scharlachroten und Weißen Rose, dessen Burgen in neue, bürgerliche Hände übergingen,

Verkauf sehr umfangreicher Kirchen- und Klostergrundstücke während der Reformation (1535),

· Die Einführung kapitalistischer Methoden in alle Bereiche des Wirtschaftslebens auf dem Lande und in der Stadt. Die königliche Macht förderte eine neue Gesellschaftsordnung und förderte auf jede erdenkliche Weise die Entwicklung von Industrie und Handel im Land.

· Englische Kaufleute wurden nach und nach von ausländischer Vermittlung befreit, errichteten eine mächtige Handelsflotte, eroberten neue Märkte, errichteten eigene Handelsposten in fernen Ländern der Welt. Die Schifffahrt war in dieser Ära weit entwickelt, was den Kolonialhandel und die immer größere Zunahme kolonialer Territorien sicherte und England enger mit dem kontinentalen Leben Europas verband.

Die rasante kapitalistische Entwicklung Englands führte dazu, dass mit dem wachsenden Reichtum der herrschenden Klassen auch die Armut des auf dem Land ruinierten und in der Stadt brutal ausgebeuteten Volkes stark zunahm. Es gab eine wachsende Landstreicherei, Bettelei, gegen die harte Gesetze erlassen wurden; im Dorf brachen Aufstände der Armen aus, die um das Land und ihre verlorenen Rechte kämpften; der größte davon war der Bauernaufstand von Robert Keth (1549).

Schnelle Entwicklung In der englischen Gesellschaft bestimmten die bürgerlichen Elemente hier das Vorhandensein realer Voraussetzungen für die bürgerliche Revolution, die in den 40er Jahren des 17. Jahrhunderts in England stattfand.

Doch schon in den ersten Regierungsjahren Jakobs I. (1603 - 1625) traten immer neue Züge des öffentlichen Lebens auf, die diese Revolution ausriefen: die Verschärfung der sozialen Widersprüche, der Zusammenbruch des Bündnisses zwischen der Bourgeoisie und der absoluten Monarchie , und das Anwachsen des politischen Antagonismus zwischen ihnen. Zu dieser Zeit formierte sich in England allmählich eine schärfere soziale Differenzierung der humanistisch gesinnten Intelligenz und die darauf folgende Krise der humanistischen Kultur.

Die Erweckung in England, die mehr als ein Jahrhundert umfasste, durchlief in ihrer Entwicklung mehrere Phasen.

Frühe Periode fiel zusammen mit Reformation , obwohl es tiefe nationale Wurzeln hatte, aber es geschah hier "von oben", durch die Regierungsverordnung von König Heinrich VIII. (1534).

Dies bestimmt wichtige Funktionen Englischer Humanismus. Zunächst spielten die Fragen der Religion und des kirchlichen Lebens für alle frühen englischen Humanisten eine unvergleichlich größere Rolle als für die italienischen Humanisten, da in England die erste Begeisterung für die antike Literatur und die Welt der neuen philosophischen Ideen chronologisch mit einem vitalen Interesse an die Probleme der bevorstehenden Reformation.

In der zweiten Periode Die Situation der englischen Renaissance änderte sich erheblich. Durch die Zerstörung der wirtschaftlichen und politischen Macht der Kirche untergrub die königliche Macht bis dahin sowohl ihre Autorität als auch ihren starken ideologischen Einfluss. Die Reformation Heinrichs VIII. erleichterte es nachfolgenden Generationen englischer Humanisten, für säkulare Kultur gegen kirchliche Kultur zu kämpfen, für eine heitere Weltanschauung gegen mittelalterliche klösterliche Askese, für die Befreiung der Vernunft von der kirchlichen Scholastik. Wesentlich war auch die Tatsache, daß die Renaissance in England im allgemeinen europäischen Plan ein spätgeschichtliches Phänomen war. Dank dessen konnten die britischen Humanisten das ideologische Erbe der Humanisten anderer Länder nutzen.

Die größte Blütezeit der Ideen der Renaissance fand in England während der Regierungszeit von Königin Elizabeth (1558-1603) statt, was gleichzeitig ein bemerkenswerter Aufstieg der Kolonial- und Handelsmacht des Landes war. In dieser Zeit besiegte das bürgerliche und protestantische England die feudal-katholische Monarchie Spaniens (der Tod der "Unbesiegbaren Armada", 1588), wurde zur größten Seemacht, schickte seine Handelsschiffe in alle Länder und stärkte seine Verbindungen zu allen europäischen Staaten . Diese Zeit markiert auch die Zeit der größten Machtbalance zwischen Adel und Bourgeoisie, der nationalen Einigung und hoher patriotischer Begeisterung. Während dieser Zeit nimmt England eifrig alle Reichtümer der europäischen humanistischen Kultur auf.

Kontinentale Einflüsse kommen aus verschiedenen Richtungen nach England; Literatur in der Übersetzung gewinnt eine beispiellose Entwicklung; zusammen mit den alten Klassikern in England übersetzen jetzt zahlreiche Werke italienischer, französischer und spanischer Schriftsteller; eine weit verbreitete wissenschaftliche und philosophische Bewegung, die am Ende des Jahrhunderts in der Entstehung des materialistischen philosophischen Systems von Francis Bacon gipfelte.

Eine ungewöhnlich breite Entwicklung wird auch empfangen Fiktion... Auf den Spuren der ersten Nachahmer italienischer Lyriker Wyeth und Serrey , erblüht eine brillante Galaxie von Lyrikern; andere Dichter schaffen epische Gedichte, die im Charakter den Gedichten von Ariosto und Tasso ähneln.

Auch der englische Roman entwickelt sich rasant: ritterlich, hirtenhaft, abenteuerlich und realitätsnah; es entsteht das reichste Drama mit Shakespeare an der Spitze.

Diese außergewöhnliche Blüte in allen Bereichen des Denkens und Schaffens, die England in der zweiten Hälfte des 16. Jahrhunderts erlebte, ist jedoch relativ kurzlebig.

Schon zu Beginn des 17. Jahrhunderts. die Masse der britischen Bourgeoisie ist gegen das gesamte System des britischen Absolutismus. Die bevorstehende feudale Reaktion bringt die Krise des freudigen und lebensbejahenden Weltbildes der Renaissance näher. Dies färbt den späten englischen Humanismus in einen eher pessimistischen Ton. Pessimistische und scharfe satirische Gefühle haben jedoch andere Ursprünge in England. Englische Humanisten haben tiefgreifende Veränderungen im sozioökonomischen Leben miterlebt. Als Hauptfeind stellte sich am Ende nicht die alte Feudalwelt heraus, die in England bereits in Vergessenheit geraten war, sondern eine neue Gesellschaft, die auf kapitalistischem Eigentum und Profit aufbaute, und sie reagierten äußerst scharf und schmerzhaft auf all die hässlichen Phänomene des dadurch erzeugten Lebens. Diese Eigenschaft erwies sich als besonders stabil und charakteristisch für die humanistische Kultur im klassischen Land der primitiven Akkumulation. Auf jeden Fall ist dieses Merkmal bei den beiden Hauptfiguren der englischen Renaissance deutlich sichtbar, eine am Anfang, die andere am Ende dieser Ära - Thomas More und Shakespeare.

Ende des 15. Jahrhunderts. an der Universität Oxford bildete sich ein enger befreundeter Kreis junger Wissenschaftler, verbunden durch gemeinsame Interessen, mit Begeisterung für das Studium der klassischen Antike. Dies waren die ersten englischen Philologen, für die jedoch soziale Ziele und moralische Bestrebungen eng mit wissenschaftlichen Zielen verbunden waren. Die prominentesten Mitglieder des Kreises waren William Grosin (William Grocyn), Thomas Linker (Thomas Linacre) und John Colet (Johannes Colet). Es war dieser Kreis, der Erasmus von Rotterdam während mehrerer seiner zum Teil recht langen Besuche in England freundlich begrüßte. Thomas More schloss sich später demselben Kreis an. Sie alle haben in Italien studiert und waren mit der Universität Oxford assoziiert. Ihre wissenschaftlichen Neigungen waren weitgehend unterschiedlich, aber sie alle vereinte ein gemeinsames Interesse an der klassischen Welt und der neuen Wissenschaft. Grosyn interessierte sich für Philologie und Philosophie, Linecr - für klassische Sprachen und Medizin, John Colette sah in den klassischen Studien ein Mittel zur Aktualisierung religiöser Fragen. Die neue Bewegung war jedoch nicht auf die Mauern von Oxford beschränkt. Die "Oxford Reformers", wie Grosins Kreis manchmal genannt wird, hatten zahlreiche Freunde in anderen Städten Englands, zum Beispiel in Cambridge und London. Die kleine Gruppe englischer Humanisten unter Heinrich VII. wuchs unter Heinrich VIII. Der prominenteste unter ihnen war Thomas More.

Thomas Mop(Thomas More, 1478 - 1535) wurde in die Familie eines armen Londoner Richters hineingeboren. Schon in der Schule entdeckte Thomas eine große Begabung für die lateinische Sprache und erregte die Aufmerksamkeit eines prominenten Politikers dieser Zeit, Kardinal John Morton, der den Jungen in sein Haus aufnahm und ihn dann, als er fünfzehn war, an die Universität Oxford schickte . Morton, der enge Beziehungen zu englischen Humanisten hatte, gab Thomas neue Impulse für das Studium der Literatur und Philosophie, an der Universität verbesserte er seine Latein- und Griechischkenntnisse und studierte fleißig klassische Schriftsteller. Sein besonderes Interesse galt den Werken Platons. Am Ende des Studiums an der Universität nahm More einen bescheidenen Platz ein und setzte sein literarisches Werk fort.

Ins Parlament gewählt (1504), erlangte er Berühmtheit für seinen kühnen Widerstand gegen die damalige Regierung, nachdem er es durchgesetzt hatte, dass das Parlament eine neue Geldsumme für den König abstimmte. Der König sperrte Pater More ein, verlangte die Zahlung einer hohen Geldstrafe, Thomas selbst musste sich vor den Intrigen des Hofes verstecken. Diese Ära seines Lebens war eine Zeit einer schweren moralischen Krise, einer gründlichen Arbeit an sich selbst, der Zustimmung zur Weltanschauung. Zu diesem Zeitpunkt hatte Mora bereits viele der Ideen ausgereift, die er in die Grundlage seiner "Utopien" ... Von großer Bedeutung war für ihn auch seine anhaltende Freundschaft mit den Oxforder Humanisten, von denen einige bald nach London zogen. Es übersetzt in englische Sprache Werke des italienischen Humanisten P und Code e lla Welt ein ndola, schreibt viel auf Latein und auf Englisch - in Latein, jedoch bereitwilliger als im Englischen. Zu seinen Werken zählen lateinische Epigramme, Satiren, Übersetzungen von Dichtern aus der griechischen Anthologie; Es ist interessant, dass unter diesen Werken zum Beispiel englische Balladevers geschrieben sind "Eine urkomische Geschichte darüber, wie ein Polizei-Sergeant lehrte, wie man einen Mönch spielt." , die in England und sogar im 18. Jahrhundert sehr beliebt war. die den Dichter J. Cowper mit der Handlung seiner komischen Ballade über "John Guilpin" inspirierte.

Mit der Thronbesteigung Heinrichs VIII. änderte sich Moras Position dramatisch. Mor begrüßte den neuen König, mit dem man in den ersten Jahren seiner Herrschaft Hoffnungen auf eine Bevormundung der humanistischen Bewegung hegte, machte seine Aufmerksamkeit auf sich und begann schnell in den Reihen aufzusteigen. 1529 erlangte er das Amt des Lordkanzlers.

Während einer Reise nach Flandern im Jahr 1515 konzipierte und schrieb More das berühmteste seiner Werke - "Utopia", dank dem er zu Recht als erster Vertreter des utopischen Sozialismus bezeichnet werden kann. Während er in Antwerpen als Vertreter der Londoner Kaufleute war, traf More einen lokalen Lehrer, Humanisten und Freund von Erasmus, Peter Egidius, dem Utopia gewidmet war; er war auch ihr erster Verleger (1516). Utopia wurde ins Englische übersetzt und erst viele Jahre später (1551) erstmals veröffentlicht.

"Utopie"- das von More erfundene und seit dieser Zeit zu einem Begriff gewordene Wort, das von ihm aus griechischen Wörtern zusammengesetzt wurde und "ein nicht existierender, beispielloser Ort" bedeutet. More sagt in seinem Buch, dass er in Antwerpen angeblich einen erfahrenen Reisenden, einen gebürtigen Portugiesen, Raphael Gitlodei getroffen habe, der einer der Gefährten des florentinischen Seefahrers Amerigo Vespucci war, der die Neue Welt mehrmals besuchte und seine Beschreibung gab (1507 ). Nach der Trennung von Vespucci reiste Gitlodey selbstständig in viele bisher unbekannte Länder, darunter die im äußersten Westen gelegene Insel Utopia. Moras Buch besteht aus Gesprächen mit dem Gitlodey, und Mora legt seinem Gesprächspartner viele seiner Gedanken aus Vorsicht in den Mund.

Mit einer scharfen Kritik an der modernen Gesellschaftsordnung im ersten Teil des Buches beschreibt Guitlodey im zweiten Teil die Gesellschaftsordnung auf der Insel Utopia, wo er fünf Jahre verbrachte und von der er nach seinen eigenen Worten nie wieder weggehen würde , als Beispiel für "den besten Staat des Staates", "wenn er nicht von dem Wunsch geleitet worden wäre, von dieser neuen Welt zu erzählen", denn nirgendwo sah er "ein Volk mit einer korrekteren Organisation als dort".

Die Form von Moras Werk war in der damaligen Literatur nicht neu; einerseits an die spätgriechischen abenteuerlichen "Reiseromane" angrenzend, hat "Utopia" andererseits einen direkten Bezug zu den im Mittelalter verbreiteten Sagen um das "irdische Paradies" oder Inseln der Seligkeit und ewiger Spaß.

Zu Beginn des 16. Jahrhunderts, kurz nach der Entdeckung Amerikas und im Zeitalter der Fortsetzung geographische Entdeckungen, musste dieses alte Handlungsschema beim humanistischen Schriftsteller komplett umgekrempelt werden. Tatsächlich erhielt sie unter Moras Feder ganz neue Züge und eine ganz andere ideologische Zielstrebigkeit. Zu den Quellen, die Thomas More für seine Arbeit nutzte, gehört – neben den damals so aktuellen Erzählungen über die neu entdeckten Länder – die mittelalterliche Abhandlung des seligen Augustinus „Über die Stadt Gottes“ (413). Eine Abhandlung, die wie Utopia aufgebaut ist, aber in einem anderen Sinne davon, auf dem Gegensatz eines idealen Staates gegen einen sündigen Staat, der im Bösen und Laster stagniert.

Es gab auch Quellen in der klassischen Literatur, insbesondere die Werke Platons ("Republik", "Gesetze", philosophische Dialoge "Timaios" und "Kritias" mit ihrer Geschichte über die Insel Atlantis).

Noch wichtiger war für More die englische Realität seiner Zeit; im Gegensatz dazu schuf er das Bild eines idealen Staates. Durch den Mund von Gitlodey beschreibt Mor im ersten Teil ausführlich England mit seinen "gierigen und unersättlichen Fressern", die die Grenzen der Felder zerstören, Tausende von Hektar Land in ihren Händen vereinen, die Bauern vertreiben und mit ihrer Gewalt und Unterdrückung, sie zu heimatlosen Vagabunden machen.

Mit anderen Worten, More charakterisiert im Detail die Agrarkrise und den Prozess der Entstehung der kapitalistischen Landwirtschaft und Industrie in England, der sich vor seinen Augen abspielt. Mor legt seinem Gesprächspartner die berühmt gewordenen Worte in den Mund, an die Marx auch in "Capital" erinnert: "Deine Schafe ... sind so gefräßig und unbezwingbar geworden, dass sie sogar Menschen fressen, Felder, Häuser und Städte verwüsten und verwüsten" ." (1 Siehe: MarxK. und Engels F. Op.-Nr. Hrsg. 2, v. 23, p. 731. Ca. 193.)

Mor sieht den Hauptgrund für die Katastrophe, die England erfasst hat, im Privateigentum, in dessen Existenz es weder Gerechtigkeit noch Sozialfürsorge geben kann. "Meiner Meinung nach", sagt er, "wo immer Privateigentum ist, wo alles am Geld gemessen wird, gibt es kaum einen richtigen und erfolgreichen Gang der Staatsgeschäfte." Daher ist in Utopia das gesamte Land Gemeineigentum und wird durch freie Arbeit bebaut. More geht aber noch weiter: Er glaubt, dass von allen Formen des Privateigentums die mächtigste und entstellendste menschliche Natur das Geld ist, das weder seinen Besitzern noch denen, denen es völlig beraubt ist, Glück bringt. Deshalb predigt er in "Utopia" die Geringschätzung von Gold und Schmuck und begründet völlige soziale Gleichheit, Arbeitsgemeinschaft und die Nutzung aller ihrer Ergebnisse.

Die Produktionsorganisation in Utopia ist familiär-handwerklicher Natur und ähnelt nicht im geringsten den in England entstandenen kapitalistischen Manufakturen sowie der gesamten Lebensweise der Utopisten.

Ihre Lebensweise und Bräuche unterscheiden sich grundlegend von den spezifischen Lebensbedingungen eines jeden Europäers Land XVI Jahrhundert, hauptsächlich England. An manchen Stellen in der Beschreibung der Insel Utopia sind archaische Züge deutlich zu erkennen: So ist die Bevölkerung von Utopia, vom Landbesitz abgeschnitten und periodisch alle zwei Jahre von Dorf zu Stadt und umgekehrt umziehend, eng mit der Familie und Familienzusammenführung. Das Volk wird von Familien von nicht weniger als 40 Personen organisiert, und von den Philae - aus 30 Familien, über die der Philarch das Sagen hat; das Oberhaupt der 10 Philarchen ist der Protophilarch; der Kontrast zwischen Gütergemeinschaft und der Bewahrung der patriarchalischen elterlichen Autorität ist eklatant. Die gleichen archaischen Merkmale in Utopia sind die Bewahrung religiöser Überzeugungen, wenn auch in einer anderen Form als das Christentum, und die Präsenz der Institution der Sklaverei unter den Utopisten.

Und dennoch nimmt "Utopia" für die Kühnheit des Denkens, für die Klarheit der Lösung seiner Aufgabe - an einem konkreten Beispiel zu zeigen, wie eine Gesellschaft auf der Grundlage allgemeiner Gleichheit ohne Privateigentum organisiert werden kann - einen ganz exklusiven Platz ein Weltliteratur, und der Autor mit einem vollständigen Gesetz muss als Vorfahr und als einer der größten Vertreter des utopischen Sozialismus bezeichnet werden.

Der Einfluss von "Utopia" auf die Weltliteratur und das gesellschaftspolitische Denken war extrem groß, Rabelais, Shakespeare und Swift studierten und grübelten auf die eine oder andere Weise über sein Buch.

Alle gesellschaftlichen Utopien des 16.-19. Jahrhunderts. von Campanella bis Morelli, Fontenelle, Denis Veras und Cabet gehen als Hauptquelle auf T. Moras Utopie zurück. Utopia wurde erstmals 1790 ins Russische (aus dem Französischen) übersetzt.

Mohrs weitere literarische Tätigkeit ist von weit weniger Interesse. Geschrieben von ihm auf Englisch "Die Geschichte von Richard III." und blieb unvollendet. Nichtsdestotrotz ist dieses Werk eines der frühesten Beispiele einer neuen englischen humanistischen Geschichtsschreibung, das eine kohärente und tief durchdachte historische Erzählung veranschaulicht und auch in exzellenter englischer Prosa verfasst wurde.

1518 war More bereits am Hof ​​von Heinrich VIII. Seine große Popularität als brillanter Publizist und Philosoph veranlasste den König, ihn ihm näher zu bringen. Bald brauchte der König Moras Hilfe für seine Polemik mit Luther.

Später jedoch beteiligte sich Mora an der Zusammenstellung und Herausgabe von Büchern, die im Auftrag von Heinrich VIII. veröffentlicht wurden. „Die Konfirmation der sieben Sakramente gegen Martin Luther“ (1521) und "Antwort an Martin Luther" (1523) diente als Vorwand, More des Hochverrats zu beschuldigen. Dies geschah, als Heinrich mit Rom brach und abrupt den Weg der Reformation einschlug. More weigerte sich, die Rechtmäßigkeit der Scheidung des Königs von Katharina von Aragon anzuerkennen und wandte sich noch schärfer gegen die Vergabe des Titels "Oberhaupt der Kirche von England" durch Heinrich, da er den Eid auf den König nicht leisten wollte.

1532 legte er das Amt des Lordkanzlers nieder, kurz darauf wurde er verhaftet, vor Gericht gestellt und zum Tode verurteilt (1535), dem er mutig begegnete, ohne seine Überzeugungen aufzugeben. Dies war eines der frühesten und größten Opfer des Tudor-Absolutismus.

Der größte englische Wissenschaftler und Philosoph der Renaissance stand am Ende dieser Periode Francis Speck (Francis Bacon, 1561-1626).

Bacon gehörte ursprünglich dem neuen Adel an, studierte an der Universität Cambridge und lebte dann einige Zeit in Paris. Nach England zurückgekehrt, studierte er Jura und wurde Rechtsberater des Finanzministeriums. 1593 wurde Bacon ins Parlament gewählt, wo er einige Zeit in den Reihen der Opposition sprach.

Nachdem er sich dann auf sein Anwesen unweit von London zurückgezogen hatte, widmete er sich der wissenschaftlichen und literarischen Arbeit. Nach der Thronbesteigung von Jakob I. wurde Bacon wieder von staatlichen Aktivitäten angezogen und erhielt 1617 den Posten des Lord Keeper of the Seals, und im nächsten - Lordkanzler, einer der höchsten Positionen im Staat. 1621 beschuldigte ihn das Oppositionsparlament jedoch des Missbrauchs und der Bestechung, und Bacon wurde vor Gericht gestellt; seine Haft dauerte jedoch nicht lange, und obwohl seine politische Tätigkeit dort endete, erhielt er wieder die Möglichkeit, sich wissenschaftlichen und wissenschaftlichen Tätigkeiten zu widmen Literarische Arbeit.

Die Blüte der wissenschaftlichen und literarische Tätigkeit Speck fällt auf die ersten Jahrzehnte des 17. Jahrhunderts.

1605 veröffentlichte er eine Abhandlung "Über den Erfolg der Wissenschaften" , dann schrieb er eine Reihe von philosophischen Werken - über die Klassifikation wissenschaftliche Disziplinen, über altes Wissen über Astronomie, Naturwissenschaften usw.

Der wichtigste von ihnen war "Neues Organon" (1620), so benannt im Gegensatz zu Aristoteles's Organon. In dieser Arbeit kritisierte Bacon die scholastische Wissenschaft scharf und empfahl eine neue Methode, die auf dem experimentellen Studium der Natur basiert.

Nach Ihnen philosophische Ansichten Speck ist ein Materialist. Marx nennt ihn "den wahren Vorfahren" Englischer Materialismus und alles moderne experimentelle Wissenschaft". „Naturwissenschaft ist in seinen Augen eine wahre Wissenschaft, und Physik, basierend auf sensorischer Erfahrung - der wichtigste Teil der Naturwissenschaft. (...) Nach seiner Lehre die Sinne unfehlbar und konstituieren eine Quelle alles Wissen. Wissenschaft ist experimentelle Wissenschaft und besteht in der Bewerbung rationale Methode zu sensorischen Daten. Induktion, Analyse, Vergleich, Beobachtung, Experiment sind die Hauptbedingungen der rationalen Methode ... Speck, als erster Schöpfer verbirgt der Materialismus noch in naiver Form die Embryonen der allseitigen Entwicklung. Materie lächelt mit ihrer poetischen und sinnlichen Brillanz dem ganzen Menschen zu "1.

(1 MarxK. und Engels F. Op.-Nr. Hrsg. 2, v. 2, p. 142-143.)

Bacon nimmt auch als Autor einen wichtigen Platz in der Geschichte der englischen Prosa ein "Experimente" (1597). In englischer Sprache verfasst, im Gegensatz zu seinen wissenschaftlichen Arbeiten, die größtenteils in lateinischer Sprache verfasst oder veröffentlicht wurden, verursachten Bacons "Experiments" in England eine Reihe von Nachahmungen.

Dieses Buch besteht aus kleinen "Skizzen" oder "Studien", in denen Bacon seine Ansichten zu verschiedenen Fragen der Philosophie, Moral und des sozialen Lebens darlegt. In knapper, aber allgemein verständlicher Form, in einfacher, aber feiner Sprache, diskutiert Bacon hier "Freundschaft", "Wahrheit", "Rache", "Reisen", "Gartenarbeit" usw des Lebens oder Realitätsbeobachtungen und stellt sie einer abstrakten Argumentation mit Buchcharakter entgegen.

Wir finden hier viele kühne und unerwartete Aphorismen und tiefe Einblicke in das dialektische Denken. Der Name "Experimente" entstand unter dem Einfluss des gleichnamigen Buches des französischen Humanisten Montaigne; jedoch hat Bacon trotz mehrerer Anleihen bei Montaigne in seinem gesamten System von Ansichten wenig Ähnlichkeit mit dem Begründer der französischen Skepsis.

Bacon ist auch der Autor einer lateinischen Utopie "Neues Atlantis" (1623), in dem er die Wissenschaft verherrlicht und den Fortschritt der wissenschaftlichen Technik als Grundlage für das zukünftige glückliche Leben der Menschheit betrachtet. Aber Bacon drückt in seinem utopischen Werk nicht nur nicht so kühne Ideen zu gesellschaftlichen Transformationen aus wie Thomas More, sondern polemisiert mit ihm sogar zu einer Reihe von Themen. Der Grund dafür ist, dass in den 20er Jahren des 17. Jahrhunderts. der humanistische Gedanke Englands ging bereits auf Kosten.

KAPITEL EINUNDvierzig

TEXTE UND GEDICHTE DES XVI. JAHRHUNDERTS

Die englische Literatur der Renaissance entwickelte sich in enger Verbindung mit der Literatur anderer europäischer Länder, vor allem des humanistischen Italiens.

Während des gesamten 16. Jahrhunderts erfreute sich die italienische Literatur in England besonderer Beliebtheit, da sie eine beliebte Quelle für Themen, Handlungen und Formen für englische Schriftsteller war. In den Originalen und Übersetzungen in England wurden die Werke von Petrarca, Boccaccio, Ariosto, Tasso und verschiedenen italienischen Schriftstellern weit verbreitet. "Italomania" war zu dieser Zeit in verschiedenen Kreisen der englischen Gesellschaft so weit verbreitet, dass Roger Asham in seinem " Schullehrer»Vergleichte Italien mit Circe, deren Gesang alle Herzen erfüllte und seiner Meinung nach den endgültigen Verderb der Moral drohte. Liebhaber der italienischen Literatur, sagte er, "hatten mehr Respekt vor den" Triumphen "des Petrarca als vor dem Buch Genesis, und Boccaccios Romane wurden mehr geschätzt als die biblische Geschichte."

Unter dem Einfluss italienischer Vorbilder (und teilweise französischer, die wiederum unter italienischem Einfluss standen) wurden in England viele literarische Gattungen reformiert und neue poetische Formen beherrscht. Die Reform betraf vor allem die Poesie. V letzten Jahren Während der Regierungszeit von Heinrich VIII. verwandelte ein Kreis von Hofdichtern englische Texte in italienischen Stil. Die wichtigsten Akteure dieser Reform waren Wyeth und Surrey.

Thomas Wyeth(Thomas Wyatt, 1503 - 1542) gehörte einer prominenten Adelsfamilie an, studierte in Cambridge und zeichnete sich im Umfeld des Königs durch seine tiefe und umfassende Bildung aus. 1527 besuchte er Italien, und die Reise war ihm ebenso wichtig wie Chaucer. In Italien lernte er die Kultur der Renaissance kennen, interessierte sich für italienische Poesie und versuchte, sie in seiner eigenen Poesie nachzuahmen.

Das Hauptthema von Wyeths frühen Texten sind die Ängste und Sehnsüchte der Liebe, die er manchmal mit vollem Ernst, manchmal halb im Scherz sang. In der zweiten Hälfte seines Lebens führte Wyeth eine Reihe von diplomatischen Aufgaben durch, lebte in Spanien, dann in Frankreich. Obwohl Liebesthemen auch heute noch nicht ganz aus Wyeths Werk verschwunden sind, klangen in seinen Gedichten ernstere Töne, sie hörten oft tiefe Enttäuschung über das höfische Leben, und statt Sonette und Liebeslieder von intimem Inhalt wandte er sich oft Epigrammen und Satiren zu. 1540 kehrte Wyeth in seine Heimat zurück, wurde verhaftet und des Hochverrats angeklagt. Nach seiner Freilassung zog er sich vom Hof ​​auf seine Güter zurück, schrieb hier drei Satiren nach Vorbildern von Horaz, Persien und den Italienern seiner Zeit, in denen er scharf und mit großer Bitterkeit das höfische Umfeld und die Umgangsformen kritisierte und ihnen gegenüberstellte ruhiges Leben inmitten der Natur, weit weg von Hof und Hauptstadt.

Wyeths Poesie hat einen buchstäblichen, künstlichen Charakter. Die meisten seiner Gedichte sind Nachahmungen ausländischer Vorbilder, insbesondere italienischer. Wyeth war vor allem von der Poesie Petrarcas fasziniert und führte unter seinem Einfluss die bis dahin in England unbekannte Sonettform in die englische Literatur ein. Von den 32 Sonette, die Wyeth schrieb, sind 12 Übersetzungen von Petrarcas Sonette.

Petrarcas Einfluss ist auch in anderen Werken Wyeths spürbar. Petrarca zog Wyeth jedoch nicht so sehr durch die Frische und den Charakter seiner lyrischen Erfahrungen an, sondern durch die eigentümliche Kompliziertheit und sogar Anmaßung der verbalen Ausdrucksform, die einigen seiner Sonette innewohnt. Für Wyeths Sonette, die etwas künstlich und schwerfällig sind, bleibt jedoch das Verdienst, dass sie diese Form in die englische Poesie einführten und viele Imitationen verursachten. Neben Sonette schrieb Wyeth auch, teilweise nach französischen Vorbildern (Clement Marot), Rondo und Oden (nach seinem Verständnis - Liebesgedichte, Lieder zur musikalischen Begleitung); in seinen Gedichten finden sich auch Nachahmungen spanischer und altenglischer Dichter (Chaucer).

Noch wichtiger als Wyeths Texte war die Poesie seines Nachfolgers und Freundes Serrey. Henry Howard, Earl of Surrey (Henry Howard Earl of Surrey, 1517 - 1547), gehörte zu einer der edelsten Familien Englands und erlebte wie Wyeth alle Wechselfälle des Lebens am Hofe des „blutigen“ Königs Heinrich VIII. Nachdem er dem König mehrere Jahre nahe stand, wurde er aufgrund mehrerer unvorsichtiger Worte des Hochverrats angeklagt und im Januar 1547, wenige Tage vor dem Tod Heinrichs VIII., hingerichtet .

Serreys Poesie begann mit der Nachahmung von Wyeth (dem er eines seiner besten Gedichte widmete) und seinen Vorbildern. Serrey war noch nie in Italien gewesen, aber er war tief vom Geist der italienischen Poesie durchdrungen. Folgte Wyeth noch gehorsam den italienischen Vorbildern, so behandelte Serrey sie bereits freier, abweichend von der strengen Form des italienischen Sonetts, aber dem lyrischen Wesen dieses Genres folgend, es in der englischen Poesie fortgeführt und verbessert. Viele Gedichte von Serrey sind Liebesthemen gewidmet.

Neben anderen Werken von Serrey ist anzumerken, dass er zwei Lieder aus Vergils Aeneis übersetzt hat, was nicht nur deshalb interessant ist, weil er als einer der ersten englischen recht erfolgreich ist und den Originalübersetzungen des lateinischen Klassikers nahe kommt, sondern vor allem, weil in diesem Übersetzung zum ersten Mal in eine englische Poesie (unter italienischem Einfluss) angewandte weiße Verse (jambischer Pentameter ohne Reime), die bald in England eine große Rolle zu spielen begannen, hauptsächlich in der dramatischen Poesie (Marlowe und Shakespeare).

Die Werke von Wyeth und Serrey wurden einem größeren Kreis englischer Leser erst zugänglich, als sie 1557 vom Buchhändler R. Tottel zusammen mit Gedichten vieler anderer Autoren (den sogenannten "Tottel-Sammlung" ). Nach diesem Buch erschienen andere ähnliche Gedichtsammlungen.

Insbesondere in England wurde es nach dem Muster der italienischen Poesie verwendet. Sonettform ... Am Ende des 16. Jahrhunderts. in England gab es schon Dutzende von "Sonnetisten". Philip Sydney, Edmund Spencer und schließlich Shakespeare zählten zu den besten Sonette-Autoren.

Philip Sydney(Philip Sidney, 1554 - 1586) wurde in der angestammten Burg in Kent County als Sohn einer prominenten Adelsfamilie geboren, studierte an der Universität Oxford und wurde danach zum Mitglied der Botschaft ernannt, die nach Frankreich geschickt wurde. In Paris studierte er weiter, zog aber auch am Hof ​​um und machte Bekanntschaft mit einer Reihe französischer Hugenotten.

Die Nacht des Heiligen Bartholomäus (24. August 572) zwang ihn, Frankreich eilig zu verlassen; damit begann die Zeit seiner Wanderungen in Europa. Sydney ging nach Frankfurt am Main, dann nach Wien, besuchte Ungarn, italienische Länder, Prag, einige deutsche Städte und kehrte über Holland in seine Heimat zurück.

Wir können sagen, dass er durch ganz Europa gereist ist und gleichzeitig alle wichtigen Zentren der damaligen humanistischen Bildungs- und Reformationsbewegung besucht hat, deren glühender Anhänger er war.

In England wurde Sydney an den Hof eingeladen und hier sah er zum ersten Mal Penelope Dever, die Tochter des Earl of Essex, die er später unter dem Namen Stella in einer Sammlung von Sonette sang ( Astrofel und Stella , Hrsg. 1591). Hofintrigen zwangen Sydney, sich auf das ländliche Schloss seiner Schwester zurückzuziehen, und hier schrieb er das wichtigste seiner Werke - einen Hirtenroman "Arkadien" , das auch viele seiner lyrischen Gedichte enthält, und eine Abhandlung "Verteidigung der Poesie" (1579-1580).

Anschließend kehrte Sydney an den Hof zurück, schloss sich aber 1585 den britischen Truppen an, die in die Niederlande geschickt wurden, um gegen das katholische Spanien zu kämpfen, und wurde hier in einer der Schlachten getötet.

Der größte Dichter der englischen Renaissance ist Edmund Spencer (Edmund Spenser, 1552-1599). Wurden seine Vorgänger hauptsächlich von ausländischer Literatur geleitet, so versuchte er auf der Grundlage der gleichen Einflüsse der italienischen (und teilweise französischen) Poesie eine rein englische, nationale Poesie zu schaffen.

Die Umgebung, in der Spencer aufgewachsen ist, hat wenig Ähnlichkeit mit der Umgebung, in der Wyeth, Surrey oder Sydney lebten.

Er stammte nicht aus einer aristokratischen oder wohlhabenden Familie, sondern erhielt eine solide klassische Ausbildung an der University of Cambridge. 1578 finden wir ihn in London, wo ihn seine Universitätskameraden in die Häuser von Sydney und Leicester führten, wodurch er wahrscheinlich Zugang zum Hof ​​erhielt. Zu diesem Zeitpunkt erstellte Spencer "Hirtenkalender" und wahrscheinlich der Beginn der Arbeit am Gedicht Feen Königin ... Da Spencer finanziell nicht sicher war, ohne Dienst zu leben, verschafften ihm Freunde einen Platz als persönlicher Sekretär von Lord Gray in Irland.

1589 kehrte Spencer nach London zurück und lebte etwa ein Jahrzehnt lang in der Hauptstadt selbst oder nicht weit davon entfernt, ganz der literarischen Kreativität verschrieben. 1590 wurden die ersten drei Bücher des Gedichts in London veröffentlicht Feen Königin gewidmet Königin Elizabeth, die ihm literarischen Ruhm brachte; Trotz der kleinen jährlichen Rente, die Elizabeth ihm zuwies, waren Spencers materielle Angelegenheiten alles andere als glänzend, und er begann wieder über eine offizielle Position nachzudenken. 1598 war er Sheriff in einem kleinen irischen Bezirk, aber dieses Jahr gab es in Irland eine große Rebellion. Spencers Haus wurde durchwühlt und niedergebrannt; er selbst floh nach London und starb bald hier unter äußerst beengten Verhältnissen.

Kurz vor seinem Tod verfasste er eine Prosa-Abhandlung "Über den aktuellen Zustand Irlands" ... Zeitgenossen argumentierten, dass dieser Aufsatz, der viel Wahrheit über die brutale Ausbeutung und den Ruin der Iren durch die britischen Behörden enthielt, der Grund für den Zorn von Königin Elizabeth auf Spencer war, der ihm jegliche materielle Unterstützung entzog.

Spencers erste gedruckte Gedichte waren seine Übersetzungen von sechs Sonette des Petrarca (1569); später wurden sie überarbeitet und zusammen mit seinen Übersetzungen von den Dichtern der französischen Plejaden veröffentlicht.

Große Aufmerksamkeit erregte ein weiteres Werk von Spencer, dessen Idee von F. Sydney inspiriert wurde - "Hirtenkalender" (1579). Es besteht aus zwölf poetischen Eklogs, die konsequent auf die 12 Monate des Jahres bezogen sind. In einem der unteren wird erzählt, wie ein Hirte (unter dem sich Spencer hervorhebt) an der Liebe zur unzugänglichen Rosalind leidet, in einem anderen lobt Elizabeth, "die Königin aller Hirten", im dritten - Vertreter von Protestantismus und Katholizismus agieren als Hirten, führen Streitigkeiten untereinander über religiöse und soziale Themen usw.

Das sechzehnte Jahrhundert ist das dramatischste in den Annalen Englands, das ruhmreichste in der Geschichte seiner Literatur. Gibt es in der Galerie Englische Monarchen Figuren sind malerischer als Heinrich VIII. und die große Elisabeth? Gibt es einen legendäreren Sieg als die Niederlage der spanischen unbesiegbaren Armada? Gibt es einen glorreicheren Dichter als Shakespeare? In nur hundert Jahren ist aus einem von Bürgerkriegen zerrissenen Land am Rande Europas eine Großmacht geworden, die bereit ist, auf allen Weltmeeren um ihre Vorherrschaft zu kämpfen, fast von einer gebrochenen Talsohle zu jenem England übergegangen, das bald sein wird zu Recht "Dame des Meeres" genannt.

Die englische Renaissance fiel weitgehend mit der Tudor-Ära zusammen. Als Ausgangspunkt sollte die Schlacht von Botsworth (1485) angesehen werden, in der der König fiel Richard III, der berüchtigte Bösewicht aus Shakespeares gleichnamigem Stück. Damit endeten die Kriege der Scharlachroten und der Weißen Rose. Beide Büsche, scharlachrot - York und weiß - Lancaster, wurden zu einer Blume gepflückt, und Heinrich VII. (1485-1509), der Gründer der neuen Tudor-Dynastie, bestieg den Thron. Das Land wurde entblutet, edle Herren wurden getötet, französische Besitztümer gingen fast vollständig verloren. Genau sieben Jahre nach der Schlacht von Botsworth im Jahr 1492 wird Kolumbus Amerika entdecken und den großen Wettlauf um das Land und die Schätze der Neuen Welt beginnen. Der größte Teil dieser fetten Pastete wird zunächst von Spanien erobert. Aber Henry Tudor (gestatten wir ihm) trotz seiner sprichwörtlichen Knauserigkeit schon damals kein Geld für den Ausbau der englischen Flotte. Und die Ergebnisse waren offensichtlich - während der Regierungszeit seiner glorreichen Tochter Elizabeth.

Nicht die Machtgier der Könige, sondern die Logik der Dinge trieb das streitmüde Land zur absoluten Monarchie. Davon ließ sich schon Heinrich VII. leiten, erst recht sein Sohn Heinrich VIII. Tudor(1509-1547). Am Ende erlangte er nicht nur die volle Macht über den Staat, sondern auch über die englische Kirche und erklärte sich selbst zu ihrem obersten Oberhaupt (1534). Das bedeutete einen Bruch mit dem Papst, aber hier waren die Engländer nicht mehr die ersten; die vom Wittenberger Doktor der Theologie Luther begonnene Anti-Papst-Restauration hatte zu dieser Zeit bereits in vielen deutschen Ländern sowie in Holland gewonnen; England wird sich im Laufe der Zeit zunehmend auf seine protestantischen Verbündeten in Europa konzentrieren.

Heinrich VIII. ging als Despot und „Blaubart“ auf den englischen Thron in die Geschichte ein. Er war ein herrschsüchtiger und hartnäckiger König, der das Land stärkte und sammelte, es aber auch nach dem religiösen Prinzip spaltete, das noch ein Jahrhundert später, in der Zeit der englischen Revolution und des Bürgerkriegs, nachhallen wird. Er war hochgebildet, förderte humanistisches Wissen und die Kultur der Renaissance; unter ihm wurde es für den jungen Höfling unanständig, nicht zu musizieren, nicht zu singen, keine Gedichte zu schreiben. Aber dieser Kunstliebhaber schickte gnadenlos den großen Thomas More auf das Schafott, richtete den Grafen von Sarri und eine Reihe anderer Hofdichter hin. Der gekrönte Ritter, der in Turnieren um die Ehre schöner Damen kämpfte und für sie mit eigener Hand Madrigale komponierte, verriet ohne zu zögern seine Frau Königin Anne Boleyn an den Henker und dann Königin Elizabeth Howard; es war auch gut, dass der König nicht alle seine Frauen hinrichtete (er hatte sechs davon), sondern erst nach einer.

Henrys kleiner Sohn Edward VI, 1547 gekrönt (er wird im Roman von Mark Twain "Der Prinz und der Bettler" beschrieben), war unheilbar krank und regierte nicht lange. Nach ihm wurde der Thron von Heinrichs Tochter aus seiner ersten Ehe mit Katharina von Aragon an sich gerissen. Mary Tudor(1553-1558). Nachdem sie den spanischen Prinzen Philip geheiratet hatte, kehrte sie England abrupt zum Katholizismus zurück. Wenn vor etwa zehn Jahren diejenigen hingerichtet wurden, die dem katholischen Glauben treu blieben und den königlichen "Akt des Suprematismus" nicht anerkannten, gingen jetzt Dutzende und Hunderte von denen, die nicht unter die Autorität der römischen Kirche zurückkehren wollten, in die Pfahl und unter der Axt des Henkers. Es überrascht nicht, dass viele Engländer erleichtert aufatmeten, als Maria die Katholische starb. die Tochter von Heinrich VIII. und Anne Boleyn, die fünfundzwanzigjährige Elizabeth Tudor (1558–1603), kam an die Macht und begann eine der längsten Regierungszeiten in der englischen Geschichte.

Die Zeit hat gezeigt, wie "Machiavelli in a Skirt" geworden ist neue Königin... Seriös ausgebildet, beherrschte sie mehrere Sprachen fließend und verfügte über außergewöhnliche politische und diplomatische Begabungen. Damals gab es Vorurteile gegenüber Frauen auf dem Thron; aber Elizabeth konnte diesen "Nachteil" zu ihrem Vorteil nutzen, in einen Trumpf verwandeln. Sie hat den Leuten eine Idee angeboten jungfräuliche Königinnen als Symbol der mystischen Vereinigung zwischen Monarch und Staat. Die Rechnung war richtig: Eine Frau ist eine sündige Eva, von der alle Nöte sind, aber eine Jungfrau ist die Allerheiligste Maria, von der das Heil kommt. Elizabeth hat nie geheiratet, die Krone ersetzte ihre Hochzeitskrone. Aber darüber hinaus - das ist das Kuriose! - bleiben als ob mit dem englischen Volk verlobt, verhandelte die Königin während ihrer gesamten Regierungszeit mit vielen europäischen Herrschern die Ehe, nutzte sich selbst als Lockvogel und die angehende Ehe als mächtigen Hebel der Politik und führte jahrelang die Bewerber gekonnt an der Nase - insbesondere die Spanier König Philipp.

Nach und nach und ohne plötzliche Bewegungen restaurierte Elisabeth die anglikanische Kirche, die ihren Dogmen und ihrer Struktur nach eine Art Kompromiss zwischen Katholizismus und Luthertum vollzieht. Gleichzeitig bildeten sich zwei Flügel von Radikalen: Katholiken, Anhänger des Papstes und Puritaner, die für die völlige Befreiung von römischen Riten eintraten, mit denen der Staat in Zukunft jeweils zu kämpfen hatte. Besonders gefährlich waren die Katholiken, die nicht nur von den Kontinentalmächten, sondern auch vom von England unabhängigen Schottland und den angrenzenden nördlichen Grafschaften unterstützt wurden. Elizabeth musste die schottische Königin Mary Stuart, ihre Cousine, fürchten, die von den Nordländern auf den englischen Thron prophezeit wurde. Zum Glück für Elizabeth verstrickte sich Mary in amouröse Intrigen und musste, der Beteiligung an der Ermordung ihres Mannes Lord Darnley beschuldigt, nach England fliehen, wo sie sich bald in der Position einer Gefangenen befand. Im Jahr 1586, als Spanien sich aktiv auf einen Angriff auf England vorbereitete, entwickelte und führte Elizabeths Geheimdienst eine Operation (man könnte sagen, eine Provokation) durch, um Mary Stuart in kriminelle Korrespondenz mit Spanien zu verwickeln, und erhielt alle Beweise, die sie brauchte. Die Königin der Schotten wurde der Verschwörung gegen England angeklagt, am 8. Februar 1587 vor Gericht gestellt und hingerichtet. Im folgenden Jahr segelte die spanische Invincible Armada von 134 Schiffen mit einer riesigen Expeditionstruppe an Bord an die Küste Englands, um die "Ketzerkönigin" ein für alle Mal zu beenden, wurde aber von der englischen Flotte im Ärmelkanal entscheidend angegriffen , in der Nähe des Hafens von Calais. Die Niederlage wurde durch einen Sturm vollendet, der viele spanische Schiffe versenkte; nur die erbärmlichen Reste der Armada konnten in ihre Heimat zurückkehren.

Der Sieg über die unbesiegbare Armada inspirierte die Briten. Der Kampf gegen die Spanier auf See, der bis dahin episodischen Charakter hatte – erinnern wir uns an die Piratentaten des von Elizabeth zum Ritter geschlagenen Francis Drake! - nahm den Charakter eines echten an Seekrieg: Überfälle auf die spanischen Kolonien in Amerika, die Eroberung der "Gold-" und "Silberflotten", die von dort in die Metropole fahren, Angriffe auf die Hafenstädte in Spanien selbst (z. B. die Eroberung von Cadiz 1596). Britische Freiwillige und reguläre Einheiten kämpften in den Niederlanden und halfen der jungen niederländischen Republik, denselben Spaniern Widerstand zu leisten. Gleichzeitig expandierte der internationale Handel. Seit 1554 existierte die Moskauer Kompanie, die jeden Sommer ihre Schiffe nach Archangelsk schickte; 1581 wurde die Levantine Company gegründet, um mit dem Nahen Osten zu handeln, und 1600 wurde die berühmte East India Company gegründet. Die Briten versuchten, an den Ufern der Neuen Welt Fuß zu fassen. Sir Walter Raleigh unternahm eine Expedition nach Guyana am Ufer des Orinoco, wo er das goldene Land von El Dorado suchte. Auf eigene Initiative wurde die erste englische Kolonie in Nordamerika, Virginia, gegründet.

All diese Neuigkeiten, Innovationen und Errungenschaften wurden gemeinfrei – durch königliche und parlamentarische Erlasse, Reiseberichte, Flugblätter mit Balladen zu aktuellen Themen, schließlich durch Theateraufführungen. Der Horizont des durchschnittlichen Engländers erweiterte sich dramatisch, das Land fühlte sich an einem großen historischen und geographischen Scheideweg; und es ist kein Zufall, dass gerade diese Jahre des patriotischen Aufschwungs mit den Jahren der schnellen Blüte des englischen Theaters, der Poesie und des Dramas zusammenfielen.

Der erste englische Renaissancedichter war nämlich bereits Geoffrey Chaucer (1340? -1400) - ein Zeitgenosse von Boccaccio und Petrarca. Sein Gedicht Troilus und Cressida diente zusammen mit den Gedichten der Italiener den englischen Dichtern des 16. Jahrhunderts von Wyatt bis Shakespeare als direktes Vorbild. Aber Chaucers Erben konnten nicht auf seinen Errungenschaften aufbauen. Das Jahrhundert nach Chaucers Tod war eine Zeit poetischer Umkehr, einer längeren Pause. Vielleicht liegt das an der politischen Instabilität Englands im 15. Jahrhundert? Urteile selbst. Im XIV. Jahrhundert - der 50-jährigen Herrschaft von Edward III - und dem Erscheinen von Chaucer. Im 15. Jahrhundert - der Übersprung der Könige, der Rosenkrieg - und kein einziger großer Dichter. Im 16. Jahrhundert die 38-jährige Herrschaft von Heinrich VIII. und die erste Blüte der Poesie, dann die 45-jährige Herrschaft von Elizabeth und alle höchsten Errungenschaften der englischen Renaissance, darunter Shakespeare. Es stellt sich heraus, dass für die Poesie Stabilität wichtig ist, auch wenn es sich um harte Macht oder Willkür handelt. Hier gibt es etwas zu bedenken.

Natürlich gab es noch andere Gründe für das Aufblühen der englischen Poesie. Eine ganz offensichtliche ist der Beginn des englischen Buchdrucks durch William Caxton im Jahr 1477. Seitdem ist die Zahl der in England veröffentlichten Bücher gewachsen in geometrischer Verlauf den Anstieg direkt beeinflussen nationale Bildung- Schule und Universität. Zu den ersten von Caxton veröffentlichten Büchern gehörten Chaucers halbvergessene Gedichte, die so zum Eigentum der Allgemeinheit wurden.

Die Entwicklung der englischen Poesie im 16. Poesie Horizont. Erst in den 1580er Jahren beginnt die Beschleunigung, und im letzten Jahrzehnt der elisabethanischen Ära - ein starker Aufstieg: Christopher Marlowe, William Shakespeare, John Donne.

Die Kultur der englischen Renaissance ist literarisch-zentriert. Leider kann sie sich nicht mit Meisterwerken der Malerei oder Bildhauerei rühmen. Ob das Fehlen der Sonne oder das Überwiegen der Vorstellungskraft gegenüber der Beobachtung, charakteristisch für Völker nördliche Wälder- Germanen und Kelten, raten wir nicht, aber Tatsache bleibt: Der Kulturheld der Briten war kein Künstler, sondern ein Dichter. Das Schreiben im England des 16. Jahrhunderts wurde zu einer wahren Manie. Ganz zu schweigen davon, dass die Dichtkunst als unverzichtbarer Bestandteil ritterlicher Vollkommenheit galt und sich in dieser Eigenschaft bei Hofe und in der gehobenen Gesellschaft verbreitete Leben fast aller Alphabetisierungsklassen ... Selten ist es einem Londoner Lehrling nicht gelungen, ein Sonett zu komponieren, wenn nötig auch nur ein paar gereimte Strophen. Mit Gedichten wurden nicht nur freundliche Botschaften und Liebesbriefe geschrieben, sondern auch wissenschaftliche, erbauliche, historische, geographische usw. Bücher.

Das Zeitalter der Reime; rundum und wimmelnd
Gedichte, Gedichte ... nein, ich rette dich vor Gedichten, -

sagte Ben Johnson sarkastisch. Natürlich ist Poesie noch keine Poesie, und aus Quantität wird nicht immer Qualität ... obwohl sie es am Ende tut. "A Rhyming Age" war auf seinem Höhepunkt als Zeitalter der poetischen Genies.

Gedichte gab es damals, wie bereits gesagt, auf verschiedenen Ebenen. Sie konnten als Kommunikationsmittel oder Instrument einer höfischen Laufbahn dienen - Hochadlige waren gegenüber poetischen Schmeicheleien nicht unempfindlich; und zugleich wurde die Poesie als Kunst wahrgenommen, das heißt als Dienst am Schönen. Aber für einen Dichter-Adligen war es unangemessen, seine Gedichte zu veröffentlichen, das heißt sie zum Eigentum eines außenstehenden Publikums zu machen. Weder Wyatt noch Sidney rührten einen Finger, um ihre Gedichte zu veröffentlichen, ihr Ehrgeiz ging nicht über den engen Kreis von Kennern hinaus, "engagiert".

Die Situation begann sich erst gegen Ende des Jahrhunderts zu ändern, als eine neue Generation von gewöhnlichen Schriftstellern in die Literatur eintrat. Um Unterstützung zu gewinnen, widmeten sie ihre Bücher Adligen – Mäzenen der Künste oder der Monarchin selbst. Ein professioneller Schriftsteller kann im Wesentlichen nicht ohne materiellen Schutz existieren – weder ein Philanthrop noch die Öffentlichkeit. Aber der Buchhandel war noch nicht so weit entwickelt, dass ein Dichter von seinen Gedichten leben (oder einfach überleben) könnte. Nur die Blütezeit des Theaters in Shakespeares Ära gab dem Dichter-Dramatiker eine solche Gelegenheit. Schriftsteller wie Shakespeare und Johnson nutzten tatsächlich beide Formen der Unterstützung – den überheblichen Mäzen und das Theaterpublikum. Nur wenige, die nur "für die Seele" schrieben, schafften es zwischen Skylla und Charybdis zu bestehen: unter ihnen zum Beispiel der begabteste Schüler von John Donne, der Priester George Herbert.

Die Poesie der Renaissance war eng mit der Monarchie, mit dem Leben des königlichen Hofes verbunden. Der erste große Dichter der Tudor-Ära John Skelton war zuerst Lateinlehrer von Prinz Heinrich (dem zukünftigen König) und dann so etwas wie ein Hofnarr. Der Autor der ersten englischen Sonette Thomas Wyatt romantische Legende verbindet sich mit Anne Boleyn, der Frau von Heinrich VIII.; Als die unglückliche Königin fiel, entging er dem Tod nur knapp. George Gascoigne, der beste Dichter der Mitte des Jahrhunderts, versuchte sein ganzes Leben lang, die Aufmerksamkeit des Hofes auf sich zu ziehen, in die Gunst des regierenden Monarchen einzutreten - und starb, kaum das gewünschte Ziel erreichend. Philip Sydney, "englischer Petrarca", nach seinem heldenhaften Tod auf dem Schlachtfeld als vorbildlicher Ritter und Dichter heiliggesprochen, erhielt staatliche Prachtbestattungen und posthume Ehrungen. Walter Raleigh, weithin bekannt als Soldat, Politiker, Wissenschaftler und Seefahrer, besaß auch eine erstklassige literarische Begabung; Raleighs Gedichte an die "Virgin Queen" gehören zu den schönsten Farben ihres poetischen Kranzes. Elizabeth selbst widmete ihrem liebsten, treuen "Sir Walter" Gedichte. Leider drehte sich nach dem Tod der alten Königin das Glücksrad: Der mächtige Favorit war ein Gefangener des Turms, und "der klügste Kopf des Königreichs" fiel schließlich, von der Hand des Henkers abgeschnitten.

Es ist leicht, Beispiele dafür zu multiplizieren, wie literarische Angelegenheiten mit staatlichen Angelegenheiten verflochten sind. Viele dieser Geschichten sind tragisch; aber die hauptsache ist anders. Den Gedichten wurde Bedeutung beigemessen. Ja, manchmal wurden Anklagen gegen ihre Verfasser verfasst, sie konnten festgenommen und sogar getötet werden. Und gleichzeitig betrachteten es die Fürsten und Adligen als ihre Pflicht, den Dichtern das Patronat zu gewähren, ihre Werke wurden kopiert und sorgfältig aufbewahrt. Ohne Dichter und den Glanz des Hofes und das Leben des Staates als Ganzes, und Innere das Individuum war unvollständig. Als Karl I. hingerichtet wurde, nahm er zwei Bücher mit auf das Schafott: ein Gebetbuch und Philip Sidneys pastoral-lyrisches Arcadia. Mit dieser symbolischen Geste endete eine ganze Ära: Im puritanisch-bürgerlichen England nahm die Poesie einen grundlegend anderen Platz ein. Erst eineinhalb Jahrhunderte später ließen romantische Dichter Shakespeares Zeitalter wiederauferstehen und würdigten das reiche Erbe ihrer Renaissance-Dichtung neu.

Wenn wir heute durch die Dicke der durchscheinenden Zeit blicken, sehen wir: Dies ist das ganze Atlantis, ein riesiger versunkener Kontinent. Hunderttausende Dichter, Tausende Bücher, Hunderttausende Gedichtzeilen. Die hier vorgestellten rund dreißig Autoren sind nur eine kleine Auswahl dieser erstaunlichen Vielfalt. Es ist unfreiwillig subjektiv, obwohl es alle Hauptnamen dieser Zeit enthält. Von den Dichtern der ersten Reihe nur Edmund Spencer nominell durch ein einziges Sonett repräsentiert: Wenn es eine ausgewogene Anthologie wäre, sollte mindestens eine Passage aus seiner berühmten Feenkönigin, einem allegorischen Gedicht, das Königin Elizabeth verherrlicht, gegeben werden.

Von den Dichtern musste relativ gesehen die zweite Reihe mit besonderem Bedauern weggelassen werden John Davis, deren Hauptwerke, die Gedichte "Nosce Teipsum" und "Orchestra", in kargen Passagen kaum wahrgenommen worden wären, für mehr war im Buch einfach kein Platz. Von den Dichterinnen wollte ich vor allem vorstellen, Isabella Whittney, der 1573 den ersten Gedichtband einer Frau in England veröffentlichte. Doch ihr witziges "Testament to Londoners", in dem sie ihren Lesern all ihr geliebtes London aufschreibt - ein ausführlicher Reiseführer durch die Straßen, Geschäfte und Märkte der Stadt - in der Übersetzung würde unweigerlich an Authentizität und Charme verlieren. Überhaupt war der letzte Teil der Arbeit an diesem Buch der schmerzhafteste, weil ich freiwillig auf vieles und vieles verzichten musste - der Kompaktheit und Harmonie zuliebe, die ständig nach Ordnung rufenden Augen. Und doch wollte ich die Breite und Tragweite der poetischen Epoche, die Vielfalt der Genres, Themen und Autorenpersönlichkeiten widerspiegeln. Neben den Klassikern von Shakespeare und Donne findet der Leser hier lyrische Meisterwerke aus der Feder weniger bekannter Dichter, zum Beispiel Poesie Chidika Tichborna vor der Ausführung komponiert () oder Thomas Nash... Das Buch enthält auch Gedichte von Königen: Henry VIII, Elizabeth und James I sowie namenlose Lieder und Balladen. Dramatische Poesie wird durch zwei Auszüge aus wenig bekannten Tragödien repräsentiert - "Werwolf" Thomas Middleton und George Chapman, und das Genre des Epigramms ist halb vergessen Thomas Bastard.

Dieses Buch behandelt hauptsächlich die Tudor-Ära - von Henry bis Elizabeth. Die Poesie der Zeit von Jacob Stuart spiegelt sich nur in den Werken bereits bekannter, d George Herbert und Robert Gerrick... Der letzte Abschnitt ist gewidmet Andrew Marvell; das ist eine ganz andere Ära - die englische Revolution und das Protektorat Cromwell. Und doch (so ist die Trägheit des Stils) Marvells Poesie ist immer noch weitgehend Renaissance, sie stellt die Vervollständigung der Traditionen sowohl der englischen Petrarchisten als auch der englischen Metaphysiker dar - eine Art Epilog und eine Grenze zu dem, was die Dichter des 16. .

Shakespeares Werk ist der Höhepunkt der englischen Renaissance und die höchste Synthese der Traditionen der gemeinsamen europäischen Kultur

EINLEITUNG

a) klassisches Sonett;

b) Shakespeares Sonett.

FAZIT

"Die Seele unseres Jahrhunderts, das Wunder unserer Bühne, sie gehört nicht zu einem Jahrhundert, sondern zu allen Zeiten", schrieb sein jüngerer Zeitgenosse, der englische Dramatiker Ben Johnson, über Shakespeare. Shakespeare wird als der größte Humanist der Spätrenaissance bezeichnet, als einer der größten Schriftsteller der Welt, als Stolz der ganzen Menschheit.

Vertreter vieler literarischer Schulen und Bewegungen in andere Zeiten wandte sich seiner Arbeit auf der Suche nach tatsächlichen moralischen und ästhetischen Lösungen zu. Die unendliche Vielfalt der Formen, die unter einem so starken Einfluss geboren werden, ist irgendwie fortschrittlicher Natur, seien es Zitate in der satirischen "Oper der Bettler" von John Gay oder leidenschaftliche Zeilen in den politischen Tragödien von Vittorio Alfieri, dem Bild von " gesunde Kunst" in der Tragödie von Johann Goethes "Faust" oder die demokratischen Ideen, die im Artikel-Manifest von François Guizot zum Ausdruck gebracht werden, das starke Interesse am inneren Zustand der Persönlichkeit der englischen Romantiker oder die "freie und weite Darstellung der Charaktere" in Alexander Puschkins Boris Godunow ...

Dies kann wahrscheinlich das Phänomen der "Unsterblichkeit" von Shakespeares schöpferischem Erbe erklären - eine zweifellos große poetische Gabe, die die akutesten moralischen Konflikte bricht, die in der Natur der menschlichen Beziehungen verborgen sind und von jeder nachfolgenden Epoche in einer neuen, nur charakteristisch dieser Moment Aspekt, während es (sozusagen) ein Produkt seiner Zeit bleibt, alle Erfahrungen früherer Generationen aufnimmt und das von ihnen akkumulierte kreative Potenzial realisiert.

Um zu beweisen, dass Shakespeares Werk der Höhepunkt der englischen Renaissance und die höchste Synthese der Traditionen der europäischen Renaissancekultur ist (ohne die Lorbeeren von George Brandes zu beanspruchen, der dieses Thema in seinem Werk "William Shakespeare" (1896 )) Ich nehme vielleicht das Beispiel seines USonetovF, als ein Genre, das am Vorabend der fraglichen Ära und genau während der Renaissance und in der Folge geboren wurde XVII Jahrhundert und erlebt die Zeit seiner höchsten Blüte.

KURZE BESCHREIBUNG DER RENAISSANCE

Renaissance (Renaissance), eine Periode in der kulturellen und ideologischen Entwicklung der westlichen und Zentraleuropa(in Italien XIV - XVI Jahrhundert, in anderen Ländern Ende XV - Anfang XVII Jahrhundert), Übergang von der mittelalterlichen Kultur zur Kultur der Neuzeit.

Besonderheiten der Kultur der Renaissance: Antifeudalismus im Kern, säkularer, antiklerikaler Charakter, humanistische Weltanschauung, Appell an das Kulturerbe der Antike sozusagen "Wiederbelebung" davon (daher der Name).

Die Renaissance entstand und manifestierte sich am deutlichsten in Italien, wo bereits an der Wende des XIII-XIV Jahrhunderts. seine Vorläufer waren der Dichter Dante, der Künstler Giotto und andere. Der Glaube an die grenzenlosen Möglichkeiten des Menschen, seinen Willen und seine Vernunft, die Leugnung der katholischen Scholastik und Askese (humanistische Ethik) prägen das Schaffen der Renaissancefiguren. Das Pathos der Bejahung des Ideals einer harmonischen, befreiten schöpferischen Persönlichkeit, Schönheit und Harmonie der Wirklichkeit, eine Berufung auf den Menschen als höchstes Seinsprinzip, ein Gefühl der Ganzheit und harmonischen Gesetzmäßigkeit des Universums verleihen der Kunst der Renaissance eine große ideologische Bedeutung, eine majestätische heroische Skala.

In der Architektur spielten weltliche Strukturen eine führende Rolle - öffentliche Gebäude, Paläste, Stadthäuser. Mit gewölbten Galerien, Kolonnaden, Gewölben, Bädern gaben Architekten (Alberti, Palladio in Italien; Lescaut, Delorme in Frankreich usw.) ihren Gebäuden majestätische Klarheit, Harmonie und Proportionalität zum Menschen.

Künstler (Donatello, Leonardo da Vinci, Raphael, Michelangelo, Tizian und andere in Italien; Jan van Eyck, Bruegel in den Niederlanden; Dürer, Niethardt - in Deutschland; Fouquet, Goujon, Clouet in Frankreich) beherrschten konsequent die Reflexion des ganzen Reichtums der Realität - Übertragungsvolumen, Raum, Licht, Darstellung einer menschlichen Figur (auch nackt) und einer realen Umgebung - ein Interieur, eine Landschaft.

Die Literatur der Renaissance schuf Denkmäler von bleibendem Wert wie "Gargantua und Pantagruel" (1533 - 1552) von Rabelais, Shakespeares Dramen, den Roman "Don Quijote" (1605 - 1615) von Cervantes usw Volkskultur, das Pathos des Komischen mit der Tragik des Seins. Petrarcas Sonette, Boccaccios Kurzgeschichten, Aristos Heldengedicht, philosophische Groteske (Erasmus von Rotterdams Abhandlung Lob der Torheit, 1511), Montaignes Essays - in verschiedenen Genres, Einzelformen und nationalen Varianten verkörperten die Ideen der Renaissance.

In der humanistisch geprägten Musik entwickelt sich die vokale und instrumentale Polyphonie, neue Gattungen der weltlichen Musik treten auf - Sololied, Kantate, Oratorium und Oper, die zur Etablierung der Homophonie beitragen.

Während der Renaissance herausragend wissenschaftliche Entdeckungen im Bereich Geographie, Astronomie, Anatomie. Die Ideen der Renaissance trugen zur Zerstörung feudal-religiöser Ideen bei und entsprachen in vielerlei Hinsicht objektiv den Bedürfnissen der entstehenden bürgerlichen Gesellschaft.

WIEDERGEBURT IN ENGLAND

In England begann die Renaissance etwas später als beispielsweise in Italien, und sie hatte hier wichtige Unterschiede.

Es war eine schwierige und blutige Zeit in England. Innerhalb des Landes gab es einen harten Kampf mit denen, die nicht wollten, dass sie sich vom Einfluss des Vatikans befreien konnte. Die Ideen der Renaissance wurden im Kampf bestätigt. England befand sich im Krieg mit Spanien, das die Macht des Katholizismus in ganz Europa schützte.

Natürlich waren die Humanisten die ersten, die die Gedanken und Gefühle der Neuzeit in Büchern ausdrückten. Sie konnten nicht nur darüber sprechen, wie wunderbar es ist, ein Mensch zu sein, sie sahen auch das Leiden gewöhnlicher Engländer. Zu Beginn des 16. Jahrhunderts. erschien das Buch des ersten großen Humanisten Englands Thomas More "Utopia". Es beschrieb die fiktive Insel Utopia – eine Gesellschaft der Zukunft, in der Gerechtigkeit, Gleichheit und Überfluss herrschen. Das Buch von Thomas More hatte großen Einfluss nicht nur auf seine Zeitgenossen, sondern auch auf die Entwicklung kommunistischer Ideen in der Zukunft.

Die Ideen der Renaissance in England wurden am stärksten auf den Bühnen der Theater verkörpert. Im englischen Theater arbeitete eine große Gruppe talentierter Dramatiker - Green, Marlowe, Kid usw. Sie werden normalerweise als die Vorgänger von Shakespeare bezeichnet, deren Arbeit das Beste aus ihren Werken absorbiert und entwickelt hat.

BESONDERE MERKMALE DES RENAISSANCE OUTLOOK

Seit dem 15. Jahrhundert. Es gibt eine Reihe von Veränderungen im sozioökonomischen und spirituellen Leben Westeuropas, die den Beginn des betrachteten Zeitraums markieren. Die sozioökonomischen Veränderungen (das Entstehen der Bedingungen für die Bildung moderner europäischer Nationen und der modernen bürgerlichen Gesellschaft, das Entstehen der Grundlagen für den späteren Welthandel und der Übergang vom Handwerk zur Manufaktur usw.) wurden von bedeutenden Mentalitätsänderungen begleitet. Der Säkularisierungsprozess bestimmt die Selbständigkeit aller Bereiche des kulturellen und gesellschaftlichen Lebens gegenüber der Kirche, einschließlich Wissenschaft, Philosophie und Kunst.

In der betrachteten Epoche tritt in der Philosophie eine neue "Renaissance"-Interpretation des Seins auf, die Grundlagen der neuen europäischen Dialektik werden gelegt.

Sich selbst als Wiederbelebung der antiken Kultur, des antiken Denkens und Fühlens erkennend und sich damit dem mittelalterlichen Christentum entgegenstellend, ist die Renaissance dennoch aus der Entwicklung der mittelalterlichen Kultur hervorgegangen. Das wichtigste Unterscheidungsmerkmal des Weltbildes der Renaissance ist seine Orientierung an der Kunst. Wenn der Mittelpunkt der Antike das natürliche und kosmische Leben war, im Mittelalter - Gott und die mit ihm verbundene Idee der Erlösung, dann steht in der Renaissance der Mensch im Mittelpunkt.

Solche Macht und Macht über alles vorhandener Mann weder in der Antike noch im Mittelalter fühlte. Er braucht die Gnade Gottes nicht, ohne die er, wie man im Mittelalter glaubte, die Mängel seiner "sündigen Natur" nicht bewältigen könnte. Er selbst ist jetzt ein Schöpfer. So erhält die schöpferische Tätigkeit in der Renaissance eine Art heiligen Charakter - mit ihrer Hilfe erschafft er eine neue Welt, erschafft Schönheit, erschafft sich selbst. Es war diese Ära, die der Welt eine Reihe herausragender Persönlichkeiten mit einem hellen Temperament, einer umfassenden Bildung, einem starken Willen, einer Entschlossenheit und einer enormen Energie bescherte.

Anspruchsvoll künstlerischer Geschmacküberall erkannte und betonte er die Originalität und Einzigartigkeit jedes Individuums, ohne zu berücksichtigen, dass der Eigenwert der Individualität die Verabsolutierung des ästhetischen Zugangs zu einer Person bedeutet, während die Persönlichkeit eine eher moralische und ethische Kategorie ist. Dies sind die Helden von Shakespeare - die markanten Persönlichkeitsmerkmale (die Fähigkeit, Gut und Böse zu erkennen, nach dieser Unterscheidung zu handeln und für ihr Handeln verantwortlich zu sein), werden, wie mir scheint, durch rein ästhetische Kriterien (wie und wie) ersetzt unterscheidet sich der Held von allen anderen, wie originell seine Handlungen sind) ). Beispiele dafür finden wir in jedem von Shakespeares Werken.

Es ist meiner Meinung nach kein Zufall, dass die Blütezeit des Sonetts gerade in die Renaissance fiel und das anthropozentrische Denken dieser Zeit, die Renaissance-Interpretation der Dialektik trug zur Entstehung herausragender schöpferischer Persönlichkeiten bei, gab beiden einen kraftvollen progressiven Impuls Wissenschaft und Kunst.

KURZE BESCHREIBUNG DER ARBEIT VON SHAKESPARE

Biographische Informationen über Shakespeare sind rar und oft ungenau. Forscher glauben, dass er in den späten 80er Jahren des 16. Jahrhunderts als Dramatiker auftrat. Shakespeares Nachname erschien erstmals 1593 in einer Widmung an den Earl of Southampton in dem Gedicht Venus und Adonis. Inzwischen waren auf der Bühne bereits mindestens sechs Stücke des Dramatikers aufgeführt worden.

Frühe Stücke haben einen lebensbejahenden Anfang: die Komödie "Die Widerspenstigen Zähmung" (1593), "Ein Sommernachtstraum" (1596), "Viel Lärm um nichts" (1598), die Tragödie "Romeo und Julia" " (1595) .). V historische Chroniken"Richard III" (1593), "Heinrich IV" (1597-98) fängt die Krise des Feudalsystems ein. Die Vertiefung der sozialen Widersprüche führte zu Shakespeares Übergang zum Genre der Tragödie - Hamlet (1601), Othello (1604), König Lear (1605), Macbeth (1606). Gesellschaftspolitische Themen sind typisch für die sogenannten "römischen" Tragödien: "Julius Caesar" (1599), "Antony and Cleopatra" (1607), "Coriolanus" (1607). Die Suche nach einer optimistischen Lösung sozialer Tragödien führte zur Entstehung der romantischen Dramen "Cymbelin" (1610), "Winter's Tale" (1611), "The Tempest" (1612), die den Schatten einer Art lehrreicher Parabel haben . Shakespeares Kanon (seine unbestrittenen Stücke) umfasst 37 Dramen, die hauptsächlich in weißen Versen geschrieben sind. Subtiles Eindringen in die Psychologie von Helden, lebendige Bilder, öffentliche Interpretation persönlicher Erfahrungen, tiefe Lyrik zeichnen diese wirklich großen Werke aus, die die Jahrhunderte überdauert haben, zu einem unschätzbaren Wert und zu einem festen Bestandteil der Weltkultur geworden sind.

BILDTHEMISCHE ANALYSE DES „SONETS“-ZYKLUS

Shakespeare besitzt einen Zyklus von 154 Sonette, der 1609 (ohne Wissen und Zustimmung des Autors) veröffentlicht wurde, aber anscheinend in den 1590er Jahren geschrieben wurde (jedenfalls schon 1598 blitzte eine Nachricht über ihn in der Presse auf. " süßen Sonette, engen Freunden bekannt") und war eines der brillantesten Beispiele westeuropäischer Lyrik der Renaissance. Nachdem es die Form unter der Feder von Shakespeare geschafft hatte, populär zu werden, glitzerte die Form unter der Feder von Shakespeare mit neuen Facetten und enthielt eine breite Palette von Gefühlen und Gedanken - von intimen Erfahrungen bis hin zu tiefen philosophischen Reflexionen und Verallgemeinerungen. Forscher machen seit langem auf die enge Verbindung zwischen Sonette und Shakespeares Drama aufmerksam. Diese Verbindung manifestiert sich nicht nur in der organischen Verschmelzung des Lyrischen mit dem Tragischen, sondern auch darin, dass die Ideen der Leidenschaft, die Shakespeares Tragödien inspirieren, auch in seinen Sonette leben. Wie in Tragödien berührt Shakespeare in Sonetten die Grundprobleme des Daseins, die die Menschheit seit Jahrhunderten beschäftigen, spricht über Glück und den Sinn des Lebens, über das Verhältnis von Zeit und Ewigkeit, über die Vergänglichkeit der menschlichen Schönheit und ihrer Größe, über die Kunst die den unaufhaltsamen Lauf der Zeit überwinden kann. , über die hohe Mission des Dichters.

Das ewig unerschöpfliche Thema der Liebe, eines der zentralen in den Sonette, ist eng mit dem Thema der Freundschaft verbunden. In Liebe und Freundschaft findet der Dichter eine wahre Quelle schöpferischer Inspiration, egal ob sie ihm Freude und Glückseligkeit oder die Anfälle von Eifersucht, Traurigkeit oder seelischer Qual bereiten.

Thematisch wird der gesamte Zyklus normalerweise in zwei Gruppen unterteilt: Es wird angenommen, dass die erste

(1 - 126) ist an den Freund des Dichters gerichtet, der zweite (127 - 154) - an seine Geliebte - "dunkelhäutige Dame". Das Gedicht, das diese beiden Gruppen (vielleicht gerade wegen seiner besonderen Rolle in der allgemeinen Reihe) unterscheidet, ist streng genommen kein Sonett: Es hat nur 12 Verse und eine angrenzende Reimanordnung.

Das Leitmotiv der Trauer um die Zerbrechlichkeit alles Irdischen, das den gesamten Zyklus durchzieht, vom Dichter klar erkannt, die Unvollkommenheit der Welt verletzt die Harmonie seiner Haltung nicht. Die Illusion der Glückseligkeit nach dem Tod ist ihm fremd - er sieht die menschliche Unsterblichkeit in Ruhm und Nachwelt und rät seinem Freund, seine Jugend in Kindern wiedergeboren zu sehen.

In der Literatur der Renaissance nimmt das Thema der Freundschaft, insbesondere der männlichen, einen wichtigen Platz ein: Sie gilt als höchste Manifestation der Menschheit. In einer solchen Freundschaft verbinden sich die Gebote der Vernunft harmonisch mit einer spirituellen Neigung, frei vom sinnlichen Prinzip.

Nicht weniger bedeutsam sind Sonette, die dem Geliebten gewidmet sind. Ihr Image ist betont unkonventionell. Wenn in den Sonette von Petrarca und seinen englischen Anhängern (Petrarchisten) normalerweise eine goldhaarige, engelhafte Schönheit, stolz und unzugänglich, gesungen wurde, widmet Shakespeare im Gegenteil einer dunkelhäutigen Brünette eifersüchtige Vorwürfe - widersprüchlich, gehorcht nur den Stimme der Leidenschaft.

Shakespeare schrieb seine Sonette in der ersten Schaffensperiode, als er noch an den Triumph der humanistischen Ideale glaubte. Auch die Verzweiflung im berühmten 66. Sonett findet im „Sonettschlüssel“ einen optimistischen Ausweg. Liebe und Freundschaft sind immer noch, wie in "Romeo und Julia", eine Kraft, die die Harmonie der Gegensätze bekräftigt. Hamlets Bruch mit Ophelia steht noch bevor, ebenso wie die Bewusstseinsstörung des dänischen Prinzen. Einige Jahre werden vergehen - und der Sieg des humanistischen Ideals wird für Shakespeare in weite Ferne rücken.

Das Bemerkenswerteste an Shakespeares Sonette ist das ständige Gefühl des inneren Widerspruchs menschliches Gefühl: was die Quelle der höchsten Seligkeit ist, verursacht unweigerlich Leiden und Schmerz, und umgekehrt wird das Glück in schweren Qualen geboren.

Diese Konfrontation der Gefühle auf natürlichste Weise, so komplex das metaphorische System Shakespeares auch sein mag, passt in die Sonettform, der die Dialektik "von Natur aus" innewohnt.

DIALEKTISCHER CHARAKTER DER SONNETISCHEN FORM

KLASSISCHES SONNET

Eine relativ kleine Anzahl von sogenannten festen Formen - streng kanonisierte und stabile Strophenkombinationen gibt es unter einer Vielzahl von poetischen Werken verschiedener Genres. In Bezug auf Popularität und Verbreitung kann keine der soliden Formen - die italienische und französische (Mittelalter) Triolette, Virile, Sextina, iranische Gazelle oder Tanka aus der japanischen Poesie - mit dem Sonett mithalten.

Erscheint um den Anfang des XIII Jahrhunderts. in Italien (Sonett - vom Italienischen Sonet (Lied), basierend auf dem Wort Son (Klang)) erwarb diese Gattung sehr schnell die 1332 vom Paduaer Anwalt Antonio da Tempo formulierten kanonischen Regeln, die später immer wieder verfeinert und verschärft wurden.

Die stabilsten Strukturmerkmale des klassischen Sonetts:

• stabiles Volumen - 14 Zeilen;
• klare Gliederung in vier Strophen: zwei Vierzeiler (Vierzeiler) und zwei drei Strophen (Terzette);
• strikte Wiederholung der Reime - in Vierzeilern gibt es normalerweise vier Reime zwei, in Terzetten die anderen drei Reime zweimal oder zwei Reime dreimal);
• stabiles Reimsystem - die bevorzugte "französische" Sequenz: abba abba ccd eed (oder ccd ede), "italienisch": abab abab cdc dcd (oder cde cde);
• konstante Größe - normalerweise ist dies die gebräuchlichste Größe in der nationalen Poesie: 1,5 oder 1,80 Meter Jambic in der russischen, deutschen, niederländischen, skandinavischen Poesie; Pentameter - auf Englisch; elfsilbiger Vers - in Italien, Spanien und Portugal; der sogenannte alexandrinische Vers - zwölf Silben mit einer Zäsur in der Mitte - in einem klassischen französischen Sonett.

Darüber hinaus enthält der Sonettkanon noch einige andere mehr oder weniger universelle Anforderungen:

• jeder der vier Teile (Vierzeiler und Terzette) sollte in der Regel interne syntaktische Vollständigkeit und Integrität aufweisen;
• Vierzeiler und Terzette unterscheiden sich in der Intonation - die Melodie des ersteren wird durch die Dynamik und den Ausdruck des letzteren ersetzt;
• Reime sollten vorzugsweise präzise und klangvoll sein, und ein regelmäßiger Wechsel der männlichen Reime (mit Betonung der letzten Silbe) wird empfohlen;
• Es ist höchst unerwünscht, dieselben Wörter im Text zu wiederholen (mit Ausnahme von Konjunktionen, Pronomen usw.), es sei denn, dies wird durch die bewusste Absicht des Autors diktiert.

Die Themen der Sonette sind äußerst vielfältig - ein Mensch mit seinen Taten, Gefühlen und der geistigen Welt; die Natur, die ihn umgibt; Ausdruck der inneren Welt eines Menschen durch die Naturbilder; eine Gesellschaft, in der eine Person existiert. Die Sonettform wird gleichermaßen erfolgreich in liebespsychologischen und philosophischen, in beschreibenden, landschaftlichen, politischen Texten verwendet. Durch sie werden sowohl zärtliche Gefühle als auch wütendes Pathos, scharfe Satire perfekt vermittelt. Und doch liegt die Besonderheit der Form vor allem in der universellen Anpassung an die Vermittlung der Empfindung der Dialektik des Seins.

Im Werk von Johannes R. Becher "The Philosophy of a Sonett, or Small Instructions on a Sonett" wird die Definition eines Sonetts als dialektische Gattung .

Das Sonett spiegelt nach Becher die Hauptstadien der dialektischen Bewegung des Lebens, des Fühlens oder Denkens von der These über die Antithese zur Synthese (Position - Opposition - Aufhebung der Gegensätze). In der klassischen Form eines Sonetts enthält der erste Vierzeiler die These, der zweite die Antithese und die Terzette (Sextett) die Synthese. Aber "das Verhältnis zwischen Position und Opposition ist äußerst komplex und vielleicht auf den ersten Blick nicht wahrnehmbar, ebenso wie die Beseitigung beider Gegensätze im letzten Teil."

Alle Grundanforderungen des Sonettkanons sind fest mit der Dialektik dieser poetischen Form verbunden und entstanden auf der Suche nach der vollkommensten Form, den dialektischen Inhalt zu verkörpern. Dennoch sind die Möglichkeiten, die Bewegungsformen des menschlichen Denkens zu vermitteln und seine innere Dialektik zu verwirklichen, im Sonett unendlich vielfältig. Der Sonettkanon ist nicht so bewegungslos, wie es auf den ersten Blick erscheinen mag. Nicht-kanonische Sonettformen sind zum Beispiel "Schwanzsonette" (Sonette mit Coda - ein zusätzlicher Vers, ein oder mehrere Terzette), "umgestürztes Sonett" - beginnt mit Terzetten und endet mit Vierzeilern, "kopfloses Sonett" - das erste Vierzeiler fehlt, "lahmes Sonett" - die vierten Strophen der Vierzeiler sind kürzer als die anderen usw.

SHAKESPEARS SONNET

Die Geschichte der Sonettform selbst ist zutiefst dialektisch: Die innere Stabilität und Stabilität des Kanons verbindet sich mit seiner ständigen Bewegung und Verbesserung.

Bisher bezeichnen viele Wörterbücher das Sonett "Shakespearean" konventionell als englischer Reim. Obwohl die ersten englischen Dichter, die sich für dieses Genre interessierten, wahrscheinlich nicht erkannten, dass sie den Sonettkanon gewagt brachen.

Die Dichter Thomas Wyeth und Henry Howard, Earl of Surrey, schufen ihre Sonette in den 1530er Jahren. Der Anstoß für sie war zweifellos die Bekanntschaft mit den Sonette des Petrarca und seiner italienischen Anhänger. Außerdem waren sie mehrfach in Frankreich. So wurden ihre Sonette nach dem Schema gebaut: abba abba cdd cee. Aber in den ersten Ausgaben wurde die Aufteilung in Vierzeiler und Terzette meistens nicht angegeben, so dass dieses Schema bald als Kombination von drei Vierzeilern und einem Couplet wahrgenommen wurde: abba abba cddc ee. Serrey macht einen weiteren Schritt, der den klassischen Kanon verletzt - in zwölf der sechzehn Sonette bricht er das Gedicht in drei Vierzeiler mit Kreuzreim und das letzte Couplet mit Paarreim: abab cdcd efef gg, das heißt, er ist nicht auf a . beschränkt Sextett, wie die französischen Dichter und Wyeth, baut aber die gesamte Struktur des Sonetts wieder auf.

Die Verwendung gepaarter Reime am Ende eines Sonetts und Kreuzreime in Vierzeilern erklären die Forscher mit dem Einfluss der englischen Ballade, aber auch teilweise damit, dass die englische Sprache relativ reimarm ist. Darüber hinaus entsprach das Vorhandensein eines "Sonettschlüssels" (der letzte Couplet mit einem gepaarten Reim) dem Geschmack englischer Dichter, ihrer Vorliebe für die epigrammatische Vollständigkeit des Gedichts.

Shakespeares Hand machte die Norm, was von seinen Vorgängern nur ein zaghafter Versuch war. Die Art von Sonett, die Serrey in die englische Poesie einführte, wurde "Shakespearean" genannt und wurde nach Shakespeare die nationale englische Version des Kanons.

FAZIT

Am Beispiel von Shakespeares Sonette, die ein wesentlicher Bestandteil und meiner Meinung nach ein recht anschauliches Beispiel für sein Werk sind, kann man also zu folgenden Schlussfolgerungen kommen:

1). Die von Shakespeare entwickelten und konsolidierten Änderungen in der nationalen englischen Version des Sonettkanons, genannt "Shakespeare's", erlauben es uns nicht ohne Grund, seine "Sonnets" als Teil der Kreativität als den Höhepunkt der englischen Renaissance zu betrachten.

2). Die Traditionen der europäischen Renaissancekultur, definiert als Wiederbelebung des antiken Denkens und Fühlens und zugleich Ergebnis der Entwicklung der mittelalterlichen Kultur, schufen die Voraussetzungen für die Entstehung herausragender schöpferischer Persönlichkeiten, die zweifellos W ... Shakespeare. Das figurativ-thematische System und die Form seiner "Sonette" spiegeln das anthropozentrische Denken dieser Zeit wider, das auf der Grundlage der neuen europäischen Dialektik die komplexe Innenwelt des großen Dichters offenbart und seine schöpferische Absicht brillant verkörpert. Somit kann das Werk von W. Shakespeare als die höchste Synthese der Traditionen der gemeinsamen europäischen Renaissancekultur angesehen werden.

LITERATUR

Das Material dieses Abschnitts basiert auf dem einleitenden Artikel von Z.I. Plavskin zum Buch UWestern European SonnetF, L.: Verlag Universität Leningrad, 1998

Ich möchte anmerken, dass es einen soliden Zyklus (Gedicht) gibt, der aus 15 architektonisch verbundenen Sonetten besteht (die letzte Zeile der ersten Strophe ist die erste der nächsten, und aus den ersten Zeilen von 14 Sonette die 15. C "Autobahn" zusammengestellt wird, die die wichtigste semantische Last trägt), die eine Poetik den Namen "Kranz der Sonette" trägt.

Becher I. R. Philosophie eines Sonetts oder kleine Anleitung zu einem Sonett // Voprosy-Literatur. 1965. Nr. 10. S.194.